Stanislavski -system: hvad det er, egenskaber og hvordan det bruges i skuespil

De siger, at Stanislavskis yndlingsord til sine skuespilelever var "Jeg tror dig ikke, du overbeviser mig ikke." Hans måde at se og forstå, hvordan teaterartister skulle handle, var krævende, men også omhyggelig. Så meget, at det blev sin egen metode: Stanislavski -systemet.

Hans systematiske tilgang til handlingen revolutionerede ikke kun den måde, skuespillet blev udført på Rusland i sin tid, men formåede også at krydse grænser ved at ændre teaterretningen vestlig.

Denne metode har været afgørende for at lave skuespil, serier og film, som vi kender dem i dag, og så finder vi ud af hvorfor.

• Relateret artikel: "Hvad er de 7 Fine Arts? En oversigt over dens egenskaber "

Hvad er Stanislavski -systemet?

Konstantin Sergeevich Alekseyev (Moskva 1863 - 1938), bedre kendt som Stanislavski, var en produktiv russisk skuespiller, sceneinstruktør og teaterpædagog Kendt for at være forfatter til en af ​​de vigtigste metoder til scenekunstens historie: Stanislavski -systemet. Produktet af mange års indsats, hans metode var beregnet til at give aktører mulighed for at kontrollere aspekter af det mest immaterielle og ukontrollabel menneskelig adfærd på scenen, såsom følelser og inspiration kunstneriske.

Stanislavski studeret, hvad skuespillere gjorde, der naturligvis formåede at komme i karakter. Baseret på sine observationer og erfaringer skabte denne russiske instruktør et system, som hver skuespiller, både nybegynder som veteraner i faget, kunne ansøge i deres værker om at opnå en renere, ægte og naturlig. Denne metode var så revolutionerende på tidspunktet for dens udseende, at den markerede en før og efter i skuespilverdenen, etablere standarder, der afgrænsede grænsen mellem en overbevisende præstation af en kunstig og dårlig repræsenteret.

Denne metode blev formuleret på et tidspunkt, hvor scenekunsten i hans hjemland, Rusland, var præget af konventionelle og stereotype klicheer. Skuespillerne handlede kunstigt, endda histrionisk. Skuespillerne var badet i en aura af falsk følelsesmæssighed og lidt forberedelse fra skuespillernes side, så lidt, at de selv fandt ud af, hvad de havde at sige, da de allerede var på scenen. Lidt eller ingenting blev set på scripts, hvor det, de skulle have husket, kom frem.

Stanislavski foretog grundig forskning for at få sine skuespillere til at arbejde fra begyndelsen med noget, de opfattede som virkeligt., mennesker, elementer og objekter, der ikke ses som blot elementer i en scene, men dele af en rigtig, dagligdags scene, en del af selve livet. Folk er ikke aktører i vores liv, men vi er en del af dem, vi lever dem mere end handler dem.

For at få skuespilleren til at komme ind på den scene, han repræsenterer, forsvarer Stanislavski brugen af ​​følelsesmæssig hukommelse. Skuespilleren eller skuespilleren skal huske en personlig oplevelse, der ligner den, de forsøger at repræsentere, og hjælpe dem med at føle sig mere nedsænket og involveret i det, de forsøger at repræsentere på scenen. Du bør kigge efter en situation i din livshistorie, hvor du følte en følelse analog med din karakter.

Men dette opnås ikke udelukkende ved at fremkalde oprigtige følelser. Det er også nødvendigt med lidt ekstern støtte, ændre vores udseende og adfærd for at give liv til karakteren at den er beregnet til at repræsentere eller rettere sagt give liv. Make up, kjole, gå, kort fortalt opføre sig som karakteren siden eksterne fysiske handlinger hjælp til at udløse den følelse, der søges, efter princippet om, at hvis du begynder at græde, ender du med at blive trist.

• Du kan være interesseret i: "20 film om psykologi og psykiske lidelser"

Principperne for Stanislavski -systemet

Stanislavski -systemet er ret komplekst og kan ikke siges at være statisk netop på grund af hvor meget det har udviklet sig siden det blev konceptualiseret i begyndelsen af ​​det 20. århundrede. Det er dog muligt at fremhæve nogle af dets vigtigste principper, som har bidraget til at markere a før og efter på den måde, teaterartister og senere film og serier repræsenterede deres tegn:

1. Koncentration på karakteren

Skuespilleren skal svare på fantasilære at tænke som karakteren, koncentrere sig om at være det, han spiller.

2. Følelse af sandhed

Med en sans for sandhed kan vi sige, at en af ​​ideerne med denne metode er at skelne mellem det organiske og det kunstige. Stanislavski var fast overbevist om, at der var naturlove, der skulle følges inden for scenekunst, som, hvis det respekteres, adskilte et godt, naturligt og harmonisk værk fra et dårligt, konstrueret og overreageret.

• Relateret artikel: "De 13 typer læring: hvad er de?"

3. Handl efter de givne omstændigheder

Skuespilleren skal være dygtig til brug og håndtering af de omstændigheder, der er angivet i teksten, men ved hjælp af sandheden og ty til organiske midler. Er om fastholder manuskriptet, men frigør dig selv ved at repræsentere din følelsesmæssighed, forbliver tro mod det, der vises i manuskriptet, men får forestillingen til at have personlighed og naturlighed.

• Du kan være interesseret i: "Dramatiske tekster: hvad er de, typer, egenskaber og eksempler"

4. Den fysiske metode

Stanislavski så, at mange af hans elever havde dybe følelsesmæssige spændinger og psykiske problemer. Gennem sin metode kunne han hjælpe med at fjerne fysiske og følelsesmæssige spændinger fra skuespillerne og skabe dem De vil slappe af deres muskler, mens de udfører præsentationerne og handle på en meget mere frigjort måde.

Hertil kommer, at den russiske instruktør tillagde den fysiske faktor ekstraordinær betydning, som ikke kun tjente til at slappe af, men også til at iscenesætte mere præcist. Det er på grund af dette, at dit system også har været kendt som fysisk handlingsmetode på grund af dens store vægt på at slappe af musklerne, mens du udfører præstationen.

• Relateret artikel: "Jacobsons progressive afslapning: brug, faser og effekter"

5. Opmærksomhedsområder

Opmærksomhedens sfærer er, hvad Stanislavski mente med at arbejde med sansninger. Skuespilleren skal opdage værkets sanselige grundlag. I din opgave er at lære at huske og huske de fornemmelser, som din karakter føler, fornemmelser der modulerer deres sindstilstand og deres måde at opføre sig på med de andre karakterer i stykket og med offentlig.

6. Kommunikation og kontakt

Skuespilleren skal være i stand til at interagere med andre karakterer på en spontan måde uden at krænke bogens indhold, men det virker ikke som noget tvunget eller kunstigt forberedt. Kommunikation og kontakt med de andre aktører er afgørende under øvelserne og de sidste forestillinger.

• Du kan være interesseret i: "De 28 kommunikationstyper og deres egenskaber"

7. Roller opdelt i enheder og mål

Kunstnere skal lære at opdele deres hovedpersoners rolle eller rolle i fornuftige enheder, der kan arbejde hver for sig. Det er skuespillerens og skuespillerens opgave at definere hver rolleenhed og føle det som deres eget ønske. frem for at forstå det som en litterær idé, der stammer fra instruktørens libretto.

8. Kreativitet i handling og tænkning

Du kan ikke være skuespiller uden at være kreativ. Kreativiteten manifesterer sig både i en kreativ sindstilstand og i måden at handle på.

• Relateret artikel: "Hvad er kreativitet? Er vi alle 'potentielle genier'? "

9. Arbejd med scriptets tekst

Dette princip kan lyde indlysende, da det er svært at repræsentere et værk pålideligt, mens man fuldstændig ignorerer, hvad det siger i librettoen. I Rusland i begyndelsen af ​​forrige århundrede blev dette imidlertid ikke taget for givet af nogle russiske kunstnere siden at det ved mange lejligheder skete, at scripts ikke blev læst, og de stolede på, at de ville fortælle dem deres sætninger, mens de handlede.

Skuespilleren skal respektere det, han lægger i manuskriptet, huske og internalisere sine linjer, men ikke lære det at "kaste op" det på tidspunktet for stykket. Skuespilleren skal opdage tekstens sociale, politiske og kunstneriske betydning, forstå de ideer, som instruktøren har udødeliggjort i stykkets manuskript. Som kunstner skal skuespilleren eller skuespilleren tjene som et middel til at overlade disse værdier og visioner til offentligheden, der er kommet for at se værket.

Betydningen af ​​Stanislavski -systemet i dag

Stanislavski -systemet har udviklet sig over tid. I begyndelsen var det, skuespillerne og skuespillerinderne skulle gøre, at finde sandheden om karakteren, behandle den som en reel enhed. Dog med tiden praksis med at finde i sin egen erfaring de ressourcer, der giver ham mulighed for at føle, hvad hans karakter føler, blev inkorporeret i enhver situation.

I dag forstås det, at skuespilleren ikke kun må forstå, hvad der sker med hans karakter indeni værket, men skal også kende den vitale situation, det befinder sig i, og under hvilke omstændigheder det befinder sig omgive. Ved at kende dette og leve det i sit eget kød, vil skuespilleren være i stand til at reagere på samme måde til, hvordan hans karakter forventes at gøre det, hvilket gør forestillingen så naturlig som muligt.

Dette er gået en del længere og nået det nuværende faktum, at mange kunstnere lever i deres daglige, som de tror, ​​deres karakter ville. for eksempel, at hans karakter er en landmand, der bor på landet, for så går skuespilleren til en gård i en sæson og lever som om det var hans erhverv i det virkelige liv. Efterhånden som årene gik, tilføjede forskellige fortolkningsskoler visse former for praksis Stanislavski -system, der med tiden bliver til det, der i skuespilverdenen er kendt som "the metode".