अमूर्तवाद: 11 सबसे प्रसिद्ध कार्यों की खोज करें

या अमूर्तवाद, या सार कला, एक ऐसा आंदोलन है जो काफी विविध प्रस्तुतियों को एक साथ लाता है, जो गैर-आलंकारिक डिजाइनों से लेकर ज्यामितीय रचनाओं से निष्पादित कपड़ों तक जाते हैं।

अमूर्त कार्यों और रूपों, रंगों और बनावटों को दिखाने के इरादे से, उन तत्वों को प्रकट करना जो मेल नहीं खाते हैं और एक प्रकार की कला से दुनिया के पढ़ने को उत्तेजित करते हैं जो उद्देश्य नहीं है।

1. अमरेलो-वर्मेलो-ब्लूवासिली कैंडिंस्की द्वारा

एक कैनवास, दिनांक 1925, आइटम नंबर शीर्षक ओएस नोम्स दास कोर प्राइमरी। यह रूसी बाल वासिली कैंडिंस्की (1866) चित्रित किया गया था, और इस समय पेरिस (फ्रांस) में कोई मुसी नेशनल डी'आर्ट मॉडर्न, सेंटर जॉर्जेस पोम्पीडौ नहीं है।

कैंडिंस्की को अमूर्त शैली का अग्रदूत या अग्रदूत माना जाता है और वह संगीत से निकटता से जुड़ा एक कलाकार था, इतना कि वह अपनी अमूर्त रचनाओं का हिस्सा था, जैसे कि अमरेलो-वर्मेलो-ब्लू, संगीत के बीच संबंधों से निर्मित मंच, कोर और रूपों के रूप में।

बड़े आयामों के कैनवास (127 सेमी गुणा 200 सेमी) में प्राथमिक कोर में विभिन्न ज्यामितीय आकार (जैसे मंडल, आयत और त्रिकोण) निष्पादित, ओवरकट होते हैं। कलाकार का लक्ष्य उन मनोवैज्ञानिक प्रभावों की ओर ध्यान आकर्षित करना था जो कोर और रूप हैं जो पेसो का व्यायाम करते हैं।

मामले के बारे में, कैंडिंस्की ने ऊंचाई पर कहा:

"एक कोर é um meio आत्मा पर सीधा प्रभाव डालने के लिए। एक कोर एक कुंजी है; या ओल्हो, या इसे हथौड़ा। आत्मा या यंत्र को आप एक हजार तार देते हैं। या कलाकार मेरा है, जो इस या उस कुंजी पर खेलते समय, केवल कंपन से आत्मा को प्राप्त करता है। एक मानव आत्मा, छुआ, सबसे संवेदनशील बिंदु नहीं है, वह जवाब देता है।"

2. नंबर 5जैक्सन पोलॉक द्वारा

कपड़े के लिए नंबर 5 मुझे 1948 में उत्तरी अमेरिकी चित्रकार जैक्सन पोलक ने पाला था, जिन्होंने पिछले वर्ष नहीं अपने कार्यों की रचना का एक बिल्कुल नया तरीका तलाशना शुरू किया था।

उनकी विधि में उनके स्टूडियो में रखे एक दागदार कपड़े पर तामचीनी स्याही डालना शामिल था। इस तकनीक ने लिन्हास का एक इमरानहाडो बनाने की अनुमति दी, और बाद में गन्हौ या "पेंटिंग बाय ड्रिपिंग" (ओयू) टपकाव का, अंग्रेजी में) पोलक अमूर्तवाद के दो प्रमुख नाम थे।

1940 के बाद से चित्रकार तिन्हा रिकोनिमेंटो आलोचना और जनता देता है। कपड़े के लिए नंबर 5, फ़ेटा नॉट एपेक्स दा सुआ कैरेरा, ई इमेन्सा, पोसुई २.४ मी गुणा १.२ मी.

यह काम मई 2006 में एक निजी कलेक्टर को 140 हजार डॉलर में बेचा गया था, उस समय के लिए कीमत के रिकॉर्ड को पछाड़ते हुए - इस बिंदु पर यह इतिहास के लिए सबसे हालिया भुगतान था।

3. इंसुला दुलकमारापॉल क्ली द्वारा

1938 में, या उनके प्राकृतिक जर्मन पॉल क्ले ने क्षैतिज प्रारूप में सात बड़े चित्रों को चित्रित किया। इंसुला दुलकमारा ई उम डेस पेनिस।

सभी काम मजदूरी पर एक कारवाओ के साथ रेखांकित किया गया है, जो क्ले कोलो टो या लिन्हो पर है, इस प्रकार एक चिकनी और विभेदित सतह प्राप्त करता है। विभिन्न हिस्सों में, दो दर्द और मजदूरी के संभावित वर्गों का इस्तेमाल किया गया, जो स्वयं क्ले के लिए एक सुखद और अप्रत्याशित आश्चर्य था।

Insula Dulcamara चित्रकार की दो और आनंदमय कृतियाँ हैं, उनके मुफ़्त सामान, बिखरे हुए और एक परिभाषित आकार के साथ। काम का शीर्षक लैटिन में है और इसका अर्थ है "इंसुला" (इल्हा), "डलसिस" (बारह, अमावेल) और "अमरस" (कड़वा), और इसका अर्थ "इल्हा डोसे ई अमरगा" के रूप में किया जा सकता है।

अपने जीवन के अंतिम वर्षों के दौरान एक कपड़ा उठाया गया था और, क्ले देउ के संबंध में निम्नलिखित कथन:

"हमें खुद को शामिल देखने की उम्मीद नहीं करनी चाहिए, न कि अधिक अपचनीय तत्वों के साथ; हमें बस यह आशा करनी है कि जितनी अधिक कठिन चीजें आत्मसात करना है वे विचलित या संतुलन न करें। इस तरह, जीवन, निश्चित रूप से, एक बहुत ही व्यवस्थित बुर्जुआ जीवन से कहीं अधिक भारी है। और प्रत्येक um é livre, आपके इशारों के अनुसार, या बारह या के बीच में अनुरक्षण और या दो pratos da balança छोड़ दिया। "

4. Amarelo, Azul e Vermelho. के साथ रचनापीट मोंड्रियन द्वारा

Amarelo, Azul e Vermelho. के साथ रचना इसे शुरू में 1937 और 1938 के बीच पेरिस में चित्रित किया गया था, लेकिन 1940 और 1942 के बीच न्यूयॉर्क में इसे विकसित किया जा रहा था, जब मोंड्रियन ने कुछ सुंदर रेखाओं और दूसरों के उच्चारण को फिर से स्थापित किया। एक काम मिला, 1964 के बाद से, टेट सेंट इवेस (कॉर्नवाल, इंग्लैंड) का कोई संग्रह नहीं है।

या मोंड्रियन की रुचि अमूर्त गुणवत्ता में थी। एंबोरा ने अपने करियर की शुरुआत आलंकारिक कार्यों के साथ की है, एक गुजरते समय या अमूर्तवाद में निवेश करने वाले एक चित्रकार के रूप में और 1914 में, उन्होंने अपने काम के वक्रों को कट्टरपंथी और व्यावहारिक रूप से समाप्त कर दिया।

हे फ्रांसीसी चित्रकार ने कठोर अमूर्त चमदा का एक नया रूप विकसित किया नियोप्लास्टिकवाद, जो कि रेखाओं, क्षितिजों और लंबकों की रेखाओं और बुनियादी प्राथमिक कोर तक सीमित था। सामान्य तौर पर, इसकी रचनाएँ सममित नहीं थीं। उमा क्यूरियोसिडेड: जैसा कि लिन्हास हॉरिजॉन्टेस को आमतौर पर वर्टिकैस दिनों से पहले चित्रित किया जाता था।

मोंड्रियन ने महसूस किया कि यह विशिष्ट प्रकार की कला आलंकारिक पेंटिंग से पहले की तुलना में एक बड़े और सार्वभौमिक सत्य को दर्शाती है।

5. सर्वोच्चतावादी रचना, काज़िमिर मालेविच

मोंड्रियन के रूप में असीम, या सोवियत चित्रकार काज़िमिर मालेविच ने एक नया कला रूप बनाया। या सर्वोच्चतावाद 1915 और 1916 के बीच रूस में पैदा हुए। अपने साथी अमूर्तवादियों की तरह, उनकी सबसे बड़ी इच्छा सभी और किसी भी वस्तु की भौतिक उपस्थिति को नकारना था। विचार पवित्रता प्राप्त करना था, या, जैसा कि स्वयं ब्रीडर ने कहा था, "सर्वोच्चता शुद्ध अनुभूति देती है"।

आसिम ने एक अमूर्त कृति बनाई सर्वोच्चतावादी रचना 1916 में, जो नई शैली की आवश्यक विशेषताओं को प्रस्तुत करता है। यह 88.5 सेमी × 71 सेमी के आयाम और एक निजी संग्रह के हिस्से के साथ काम करता है।

एक तकनीक को सरल ज्यामितीय आकृतियों के उपयोग और. के पैलेट के लिए वरीयता की विशेषता है इसके अलावा सरल, प्राथमिक और माध्यमिक कोर, कभी-कभी अतिव्यापी, अन्य एक साथ स्थित होते हैं। पक्ष। ओ ने वाज़ियो का प्रतिनिधित्व करते हुए é quase semper branco nas criações de Malevich की स्थापना की।

6. ओ हमारा करो फर्मामेंटजोआन मिरो द्वारा

ओ एस्पानहोल जोन मिरो सरल रूपों से भव्य अर्थ निकालने के लिए प्रतिबद्ध कलाकार थे, जो ज्यादातर पर्यवेक्षक की कल्पना और व्याख्या पर निर्भर करते हैं।

यह मामला है ओ हमारा करो फर्मामेंट, कैनवास पर ऐक्रेलिक तकनीक के साथ 1967 में बनाई गई तस्वीर और यह पृष्ठ बार्सिलोना में Fundação Joan MIró के संग्रह से संबंधित है।

नेसा रचना, हम अमरेलो की प्रबलता देखते हैं, जो एक धारा है जो आनंद से जुड़ी है, जो सभी रूपों को कवर करती है।

नीले रंग से फीका एक बड़ा द्रव्यमान है, जो प्रमुखता से होता है, क्योंकि शेष आकृतियाँ और रेखाएँ प्रभु में प्रवाहित होती प्रतीत होती हैं।

ओ काम को मिरो की रचनात्मक प्रक्रिया का संश्लेषण माना जाता है, जो पेंटिंग में सहज रूप से जांच करने और सटीक रूपों को बनाने के लिए समर्पित था।

7. रम और अखबार की बोतलजुआन ग्रिसो द्वारा

स्पैनिश क्यूबिस्ट जुआन ग्रिस द्वारा 1913 और 1914 के बीच चित्रित, या कैनवास पर तेल स्याही में काम करते हुए, यह वर्तमान में टेट मॉडर्न (लंदन) के संग्रह से संबंधित है। ग्रे अक्सर फ्लैट, बनावट वाले कोर ई ओवरले, और. का उपयोग किया जाता है रम और अखबार की बोतल यह उनकी तकनीक का एक अनमोल उदाहरण है।

या तस्वीर, जिसे आप अपना सबसे अधिक प्रतिनिधि काम देते हैं, चौराहे में कोणीय विमानों से एक छवि लोड करें। उनमें से कई अतीत से लकड़ी के खंड हैं, शायद एक टेबलटॉप के सूचक, यह दर्शाते हैं कि वे वास्तविक से जुड़े परिप्रेक्ष्य की किसी भी संभावना को नकारते हुए कैसे ओवरलैप और इंटरलिंक करते हैं।

शीर्षक की एक बोतल और या पत्रिका को न्यूनतम सुराग के साथ दर्शाया गया है: कुछ अक्षर, एक रूपरेखा और एक स्थान का सुझाव दो वस्तुओं की पहचान पर दांव लगाने के लिए पर्याप्त हैं। या क्वाड्रो के अपेक्षाकृत छोटे आयाम थे (46 सेमी गुणा 37 सेमी)।

8. गहरे लाल रंग में कालामार्क रोथकोस द्वारा

सुआस कोर फोर्ट्स ई फनब्रेस के कारण एक दुखद पेंटिंग माना जाता है, गहरे लाल रंग में काला1957 में उठाया गया, वह उत्तर अमेरिकी चित्रकार मार्क रोथको के बाद के उत्तराधिकार द्वारा दो पेंटिंग हैं। जब से उन्होंने पेंट करना शुरू किया, 1950 के दशक में, रोथको अलमेजावा सार्वभौमिकता तक पहुंच गया, हर साल उन्हें एक तेजी से सरलीकृत आकार मिला।

ब्लैक एम डीप रेड विशेषता प्रारूप कलाकार के दो कार्यों का अनुसरण करता है, न कि मोनोक्रोमैटिक आयतें क्वाड्रो की दो सीमाओं के भीतर तैरती प्रतीत होती हैं।

रंगद्रव्य की कई महीन परतों के साथ कपड़े को सीधे रंगना और उन सीमाओं पर विशेष ध्यान देना जहां अंतर-एजेंसी क्षेत्र, या चित्रकार पहुंचे या प्रभाव छवि से ही प्रकाश विकिरण देता है।

काम वर्तमान में एक निजी संग्रह से संबंधित है जिसे 2000 में तीन हजार डॉलर से अधिक में बेचा गया है।

9. कॉन्सेटो स्पैज़ियाल 'एटेसा'लुसियो फोंटाना द्वारा

1958 और 1968 के बीच मिलान में अर्जेंटीना के चित्रकार लुसियो फोंटाना द्वारा निर्मित कार्यों की एक श्रृंखला के हिस्से के चेहरे पर एक कैनवास बढ़ता है। ये काम, जिसमें एक या अधिक बार कटे हुए कपड़े होते हैं, सामूहिक रूप से टैगली ("कट्स") के रूप में जुड़े होते हैं।

फोंटाना द्वारा समग्र, साओ या माईस व्यापक और विविध कार्यों के समूह के रूप में माना जाता है, और वे अपने सौंदर्यशास्त्र के प्रतीक के रूप में देखे जाते हैं। या लक्ष्य दो फ़्यूरो, शाब्दिक रूप से, काम की सतह को तोड़ना है ताकि दर्शक अनुभव कर सके या स्थान जो कि एलेम है।

लुसियो फोंटाना ने 1940 के दशक से परफ्यूमिंग फैब्रिक की तकनीक विकसित करना शुरू किया। एक प्लास्टिक कलाकार बनी हुई है, हम वर्ष १९५० और १९६०, अपने विशिष्ट हावभाव के रूप में बुरकोस को खोलने के विभिन्न तरीकों की तलाश कर रहे हैं।

फोंटाना का चेहरा फेंडा के रूप में कपड़े से जुड़ी एक शीट के साथ होता है जिसे बाद में गेज़ प्रीटा फोर्ट के साथ उपनाम दिया जाता है, जो पीछे से एक वाज़ियो की उपस्थिति देता है। 1968 में, फोंटाना ने एक साक्षात्कारकर्ता के साथ साझा किया:

"यूरोपीय संघ ने एक अनंत आयाम (...) मिन्हा डेस्कोबर्टा फोई ओ बुराको ई ई इस्सो बनाया। ऐसे डेस्कोबर्टा के टीले डिपो में जाने के लिए फिको खुश "

10. काउंटर-रचना VIथियो वैन डोसबर्ग द्वारा

डच कलाकार थियो वैन डोस्बर्ग (1883-1931) ने कैनवास पर तेल की स्याही का उपयोग करते हुए, वर्ग प्रारूप में, वर्ष 1925 तक एक काम को चित्रित किया।

चूंकि ज्यामितीय और सममित रूपों को सावधानी से व्यवस्थित किया जाता है, स्याही से ढकने से पहले, रेखाएं एक साथ प्राथमिक कैनेटा के रूप में खींची जाती हैं।काउंटर-रचना VI चेहरा एक संग्रह का हिस्सा है जो विशेष रूप से एक विकर्ण आकार और मोनोक्रोमैटिक टन पसंद करता है।

एक चित्रकार होने के अलावा, वैन डोसबर्ग एक लेखक, कवि और वास्तुकार भी हैं और कलाकारों के डी स्टिजल समूह से संबंधित हैं। या काम काउंटर-रचना VI, ५० सेमी गुणा ५० सेमी, १९८२ में टेट मॉडर्न (लंदन) द्वारा अधिग्रहित किया गया था।

11. मेटा-स्कीमाद्वारा हेलियो ओटिकिका

ब्राजील के प्लास्टिक कलाकार हेलियो ओटिकिका ने 1957 और 1958 के बीच मेटा-स्कीमा के विभिन्न कार्यों का नाम दिया। यह उन चित्रों से संबंधित है जो कार्टो पर गौचे स्याही से चित्रित झुकाव वाले अवकाश लेते हैं।

एक ही रंग (या तो मामला या वर्मेलो) के मोल्डिंग के साथ ज्यामितीय आकार होते हैं, सीधे एक चिकनी और स्पष्ट रूप से खाली सतह पर लागू होते हैं। रूपों को घनी रचनाओं में व्यवस्थित किया जाता है जो ढलान डिग्री पर इकट्ठे होते हैं।

ओटिकिका ने रियो डी जनेरियो में रहने और काम करने के दौरान निबंधों की एक श्रृंखला का निर्माण किया। दूसरा या खुद का चित्रकार, उन्हें "अंतरिक्ष के जुनूनी विच्छेदन" के रूप में माना जाता था।

अधिक जटिल त्रि-आयामी कार्यों के लिए मंच या प्रारंभिक शोध पोंटापे जिसे कलाकार भविष्य में विकसित नहीं करेगा। एम 2010, उम मेटा-स्कीमा इसे क्रिस्टीज में 122.5 हजार अमेरिकी डॉलर में बेचा गया था।

या यह या अमूर्तवाद क्या था?

ऐतिहासिक रूप से, 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में यूरोप में अमूर्त कार्यों का विकास नहीं हुआ, न कि आधुनिक कला आंदोलन के संदर्भ में।

यह उन कार्यों के बारे में है जो पुन: प्राप्त वस्तुओं का प्रतिनिधित्व करने के लिए अभिप्रेत नहीं हैं और प्रकृति की नकल करने के लिए प्रतिबद्ध नहीं हैं। इसलिए, जनता की पहली प्रतिक्रिया और आलोचना समझ से बाहर समझे जाने वाले बच्चों की अस्वीकृति की थी।

इस प्रकार एक आलंकारिक मॉडल के रूप में तोड़ने के लिए अमूर्त कला की ठीक-ठीक आलोचना की गई। इस प्रकार के कार्य को बाहरी वास्तविकता और प्रतिनिधित्व के साथ जोड़ने की कोई आवश्यकता नहीं है।

जैसे-जैसे हम गति को पार करते हैं, वैसे-वैसे काम अधिक तेल बनाते हैं और कलाकार अपनी शैलियों को गहराई से तलाशने में सक्षम होंगे।

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