Gustav KLIMT und seine 5 wichtigsten Werke

Gustav Klimt (1862-1918) ist eine der Referenzen innerhalb der modernistischen Bewegung der Wiener Sezession, auch deren Mitbegründer und erster Präsident. EIN Symbolistischer Maler österreichischer Herkunft zeichnet sich durch seine Besonderheiten, sein Prestige und als einer der dekorativsten Maler aus Größen des 20. Jahrhunderts, die ihren eigenen Stil entwickeln, erotisch aufgeladen, eklektisch, fantasievoll und Reichtum.

In dieser Lektion von unPROFESOR.com bieten wir Ihnen an, welche wichtigste Werke von Gustav Klimt und die Grundzüge seines künstlerischen Stils.

Index

1. Merkmale der Werke von Gustav Klimt
2. Der Zuschauerraum des Alten Burgtheaters: ein Werk von Gustav Klimt
3. Pallas Athenea (1898)
4. Medizin (1900-1901), ein sehr prominentes Werk von Kimt
5. Adele Bloch-Bauer (1903-1907), das beste Werk von Klimt
6. Der Kuss (1907-1908), eines der wichtigsten Werke Klimts

• Klimt war dekorativer Maler der Verschönerung von Gebäuden mit Reliefs und historischen Szenen und Figuren gewidmet. Eine Ästhetik, die dazu führte, dass seine Gemälde auf Leinwand zu einem
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  Vertreter der Gleichberechtigung von Kunstgewerbe und bildender Kunst.
• Es war einer der Gründer der Wiener Secession, im Jahr 1897, wegen seiner rebellischen und bahnbrechenden Persönlichkeit zum Präsidenten gewählt. Sein internationaler Ruhm als berühmtester Jugendstilmaler trug zum anfänglichen Erfolg der Secession bei, aber auch zu ihrem Niedergang, als er sie 1905 verließ.
• Obwohl es derzeit Artwork ist ikonisch und sehr beliebt, zu der Zeit galt ein Teil seiner Werke als obszön wegen ihrer hoher erotischer Inhalt.
• Seine Arbeit ist sehr persönlich und einzigartigNoch heute ist seine Goldene Phase durch die Verwendung von Gold- und Silberblechen im Stil byzantinischer Mosaike geprägt.

Zu den herausragendsten Werken von Gustav Klimt gehört Die Aula des Alten Burgtheaters (1888-89), die Anfänge von Klimts bildnerischer Laufbahn.

Dies war einer der wichtigsten Aufträge zu Beginn von Klimts Karriere. Der Magistrat der Stadt Wien bat den Maler, einige Bilder des alten zu malen Burgtheater, die Oper der Stadt, die 1741 erbaut und 1888 abgerissen wurde.

Klimt entschied sich für das Layout der Opernlogen, eine etwas originelle Wahl, aber aus architektonischer Sicht bedeutend. Ein Werk von akademischer Stil, typisch für Klimts Frühwerke und in denen der Einfluss von Hans Makart.

Ein weiterer interessanter Aspekt ist die Detail und Virtuosität von Klimt indem er in die Arbeit die Porträts all derer einführte, die ihn baten, sie in die Schachteln aufzunehmen. Damit ist das Stück nicht nur eine Erinnerung an das Theater, sondern an die politischen, kulturellen und wirtschaftlichen Eliten der Stadt: insgesamt mehr als 150 Personen. Zu den Zuhörern zählen der österreichische Ministerpräsident, der Bürgermeister von Wien, die Chirurg Theodor Billroth, Komponist Johannes Brahms und die Geliebte des Kaisers, Schauspielerin Katherina Schratt.

Obwohl die Sezessionisten grundsätzlich mit früheren künstlerischen Traditionen brachen, war ihr Verhältnis zur Vergangenheit nicht so einfach. So wurden sowohl er als auch andere Mitglieder des Sezessionismus inspiriert von Griechisch-römische mythische und allegorische Figuren und Geschichten und von andere alte Zivilisationen.

In diesem Fall Klimt interpretiert die Figur der griechisch-römischen Göttin neu mit sanften Farben und mit einem Hang zur Abstraktion, ein Stil, zu dem er nach dem Verlassen des Sezessionismus zurückkehren wird. In dieser Arbeit bietet Klimt ein kraftvolles und imposantes Bild von Athena, das die Göttin in Nebel gehüllt und mit einem androgynen Aussehen zeigt. Er kleidet sie in ein militärisches Outfit, das sie als Kriegerin und Beschützerin der Stadt Athen identifiziert, maskuline Qualitäten, während sie ihr langes und feines Haar als Zeichen ihrer weiblichen Seite zeigt. In seiner Hand hält er eine nackte Nike-Figur, die den Sieg darstellt.

In diesem Nebel wurde gesehen a Darstellung des Traumes, verbindet die Arbeit mit der Arbeit von Sigmund Freud. Somit wäre das Werk die Verkörperung des Ideals einer mächtigen Frau, Objekt männlicher Begierde, sowie der Frau, die sich als Mann kleiden möchte, um einen Machtstatus zu erlangen.

1894 beauftragte das Kultusministerium Klimt mit der Bemalung des neuen Großer Saal der Universität Wien. Klimts Werk bestand darin, drei monumentale Leinwände zu den Themen Philosophie, Medizin und Rechtswissenschaft zu malen. Als Klimt 1898 mit dem Malen der Leinwände begann, war er bereits der Secession beigetreten und hatte den Naturalismus aufgegeben. Von den drei Werken war Medicine die Leinwand, die die meisten Kontroversen auslöste.

Medizin zeigt zu Hygeia, die mythologische Tochter des Gottes der Medizin, befindet sich in der unteren Mitte der Leinwand und wird durch eine Schlange und das Glas von Lethe identifiziert. Über Hygeia erhebt sich eine hohe Lichtsäule, rechts davon erhebt sich ein Netz nackter Gestalten, die mit dem Skelett des Todes verschlungen sind. Auf der anderen Seite der Lichtsäule schwebte eine nackte Frau, deren Becken nach vorne geneigt war, während unter ihren Füßen ein in Tüll gehülltes Baby schwebte. Diese Komposition rief eine Vielzahl von Kritiken hervor, die Klimt vorwarfen, ein pornografisches Werk zu machen, ohne sich auf ein medizinisches Thema zu beziehen. Die ablehnende Haltung, mit der Klimts Werke aufgenommen wurden, veranlasste den Maler 1905, die drei Werke zurückzukaufen.

Klimts Arbeit zeigt die Mehrdeutigkeit des menschlichen Lebens, die gleichzeitig Geburt und Tod darstellt. Die Ablehnung von Klimts Werk zeigt, wie trotz der großen Fortschritte der Secession im Laufe der Jahre Seit ihrer Gründung war es der Bewegung nicht gelungen, die konservative Haltung gegenüber der modernen Kunst umzukehren in Wien.

Für Klimt war das alles eine deutliche Demütigung und öffentliche Ablehnung, für die er in Wien nicht ausstellte. für fünf Jahre nach 1903, und von offiziellen Aufgaben zurückgetreten, nur zugestimmt, Aufgaben zu übernehmen Privatgelände. Diese drei Gemälde wurden, wie viele Werke Klimts, von den Nazis beschlagnahmt und im Mai 1945 eingeäschert. im Schloss Immendorf, dem niederösterreichischen Schloss, in dem sie von SS-Truppen in. gelagert wurden Rückzug.

Dies ist einer der Klimts berühmteste Werke als einer der berüchtigtsten Kunstdiebstahlfälle der Nazis. Adele Bloch-Bauer, die Frau des Wiener Bankiers und Zuckermagnaten Ferdinand Bloch-Bauer, war eine seiner Lieblingsmusen und diente als Vorlage für mehrere andere Gemälde, darunter seine berühmte Judith I (1901). Obwohl Gerüchten zufolge Klimt mit vielen der von ihm gemalten Frauen eine romantische Beziehung hatte, ist die genaue Art seiner Beziehung zu Adele Bloch-Bauer unbekannt.

In dieser Leinwand a Auflösung der Realität durchbrechen zum reinste Abstraktion. Obwohl Klimt Adele Bloch-Bauer im Sitzen darstellt, ist es daher fast unmöglich, die Form des Stuhls zu erkennen oder die Formen ihrer Kleidung vom Hintergrund zu trennen. Klimt war es weitgehend egal, den Charakter seines Modells abzubilden, geschweige denn den Ort und den Kontext anzugeben. Die Verwendung von Blattgold und -silber Es zeigt den hohen Wert und die Qualität des Schmucks, den Adele trägt, sowie die Tiefe der Liebe ihres Mannes, der das Gemälde in Auftrag gegeben hat.

Die Arbeit ist eingerahmt in die Klimts "Goldene Phase" des ersten Jahrzehnts des zwanzigsten Jahrhunderts, in dem er Dutzende von Goldmuster und Metalltöne in Ihren Bildern, um Prunk und Luxus zu verleihen zu seinen Werken. Eine Technik, die mit den byzantinischen Mosaiken in der Basilika San Vital in Ravenna, Italien, verbunden ist, die Klimt im Dezember 1903 besuchte. Viele dieser Mosaike verwenden einen ähnlichen flachen Goldgrund und zeigen die byzantinische Kaiserin Theodora. Klimts Darstellung des Halsbandes von Adele Bloch-Bauer in diesem Porträt ist von diesen Mosaiken inspiriert. Kunsthistoriker weisen auch auf ägyptische Einflüsse auf die Augenform und die Kleidung von. hin Bloch-Bauer, während die Spiralen Designs aus dem antiken Mykene und Griechenland ähneln klassisch.

Da die Bloch-Bauer Juden waren, wurde Ferdinands Vermögen nach der Annexion Österreichs und der Westtschechoslowakei 1938 von den Nazis geplündert. Die Nazis installierten das Gemälde in der Galerie Belvedere in Österreich. Ferdinand starb 1946, jedoch nicht bevor er seine beschlagnahmten Gemälde, darunter dieses und fünf weitere Werke von Klimt, seinen Neffen übergab. Darunter war Maria Altmann. Im Jahr 2000 reichte sie eine Klage ein, um die Gemälde wiederzuerlangen.

Der Fall hatte eine enorme Medienberichterstattung und kam vor den Obersten Gerichtshof der Vereinigten Staaten, wobei die Gemälde 2006 an die Familie Bloch-Bauer zurückgegeben wurden. Im Juni dieses Jahres verkaufte Altmann dieses Werk für 135 Millionen Dollar an den amerikanischen Kosmetiksammler und Mogul Ronald S. Lauder, ein Rekordpreis, der für jedes Gemälde gezahlt wurde. Lauder lieferte das Gemälde an die Neue Galerie für deutsche und österreichische Kunst in New York, wo es derzeit ausgestellt wird.

Der Kuss ist eines der Klimts sinnlichste und beliebteste Werke, und wahrscheinlich sein am meisten reproduziertes Werk. Es ist auch eines der Schlüsselgemälde der sogenannten Klimts "Goldene Phase", eine Phase, die sich ungefähr von 1903-09 erstreckt und als hervorragendes Beispiel für gilt Jugendstilmalerei.

Die Arbeit stellt ein Paar dar, das sich am Rand einer Wiese umarmt, dargestellt durch das leuchtende Blumenmuster, wie eine Art Steppdecke, die unter ihren Körpern ausgebreitet ist. Der Aufbau der Komposition legt nahe, a hohe Vertrautheit mit der Arts and Crafts Bewegung. So ähneln das flache Kachelmuster der Wiese und die Kleidung der Figuren dem Stoffe, die Ende des 19. Jahrhunderts von William Morris hergestellt wurden.

Die Verwendung von Materialien aus Blattgold und -silber zeigt den hohen Spezialisierungsgrad von Klimt, der an mittelalterliche Bilderhandschriften erinnert, obwohl es viel kostbarer und der byzantinischen Kunst ähnlicher, wie die Goldfelder für die Mosaiken, die er 1903 in Ravenna gesehen hatte.

Während Morris und mittelalterliche Quellen wertvolle Materialien verwenden, um Gottes Wort oder großartige Literatur zu verherrlichen, verwendet Klimt Er verwendet sie, um die Natur menschlicher Beziehungen und die Bindung zwischen Liebenden zu heiligen, ein Schlüsselthema des Jugendstils. So verkörpert der Kuss ein universelle und zeitlose Vision der romantischen Liebe.

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