10 kuriositeter om kjente kunstverk

En ekte elsker som poserer som jomfruen, det mest beryktede ranet i historien, et selvportrett i en oljeboks... Kunsthistorien er full av anekdoter, og i virkeligheten er ingenting som det ser ut til. Deretter presenterer vi en liste med noen av de mest saftige kuriositeter om kjente kunstverk, forklart i detalj.

10 kuriositeter om kjente kunstverk

Her er 10 kuriositeter som skjuler noen av de mest kjente kunstverkene i historien.

1. Det mest kjente maleriet i verden

Helt sikkert, Giocondaen av Leonardo da Vinci er et av verkene som får flest besøkende. Har du noen gang lurt på hvorfor? Og det er at dette lille bordet ikke alltid var så populært. Faktisk, før 1911 la folk som besøkte Louvre knapt merke til det.

Men det hendte at de om morgenen tirsdag 22. august 1911 innså at Monna Lisa ikke var på sin plass. Hadde forsvunnet. Og slik var det i ikke mindre enn to år; Den ble ikke lokalisert før i desember 1913, da gjerningsmannen til det beryktede ranet ble funnet: Vincenzo Peruggia.

Peruggia hadde jobbet ved Louvre og visste godt hvordan maleriene ble hengt opp. Dessuten hadde han i sin besittelse en arbeiderkjole, som han tok på seg for å forsvinne. La oss huske at vi snakker om 1911 og at det derfor ikke fantes sikkerhetskameraer som kunne registrere tyveriet. Mandag 21. august, dagen da museet var stengt,

Peruggia tok rolig opp La Gionconde, hang han den under armen og forlot Louvre, tidligere gjemte den under arbeiderens frakk. Ingen la merke til det... før neste dag.

Nyheten om tyveriet spredte seg som en ild i tørt gress. Guillaume Apollinaire havnet i fengsel anklaget for ranet, og hans kollega Pablo Picasso var også en del av listen over mistenkte. Aviser matet sladder og legender. Da maleriet ble funnet på et lite hotell i Firenze, hvor Peruggia hadde tilkalt antikvitetshandleren Alfredo Geni for å selge ham verket, Giocondaen Det var allerede en sann myte. En myte hvis berømmelse (berettiget eller ikke) bare har vokst frem til i dag.

• Relatert artikkel: "Hva er de 7 kunstene?"

2. Skriket som ikke er et skrik

Vi har alle det spektakulære lerretet i tankene Skriket, av den norske maleren Edvard Munch: før et landskap som ser ut til å smelte, løfter en fremmed skikkelse hendene opp i ansiktet og skriker. Ikke sant? Vel nei. Ja det er en figur Han ser rar ut, som en dødsmaske eller en mumie, og han legger hendene mot ansiktet... men han skriker ikke.

Egentlig refererer navnet på maleriet til scenen som inspirerte maleriet. Munch selv beskriver det slik i sin dagbok: «Jeg gikk langs en sti med to venner; solen gikk ned. Plutselig ble himmelen blodrød, jeg stoppet og lente meg dødtrøtt mot et gjerde: blod og ildtunger lusket over fjordens og byens mørkeblå. Vennene mine fortsatte og jeg sto stille og skalv av angst. Jeg kjente et uendelig skrik som krysset naturen ..."

Det vil si ropet som gir maleriet navnet er naturens mektige rop, ofte destruktiv, som ryster maleren og får ham til å vakle. Selvfølgelig et helt annet syn på arbeidet som har blitt populært.

• Du kan være interessert i: "De 8 grenene av humaniora"

3. det blasfemiske liket

I 1601 mottok Michelangelo Merisi, bedre kjent som Caravaggio, et oppdrag for kirken Santa Maria della Scala i Roma. Du må male et bilde som gjenspeiler Jomfruens transitt, omgitt av apostlene. Ikke før sagt enn gjort. Caravaggio tar penselen sin og noen få modeller, og lager et monumentalt lerret, der Maria dukker opp tilbakelent og apostlene vokter henne og beklager hennes død.

Så langt virker alt på plass. Men vi vet allerede at Caravaggio var en av barokkens store naturforskere, som hentet modellene sine fra de fattigste nabolagene i Trastevere. Caravaggio viser oss vulgære, fillete og skitne karakterer på lerretet; Dessuten ser Jomfruens liggende figur ut som et lik som nettopp er hentet fra likhuset. Faktisk, noen rykter antydet at maleren faktisk hadde tatt en prostituert druknet i Tiberen som modell for Maria (som kommer fra Caravaggio, kan være helt sant).

La oss fullføre! Det var en hån innredning kirkelig, som krevde regler når de representerte hellige karakterer. Som forventet ble arbeidet avvist. Heldigvis tenkte ikke alle det samme. En forbløffet Rubens var så heldig å se verket og ble helt betatt av det. Kunstneren overbeviste hertugen av Mantua om å kjøpe lerretet, og vi kan for øyeblikket nyte det på Louvre-museet.

• Relatert artikkel: "Hva er kreativitet?"

4. Clara Peeters tar et bilde... i en oljekanne

Det er vanlig at malere selvportretter seg i sine arbeider. Det er en ganske utbredt skikk siden renessansen; for eksempel inkluderte Botticelli sitt portrett blant mengden hans Tilbedelse av magiene (1475-76), og Bosch gjorde det samme i sin Hage av gleder (1503-15), selv om vi for å være rettferdig må si at identiteten til sistnevnte ikke er bekreftet.

Clara Peeters (1594? -?) var en flamsk maler kjent for sine utsøkte stilleben. I mange av dem inkluderte han sitt eget bilde, reflektert på overflaten av noen gjenstander. Dette er tilfellet med et av stillebenene som Prado-museet bevarer, datert 1611, og som viser et bord med deilige delikatesser (kaker, brød og frukt) tørr), en vase med blomster, et glass vin og en oljeboks hvor vi, hvis vi ser nøye etter, kan se ansiktet til kunstneren, reflektert i metall.

Claras virtuositet er tydelig i disse detaljene, siden det ikke er lett å fremstille seg selv på den buede overflaten til et objekt. Kunstneren kontrollerer perfekt effekten av lys og forvrengningen som oljens slingring kan forårsake i portrettet. Hvis du går til Prado, kan du prøve å oppdage det.

5. Kontroversens ansikt

Hvem er kvinnen portrettert av Goya i duplikat, den ene kledd i orientalske kjoler og den andre helt naken? Vi sikter selvfølgelig til den berømte Majas, for tiden oppbevart i Prado-museet og som en gang tilhørte den private samlingen til Manuel Godoy, statsminister i Carlos IV.

I inventaret til Godoy-palasset fremstår lerretene som "sigøyner"-malerier, uten ytterligere spesifikasjoner.. Kontroversen begynte da inkvisisjonen selv innkalte Goya for å vitne om maleriene og om personen som hadde bestilt dem. Elver av blekk begynte å renne. Var det ansiktet til den berømte hertuginnen av Alba som så ut til å se utfordrende (og også sensuelt) på betrakteren?

Denne versjonen var den mest aksepterte av den populære legenden; Men hertuginnen av Alba var svært syk allerede da maleriene ble laget. Kan det da være at den portretterte var en annen? Kanskje Pepita Tudó, Godoys kjæreste på den tiden? Sammenligningen av egenskapene til Majas med bekreftede portretter av Pepita viser en ekstraordinær likhet. På den annen side Majas de var i Manuel Godoys eie; det virker helt logisk at ministeren ønsket å ha et erotisk portrett av sin elsker.

Tross antagelsene har det ennå ikke vært mulig å bekrefte hvem som er kvinnen som poserer kokett og elegant på en sofa. Kanskje det er bedre på denne måten, siden mysteriet om Majas Det er en av de største attraksjonene.

6. Velázquez skildrer familien hans

Velázquez malte sin Tilbedelse av magiene under sin tid i Sevilla, da han fortsatt var i Francisco Pachecos verksted. Det var nettopp datteren hans, Juana, som Velázquez giftet seg med i 1618. Verket, malt året etter, er, utover representasjonen av helligtrekonger, et tegn på troskap og familiekjærlighet.

Og det er det Velázquez fanget trekkene til sin kone Juana i ansiktet til Jomfru Maria. Ikke bare det; det er kjent at Jesusbarnet i virkeligheten var hans lille datter Francisca, født bare noen måneder før. Velázquez selv ville være den unge figuren i forgrunnen, mens den eldre kongen ville være et portrett av sin svigerfar og lærer, Francisco Pacheco. Noe, derimot, veldig vanlig i barokken: sammensmeltningen av det hellige med hverdagslivet, som brakte de bibelske karakterene enormt nærmere folket.

7. Angelicas "tredje bryst"

Til tross for at han er en høyt verdsatt maler i dag, er sannheten at Jean-Auguste-Dominique Ingres hadde mange kritikere i løpet av sin levetid. Kunstneren hadde et rykte for å tegne umulige anatomier; kritikken av øyeblikket var primet med hans stor odalisk (1814), som de sa hadde "flere ekstra ryggvirvler".

Det er sant at Ingres-figurer ikke er anatomisk perfekte. De har en nesten gotisk sløvhet som gjør dem nærmere drømmeverdenen enn den håndgripelige virkeligheten.. Det er imidlertid en del av sjarmen til arbeidet hans.

Noen av hans samtidige mente ikke det samme, som vi allerede har sett. Et annet av hans mest kjente malerier, Roger frigjør Angelica (1819), mottok den samme heftige kritikken som hans Odalisk. La oss se på datoen: 1819, høyden av det nyklassisistiske raseriet i Frankrike. Figuren til Angelica, lenket til en stein og reddet av Roger fra den sikre døden, flakker på halsen hennes... et tredje bryst! Eller i det minste var det slik malerens samtid ønsket å se det. Forvirringen kommer fra den utstående bulen som den unge kvinnen viser under haken og i den runde halsen. Kan det være at Angelica presenterte en svulst? Hvem vet…

8. En kongelig elskerinne i rollen som jomfruen

I Melun Diptych (1450), som begge deler for tiden oppbevares i forskjellige museer, Jean Fouquet representerer jomfruen som ofrer brystet sitt til Jesusbarnet for å bli matet, i en velkjent ikonografi som Galaktotrophousa (Jomfru av melken). Denne typen representasjon var ganske vanlig fra de første århundrene av middelalderen, men Jean Fouquet gir den en vri og representerer en jomfru av suggestiv erotikk.

María er kledd i datidens mote; pannen hans er barbert, det samme er øyenbrynene. Huden hennes er snørik og myk, og brystene hennes (faktisk bare den ene, siden den andre er avdekket) er innkapslet i en blå BH. En elegant hermelinkappe faller nedover ryggen hennes... Den jordiske skjønnheten og åpenbare erotikken til denne Madonnaen er et virkelig sjokk for seeren. Og hvis vi tar hensyn legenden som sikrer at modellen er ingen ringere enn Agnès Sorel, favoritten til kong Charles VII av Frankrike, alt blir enda mer komplisert. En ekte elskerinne som spiller Jomfru Maria!

Damens identitet kunne ikke bekreftes, men det viser seg at en av lånetakerne til diptyken, som dukker opp representert på det andre bordet, var eksekutøren til Agnès, som døde veldig ung, tjueåtte, angivelig forgiftet. Vil du ha flere tilfeldigheter? Datoen for utførelse av diptyken tilsvarer datoen for favorittens død. Trekk dine egne konklusjoner.

9. familien må være sammen

Napoleon ga den berømte nyklassisistiske maleren Jacques-Louis David i oppdrag å lage et kolossalt lerret for å forevige hans maktovertakelse. David fanget øyeblikket da Napoleon, allerede kronet, på sin side påtvinger sin kone, dronning Josephine, kronen. Det er en grandiose visjon på ikke mindre enn 667 x 990 cm, og befinner seg for tiden i Louvre-museet.

Blant folkemengden som deltar på kroningen, kan vi i en fremtredende boks se moren til den store korsikaneren, som ser på sønnen sin med beundring. Men sannheten er at i sannhet så hadde ikke María Letizia Ramolino deltatt på seremonien, pga. visse familieuenigheter (det sies at moren ikke godkjente sønnens ekteskap med Josephine...). Napoleon nølte ikke med å be David inkludere moren sin blant de fremmøtteFor hvilket bilde ville han gi folket hvis han offentliggjorde familiens problemer? Datidens Photoshop.

10. Avignon er i Barcelona

Det berømte maleriet av Picasso har blitt vurdert Damene i Avignon som det første helt kubistiske maleriet. Imidlertid er komposisjonen fortsatt noe eksperimentell. Picasso prøver formelle løsninger som, ja, er en klar presedens for kubismen som kommer senere.

Maleriet skildrer fem prostituerte... fra Avignon, Frankrike? Nei; Avinyó gate (Avignon), i Barcelona. La oss huske at i disse årene (1907) hadde den unge Picasso bosatt seg i Barcelona. Dermed kan navnet på maleriet være misvisende, spesielt med tanke på at kunstneren senere bodde i Frankrike. Hvis du noen gang stikker innom Barcelona, ​​husk å besøke den aktuelle gaten; Det ligger i hjertet av det såkalte gotiske kvarteret, et område med mye sjarm og mange kunstneriske juveler å oppdage.