Hvad er middelalderkunstens skønhedskanoner?

En mørk tid. Lille lærdom. En barsk og klodset kunst. Meget religiøse væsener, der altid bad... Det er de forudfattede ideer, vi har fra middelalderen, delvist ansporet af film og romaner. Virkeligheden var dog meget anderledes.

Menneskene i Middelalderen de havde kunstnerisk sensibilitet og havde deres egne kanoner i forhold til skønhed. Faktisk adskiller disse sig i mange henseender ikke for meget fra antikken, selvom emnerne har forsøgt at lære os noget andet.

Hvordan var skønhedskanonerne i middelalderen?

Så det, Hvad er de vigtigste skønhedskanoner i middelalderkunst? Hvad blev anset for smukt i middelalderen? I den følgende artikel, og afhængigt af forfattere så berømte som Umberto Eco, vil vi forsøge at skitsere en kort skitse af skønhed i middelalderen, og hvordan det afspejledes i deres kunstneriske værker.

et symbolsk univers

Først og fremmest er det vigtigt at understrege, at vi ikke kan sammenligne middelalderkunst, eminent symbolsk, med andre tiders kunst, meget mere naturalistisk. Hvad mener vi med dette? Nå, simpelthen

Det, der var fremherskende for middelalderlige kunstnere, når de skabte, var ikke, hvordan noget blev repræsenteret, men hvad der blev repræsenteret.

Af denne grund er det ærligt talt absurd at diskutere, om middelalderen de vidste eller ikke af perspektiv, eller proportion eller symmetri. Overvejer vi dette, når vi står foran en egyptisk fresco? Sandsynligvis ikke, og det er fordi vi er vant til i det gamle Egypten at se en dogmatisk civilisation, slet ikke naturalistisk.

Så hvis vi er meget klare over, at Egypten var en religiøs verden, og at den eneste hensigt, de havde til tiden til at skabe var at fange det spirituelle univers, hvorfor er vi så uretfærdige over for plastik middelalderlig? Hvorfor sammenligner vi middelalderens malerier med klassisk kunst, og rynker panden og siger, at de "ikke vidste at male", men vi gør ikke det samme med egypternes kunst?

I virkeligheden er den egyptiske og middelalderlige verden ikke så langt fra hinanden. Vi forklarer os selv. For middelalderens mænd og kvinder var kosmos Guds skabelse, den perfekte arkitekts fuldkomne værk, og derfor var alt gennemsyret af hans guddommelighed.

Dette betød, at hvert element af skabelsen var indbyrdes forbundet og alting havde en dybere mening, end det havde ved første øjekast. For middelalderen var et dyr ikke bare et dyr, men var dækket af en symbologi: pelikanen, fra som man mente åbnede sin kiste for at fodre sine unger med sit blod, var et symbol på Kristus og hans ofre. Strudsen var legemliggørelsen af ​​ideen om retfærdighed, da dens fjer var strengt symmetriske. Hermelinen var renhed på grund af dens pletfri hvide farve. Og så med et langt osv.

I den guddommelige skabelse blev der ikke fundet noget i verden ved et tilfælde. Den middelalderlige mentalitet troede ikke på tilfældigheder, som den moderne videnskabelige mentalitet senere ville. Hvert element var underlagt en årsag, etableret af Gud, så nogle gange kunne eksistensen af ​​noget kun forstås af Skaberen.

Det var tilfældet med grimhed, misdannelse, uhyret, som i øvrigt plager middelalderkunsten, især i kapitæler og søjler. Hvis de eksisterede, var det fordi Gud havde givet dem en mission, en mening. I middelalderen var intet overflødigt og der manglede intet i verden.

• Relateret artikel: "Skønhedskanoner: hvad er de, og hvordan påvirker de samfundet?"

En "unaturalistisk" kunst

Dette symbolske univers afspejlede sig konstant i maleri og skulptur. Vi kan naturligvis ikke lede efter naturalistiske elementer i middelalderkunsten. Vi har allerede sagt, at hensigten ikke var hvordan, men hvad. Middelalderkunstneren fanger altså ikke, hvad han ser, men hvad han midler virkelighed. For at gøre dette er volumen, proportioner og enhver anden "akademisk" regel undladt, og på denne måde opnås større udtryksfrihed. Lad os forestille os, at middelalderkunstneren forsøgte at repræsentere himmel og jord på en strengt naturalistisk måde. Umulig. Hvordan fanger man begreber som frelse, fordømmelse, Gud, Kristus, udødelighed, opstandelse??? For at fange lignende ideer er et symbolsk sprog nødvendigt, og symbolsprog kan ikke være underlagt fysiske eller matematiske regler, da hvis han gjorde det, ville hans udtryksevne blive reduceret.

Dette betyder dog ikke, at der i middelalderen ikke var en bestemt idé om proportion og symmetri. Lad os huske, at middelalderen kendte meget til de klassiske skrifter og ikke var så langt væk fra den antikke verden, at de ikke så sig selv afspejlet i den. Selv i romansk kunst, som er så naturstridig, finder vi klare eksempler, hvor kunstneren har forsøgt at fremstille virkeligheden med en vis nøjagtighed.

Dette er tilfældet med reliefferne og skulpturerne fra Moissac-klostret i Frankrig, hvor vi finder en Saint Paul og en Saint Jeremiah forbløffende naturalistisk for tiden, hvor deres tøj klamrer sig til kroppen og falder i folder, der uundgåeligt minder om klassisk teknik. På den anden side Eva af Soulliac, også i Frankrig, er en fremragende liggende nøgen, der helt naturligt gengiver brysterne og kvindekroppen, som i øvrigt ødelægger en anden ret hakket kliché: at der i middelalderen "ikke var nøgen".

• Du kan være interesseret i: "Historiens 15 grene: hvad de er, og hvad de studerer"

Tilpasning til rum og symmetri

Det, der er karakteristisk for middelalderens plastiske kunst, er figurernes tilpasning til rummet. I denne forstand er middelalderen ret streng: den ansvarlige er bygningen eller det sted, hvor arbejdet er bestemt, og dette skal tilpasses dets egenskaber. Af denne grund er det ret hyppigt, at scener slettes eller ændres for at kunne lokalisere karaktererne i en tromme, arkiv eller versal.

På den anden side er symmetrikriteriet ret til stede i middelalderens plastiske kunst. Umberto Eco, i sit storslåede essay Kunst og skønhed i middelalderens æstetik, indeholder nogle interessante eksempler, såsom Soisson, hvor en af ​​de vise mænd er "elimineret" til at udøve perfekt symmetri med den sidestillede scene. Vi ser her et tydeligt eksempel på den stivhed, hvormed middelalderen overvejede dispositionen og den symmetri af figurerne, da helheden af ​​repræsentationen skulle stemme overens med en absolut Perfekt.

I middelalderen var der ikke plads til innovation, i hvert fald i de første århundreder. Middelalderhåndværkere gentager kanoner og former og tilpasser deres arbejde til rummet efter klare forskrifter som overføres fra generation til generation. En Pantokrator vil altid følge lignende modeller, såvel som en Virgin Theotokos eller en bebudelse. Vi bliver nødt til at vente til slutningen af ​​den gotiske periode på, at et nyt udtryk dukker op, som naturaliserer figurer og udtryk og forsøger antydninger af perspektiv og genskabelse af rum ægte.

• Relateret artikel: "5 emner om middelalderen, som vi skal have ud af vores hoveder"

lys og farve

Et andet vigtigt aspekt for at forstå, hvad det middelalderlige menneske baserede skønhedsbegrebet på, er lys og farve. Middelalderen kan ikke forstås uden disse to elementer, da Gud for dens hovedpersoner er lys, og lys er farve..

Alting bliver således et kromatisk udtryk: vægge og lofter i kirker og katedraler, skulpturer, tøj, bannere, miniaturer, juveler. På trods af sin overbevisning om, at skønhed er overjordisk, og at den eksisterer ud over det synlige, er middelaldermennesket ikke ligeglad med den tiltrækning, som følsom skønhed udøver på ham. Suger selv, abbed i Saint-Denis, var forbløffet over den larm af farver og lys, som hans kirke husede, da den kædede den direkte sammen med guddommelig skønhed. Noget som i øvrigt Bernardo de Claraval og cistercienserne vil betragte som farligt for dyden og vil forsøge at udrydde fra deres bygninger.

I middelaldermaleriet er farven ren, netop fordi den er lys. Middelalderens menneske undfanger ikke farven "halv"; tonerne er rene, strålende, klare. Brugen af ​​guld når sit højdepunkt under den såkaldte internationale gotik, hvor midlerne er dekoreret med denne nuance, som repræsenterer Gud. Ædelstene og ædelsten er lige så højt værdsatte, ikke kun for deres økonomiske værdi, men også fordi de "fanger" farve og lys. I romaner og troubadourpoesi er den elskedes røde kinder, hendes hvide teint og hendes hår ophøjet. blondiner, og de adelige bærer umulige kombinationer, der inkluderer blå med grønne og røde med gule eller violer. Kort sagt, i modsætning til hvad folk (stadig) tror, ​​er middelalderen en tid, der udstråler lys.

Den nye "gotiske" skønhed

Det romanske udtrykker skønhed gennem kraftfulde og "solide" figurer, inspireret af ikonografier fra det byzantinske øst., ligesom ikonerne for Jomfruen og Kristus i Majestæt. Mod slutningen af ​​det 13. århundrede viser stilen tydelige tegn på udmattelse, og et meget mere "stiliseret" skønhedsideal, der er karakteristisk for gotikken.

Det betyder ikke, at vertikalitet ikke fandtes i romansk. En anden tilbagevendende kliché fra middelalderen er, at romanske kirker kun er vandrette, når der er talrige eksempler på datidens katedraler, der vidner om kærligheden til vertikalitet (opstigningen mod Gud). Men det er rigtigt, at i den gotiske periode var figurerne af plastiske repræsentationer "forlæng" og adlyder således kanonen for senmiddelalderlig menneskelig skønhed, som svarer til ti hoveder. Som vi kan se, er den resulterende figur for slank, hvis vi tager i betragtning, at kanonen i klassisk tid blev reduceret til syv og otte.

Vertikalitet er altså skønhed under gotikken. Katedraler stiger til det uendelige, farvede glasvinduer optager mere og mere plads (især i Nordeuropa), og endda mode fange denne fascination for de "aflange": spidse hovedbeklædninger til damerne og dubletter smalle i taljen for mændene, der suppleres med Strømper og lange sko bidrager til at skabe senmiddelalderens ideelle maskuline skønhed: en høj og slank mand som tårnet i en katedral. gotisk.