Pop Art: Ausgewählte Künstler und ihre Werke

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In dieser Lektion von einem LEHRER, Pop Art: Ausgewählte Künstler und ihre Werke, werden wir uns ihren Schöpfern widmen, den Schöpfern der bahnbrechendsten und bedeutendsten visuellen Bewegung des 20 Wie wir bereits bemerkt haben, schufen sie Bilder, die in der kollektiven Vorstellungskraft als die sehr visuelle Darstellung von a. aufgezeichnet wurden Epoche.

Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, unter anderem erreichten sie, was ein paar Jahre zuvor unmöglich war, die Demokratisierung der Kunst. Der Umfang seiner Verbreitung war so groß, dass seine Schöpfungen den Mond erreicht haben, und aus diesem Grund und so vielen anderen Verdiensten werden wir ihnen in dieser Lektion unsere ganze Aufmerksamkeit widmen.

Index

1. Richard Hamilton (1922 - 2011)
2. Jasper Johns (1930)
3. Robert Rauschenberg (1925 - 2008)
4. Roy Lichtenstein (1923-1997)
5. Tom Wesselmann (1931 - 2004)
6. Claes Oldenburg (1929)
7. David Hockney (1939)
8. Allen Jones (1937)
9. Andy Warhol

Wir beginnen damit, über die herausragenden Künstler der Pop Art und ihre Werke zu sprechen, indem wir über Richard Hamilton sprechen. Er war ein britischer Künstler und Designer, der von der überwiegenden Mehrheit der Gelehrten als der Vater der Pop-Art prophezeit, was am Ende Pop-Art werden würde:

"Populär, für die Massen konzipiert; ephemer, mit kurzfristigen Lösungen, entbehrlich, leicht zu vergessen; geringe Kosten, Massenproduktion; jung, auf Jugendliche ausgerichtet; witzig; sexy; Spielereien; glamourös... tolles Geschäft ...".

Außerdem schuf Hamilton für die Ausstellung Das ist morgen (1956), was viele für das erste total Pop-Werk halten, Was das heutige Zuhause so anders macht. Also ansprechend? (1956).

Darin fertigte Hamilton eine Fotomontage an, in der die neu angekommene materialistische Kultur gezeigt wurde. Damit versuche ich, den "Pop"-Ikonen einen Reflexionswillen des Betrachters entgegenzusetzen (etwas sehr typisches britisches Pop-Art, das in der amerikanischen keinen so expliziten Platz hätte).

Ebenso sehen wir zum ersten Mal die Präsenz des Begriffs "Pop", den derselbe Künstler ein Jahr später prägte.

Jasper Johns bedeutete für die Pop Art in den USA, was R. Hamilton in Großbritannien. Unersättlicher und rastloser Künstler, bekannt sind seine Motive von amerikanischen Flaggen, Zahlen und Buchstaben, und es liegt an ihm, dass er in amerikanischen Ländern einiges eingeführt hat rein populäre Bilder. "Jasper Johns muss als der erste wirklich amerikanische Künstler angesehen werden", wie es Galerist Leo Castelli formulierte.

In Werken wie Flagge (1954) wir bemerken sein künstlerisches Talent, wenn wir ein Symbol der amerikanischen Identität so stark nehmen und es uns dennoch mit Ironie gegenüberstellen. Gleichzeitig verhöhnt er seine Vorgängerbewegung, indem er sich der Techniken des Abstrakten Expressionismus bedient (und diese zur Schau stellt).

Robert Rauschenberg ist eine Brückenfigur zwischen Neo-Dada und Pop Art. Obwohl seine Arbeit in die Sekunde fällt, überrascht seine Arbeit durch die mehrere Einflüsse die der Betrachter zu schätzen weiß. Die bedeutendste, ohne Zweifel, seine Leidenschaft für Grenzkunst, die er meist in seine Collagen einbaut.

Das charakteristischste an seinen Werken ist, dass sie die Verschwendung der materialistischen Welt um dich herum. In Werken wie Monogramm (1955) oder Coca-Cola-Plan (1955) stellt Raushenberg nicht das Neue dar, sondern das bereits Genutzte und Konsumierte, was eine weniger ironische und ernsthaftere Debatte auslöst als seine Kollegen.

Aber es ist bekannt, dass Rauschenbergs Genie 1953 mit der Arbeit auffiel Kooning-Zeichnung gelöscht, als ein sehr junger Rauschenberg den damaligen Gott der zeitgenössischen Malerei, Kooning, bat, eine seiner Lieblingszeichnungen zu löschen. Vielleicht befindet sich gerade wegen dieses Genies eine Zeichnung von ihm (zusammen mit denen von Warhol oder Oldenburg) vermutlich auf dem Mond.

Roy Lichtenstein ist neben Andy Warhol der Pop-Künstler par excellence. Obwohl er ein in den Abstrakten Expressionismus eingeweihter Künstler war, drehte sich seine Karriere um 1958 in Richtung Figuration, indem er Bilder aus dem Universum der Comics. Jahre später bestand seine gesamte Produktion aus Ikonen aus Comic und Fernsehen.

Liebhaber von Picasso, in seiner Herstellung bemerken wir eine starke Einfluss von Kubismus und Collagetechnik, auch wenn dies nur im theoretischen Rahmen gelöst wurde, da Lichtensteins Werke immer Werke von Hand reproduziert folgend, ja, der Technik von Benday der grafischen Künste.

Einige seiner bekanntesten Werke sind Kuss V (1964), Klein groß Malerei (1965), Arles-Zimmer (1992) oder der Tanz (1974), die derzeit alle als herausragender merkantiler Wert gelten. Und so sehen wir im Laufe der Jahre, wie Lichtensteins Arbeiten den Status des von ihnen imitierten Konsumobjekts erlangen.

Bild: Saatchi Art

Tom Wesselman war ein weiterer herausragender Künstler der Pop Art und seiner Werke. Er war ein bemerkenswerter amerikanischer Pop-Künstler, dessen Leitmotiv es war der nackte. Aber nicht irgendein Akt, sondern die amerikanischer Akt, das aus der Darstellung verschiedener, vor Erotik strotzender Frauenakte bestand, die in oft häusliche Szenen gerahmt waren und in seine Leinwände eingebettet waren.

Claes Oldenburg war für die Umsetzung der Konzept des Objekts als Denkmal indem sie großformatige Nachbildungen verschiedener Alltagsgegenstände anfertigen. In Werken wie Spoonbridge und Cherry (1985-86), Kostenlos (1991) oderApfelkern (1990) wir beobachten stücke von weichen skulpturen, die durch fasern mit polyester verstärkt wurden.

Die durchdachte Platzierung der Oldenburger Skulpturen wiederum steht für die Aneignung von Objekten aus Konsum im öffentlichen Raum, vielleicht eine Metapher dafür, wie diese dazu geführt haben, dass sie alle unsere Bereiche.

Bild: ArtPeople. Netz

Neugierig ist der Fall von David Hockney, einem Künstler, der trotz sich ständig weigern, als Pop-Künstler zu gelten, Er gilt als einer der ganz Großen innerhalb der Bewegung. Der gebürtige Engländer zog Ende der 1950er Jahre nach Kalifornien, um ein entspannteres und liberaleres Umfeld zu suchen.

Genau diese unbeschwerte Umgebung können wir in Werken wie dem berühmten such Der Größte Splah (1967), wo uns Hockney mit ebenen Flächen aus Acryl auf einer sonnigen Terrasse in Kalifornien die Unmittelbarkeit des Augenblicks präsentiert. Die Schönheit seiner Arbeit liegt in der intrinsischen Natur der Anonymität sowie in ihren teilnahmslosen, fast abstrakten Ebenen.

Sein Allen Jones Gründungsmitglied der britischen Pop Art bei Teilnahme an der Ausstellung Junge Zeitgenossen (1961), überrascht seine Arbeit weiterhin durch seine hohe Fähigkeit, den Betrachter zu schockieren, insbesondere in Bezug auf das skulpturale Ensemble aus Fiberglas Hutständer, Tisch und Stuhl (1969). Darin kreiert Jones ein anthropomorphes Möbelset und befürwortet durch a radikaler Figurativismus zur Materialisierung der sexuelle Unterwerfung von Frauen.

Diese Darstellung überschreitet die Grenzen des politisch Korrekten, um die Debatte darüber aufzudecken, wie weit die Freiheit der Kunst im Umgang mit gehen kann Rollen der sexuellen Identität. Es war, ist und bleibt möglicherweise gerade für ungeübte Augen ein sehr komplexes Werk; sicherlich hat sich Stanley Kubrick deshalb entschieden, sie in seinem ebenfalls umstrittenen Film zu verwenden Eine Uhrwerk-Orange (1971).

Andy Warhol ist der Pop-Künstler schlechthin, der Künstler, der hat seinen Namen zur Marke gemacht auf dem Niveau und der Ähnlichkeit jener Ikonen, die er in seinen Werken repräsentierte. Als Künstler und Produkt an sich kultivierte Andy Warhol eine Vielzahl von künstlerischen Techniken, die von den meisten reichten konventionell, wie Malerei oder Skulptur, zu den typischsten ihrer Zeit, wie audiovisuelle Medien oder Kunst Grafik.

Wie viele seiner Kollegen versuchte er durch den Einsatz der neuen Reproduktionstechniken, die ihm seine Zeit gegeben hatte, Werke zu schaffen, die ihm fremd waren. Diese Oberflächlichkeit wird jedoch oft durch das ironische Spiel seiner Stücke verwischt. Zum Beispiel in Ihrem SMaos erie 1972 macht sich über den kommunistischen Führer lustig, indem er Wiederholungen und Farben verwendet.

Dieselbe Strategie wird in seinen ikonischen Marylins Monroes oder Lizs Taylors wiederholt verwendet, obwohl wir bei ihnen eine liebevollere und bewundernde Behandlung bemerken. Warhol reproduzierte, wonach er sich sehnte und das endlich, nach seinem Die Fabrik oder die Erstellung des Magazins Interview, unter vielen, vielen anderen ist ihm das gelungen.

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