Joan MIRÓ: de 5 mest berømte VÆRKER

Joan Miro (Barcelona, ​​1893, Palma, 1983) er en af mest radikale og fantasifulde kunstnere, kommer til at oprette en originalt værk ved hjælp af alle former for kunstneriske medier og teknikker, fra maleri til skulptur, graveringer eller keramik. Miró var altid mellem konstant eksperimentering, objektivitet og det underbevidste og skabte en eget visuelle kunstneriske ordforråd det gør hans arbejde umiskendeligt.

I denne lektion fra unPROFESOR.com tilbyder vi dig et udvalg af mest berømte værker af Joan Miró så du kan forstå og beundre værket hos en af ​​de mest ikke-konformistiske kunstnere moderne kunst.

Indeks

1. Karakteristika for Joan Mirós teknik
2. Gården (1920-1921), første arbejde af Joan Miró
3. Carnaval de Arlequín (1924-1925), en anden af ​​Joan Mirós værker
4. Hund bjeffer ved månen (1926)
5. Bleu II (1961)
6. Moonbird (1966): en ikonisk skulptur
7. Kvinde og fugl (1982): Mirós ikoniske værk

Vi starter med at analysere, hvad Joan Mirós teknik er, så du bedre kan forstå hans arbejde. Var en abstrakt kunstmaler højt anerkendt og blandt egenskaberne ved hans arbejde fremhæver vi følgende:

• Imellem stilistiske elementer, der er karakteristiske for Miro sDe finder biomorfe former, geometriske former og abstrakte og semi-abstrakte objekter.
• Miró var en alsidig og produktiv kunstner der testede flere kunstneriske medier, lige fra keramik og tryk til store bronzeanlæg.
• Hans radikal og fantasifuld stil han var en grundlæggende skikkelse i avantgarde i det tidlige tyvende århundrede og udviklede sig mod en voksende og derefter fuldstændig abstraktion.
• Miró har indgået et samarbejde med surrealisme tidligt og påvirker de abstrakte expressionister.
• Han opfandt også en ny slags billedrum hvor kunstneren omhyggeligt placerer genstandene. Nogle genstande ud af hans fantasi, og som han sidestiller med genkendelige grundformer.
• Mirós kunst blev aldrig installeret i ingen objektivitet, dedikere sig til at udforske midler til at demontere de traditionelle forskrifter for figurativ repræsentation.
• Miró fandt balance mellem surrealismens automatisme og spontanitet med omhyggelig og præcis planlægning og repræsentation.
• Hans farvepalet er begrænset, holder sig altid til udtryksfulde farver med flade baggrunde med bløde farvegraderinger og ublandede farvefelter. Fede og værdifulde farver, der tjente som inspiration for mange kunstnere.
• På trods af at han beskæftiger sig med de samme emner, gjorde han det altid i forskellige medier og opnå forskellige og altid overraskende resultater.

Ifølge Miró reflekterede dette arbejde alle hans år af sit liv i landet, at sætte på lærredet alt, hvad han elskede, fra det største til det mindste. I et skråtstillet billedplan viser kunstneren os sin bondegård, fuld af dyr, planter og kunstneriske redskaber. Et lærred, hvor Miró genskaber sig selv i hver detalje, også som en forhåndsvisning af hans senere surrealistiske arbejde.

Kunstneren betragtede altid dette værk som et af de vigtigste, markering af a vendepunkt i hans kunstneriske karriere. I den værdsættes også en række indflydelser, inklusive den catalanske populære kunst ud over kubismen, men kunstneren nægtede at blive pigeonhullet i en enkelt stil, idet han var et eksempel på hans rastløse og ikonoklastisk.

Blandt de vigtigste innovationer er inkludering af forskellige abstrakte elementer, symboler som trapper og bogstaver, hvilket gør værket til både et billede og et digt.

Maleriets historie

Historien bag maleriet er også gribende. Miró ledte efter en køber på det parisiske marked for moderne kunst, meget interesseret i kubisme. En købmand foreslog at skære den i flere mindre malerier for at gøre det lettere at sælge. En så ukendt Ernest Hemingway, som Miró var venner med, ville han købe maleriet. De to plejede at mødes til boksesessioner, og Hemingway, efter at have lånt penge og arbejdet som en dagligvarebutik, var i stand til at købe og opbevare dem hele sit liv.

Forfatteren tilstod, at han ikke ville ændre maleriet for nogen anden i verden. "Det har alt, hvad du føler for Spanien, når du er der, og alt, hvad du føler, når du er væk, og du ikke kan gå der." I dag er det placeret i National Gallery of Art, Washington, D.C.

Denne olie på lærred skildrer en glædelig og festlig scene, hvor en biomorfe Quixotic er fanget i en fest.

Karaktererne er en harlekin, identificeret ved de sorte og hvide firkanter i kostumet til den oprindelige figur af commedia dell'arte Italiensk med en forvrænget guitarformet krop; en kat, der står på bagbenene, som om han danser, dens "arme" strækker sig mod scenen, mens dens røde og gule ansigt vender sig for at se på seeren; en gul og sort fisk, musiknoter på væggen, sorte og hvide slangerør og en sort og gul væsen, der danser i det nederste centrum og griber fat i en tråd, der strækker sig til whiskers af katten.

En forestillet verden, der griber seeren og det udgør kunstnerens vending mod surrealisme, idet den også er et af de første værker, hvor han brugte biomorfe former, fremkalder alle objekter til levende organismer. En måde at ophæve sikkerheden i den bevidste verden og få den kollektive ubevidste til at spire.

Vi står over for et andet af Joan Mirás mest berømte værker: Hund bjeffer på månen. I en surrealistisk og tegneserieagtigt landskab, en forvrænget hund med lyse farver bjeffer mod månen. Værket formidler en følelse af ensomhed og mystik, herunder flere ord i hans malerier, hvad Miró kaldte "Maleri digte".

Selvom Miró ikke inkluderede teksten i maleriet, transmitteres den følelse af kommunikation mellem hunden og månen. Det er blevet fortolket som et personligt manifest, hvor den unge Miró ser sig selv som en hvalp, der prøver at finde sin stemme inden for avantgarde.

Dette er en monumentalt størrelse lærred, 12 fod med 9, i en serie på tre ved hjælp af enkle abstrakte former på en blå telefon. Alt er malet med jævne penselstrøg, og et let diagonalt rødt strejke bruges til at introducere et dramatisk præg, hvorved der lægges større vægt på en tom udstrækning. Det introducerer også nogle sorte og uregelmæssige former, der også overfører energi.

Miró identificerer det blå felt med himlen og drømmeverdenen. Tomme rum og horisonter overvældede ham, imponerede ham meget og introducerede altid små figurer i den. Det smalle udvalg af farver afslører indflydelse af romanske fresker, ligesom det lille antal former.

Skulpturen repræsenterer en hybrid væsen med måneformet ansigt og horn, mens armene ligner vinger uden fjerdragt. Figuren sidder på huk med to lemmer, der er fast rodfæstet i jorden, som om den trækker sin styrke fra jorden. Formerne fremkalder måner, fugle og traditionen med spansk tyrefægtning.

Stykket er en slags totem fuld af styrke og kraft, indsamling af Miró-former og metaforiske ideer fra de naturlige og kosmiske verdener for at skabe en drømmeagtig karakter. Således har værket et organisk aspekt, der viser alle dets hovedtemaer: månen, fuglene eller Cataloniens tema.

Vi står overfor en anden monumental skulptur, 20 meter høj, skildrer en kvinde, malet i lyse primære farver. Kvinden bærer en rørformet "hat" overvundet af en gul fugl, der fremkalder en halvmåne.

Men værket er tvetydigt, da dets falliske form giver et indledende vildledende indtryk. Som et resultat skal seeren holde pause og udføre stykket. Kvinden symboliserer jorden, månen symboliserede himlen og fuglene forbinder begge verdener. På grund af sin enorme størrelse blev det en slags talisman for Miró.

Skulpturen blev bygget med farverig brudte fliser, var et af de første store initiativer fra offentlig kunst i Barcelonaefter genoprettelsen af ​​demokrati og betragtes som Miros sidste store arbejde. Brugen af ​​mosaik og uregelmæssige konturer var en hyldest til den store Barcelona-arkitekt Antonio Gaudi, med hvem Miró havde studeret.

Hvis du vil læse flere artikler, der ligner Joan Miró: mest berømte værker, anbefaler vi, at du indtaster vores kategori af Historie.

• Punyet Miro, Joan og Lolivier-Rahola, Gloria (2012). Jeg ser. Blume
• Balsach, M.J (2007). Joan Miro: Cosmogony of an original world (1918-1939). Galaxy Gutenberg