Die Renaissance: was sie ist und was ihre Merkmale sind

Es ist möglicherweise eine der bekanntesten künstlerischen Perioden der Kunstgeschichte. Die Renaissance ist vor allem durch ihre bedeutendsten Künstler weltberühmt. Namen wie Brunelleschi, Botticelli, Raffael, Leonardo oder Michelangelo gehören wohl zu den ausgeprägtesten unter den Interessenten für Universalkunst.

Wissen wir wirklich, was die Renaissance jenseits der jahrhundertealten Klischees darstellte? In diesem Artikel werden wir versuchen, in die Realität dieser Bewegung einzutauchen, die nicht nur künstlerisch, sondern auch philosophisch und sozial war.

Was ist die Renaissance?

Wie bei den meisten Nomenklaturen wurde das Wort "Renaissance" erst mehrere Jahrhunderte nach der Zeit verwendet, auf die es sich bezieht. Spezifisch, Es war der französische Schriftsteller Honoré de Balzac, der den Begriff 1829 erstmals in seinem Roman einführte Der Bal de Sceau. Balzac bezieht sich auf die Kultur, die im 14. Jahrhundert in Italien begann und sich an klassischen Vorbildern orientiert. Jahre später weihte der Historiker Jules Michelet in seinem Werk den Begriff „Renaissance“.

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die Renaissance (1855).

Wir können die „Renaissance“ als die kulturelle Bewegung verstehen, die in Italien (und insbesondere in Florenz) begann Anfang des 15. Jahrhunderts und bis Ende des 16. Jahrhunderts erweitert, und die eine Wiederherstellung der Modelle des voraussetzt Antike. Es ist jedoch wichtig zu beachten, dass diese klassischen Modelle das ganze Mittelalter über existierten. Was die Renaissance „anders“ macht, ist das volle Bewusstsein ihrer Künstler, eine Renovatio zu leben, dh das „Erwachen“ dieser alten Modelle.

Allgemein, Intellektuelle und Künstler der Renaissance sehen sich als Erneuerer der „wahren Kunst“, die sie während der langen Jahrhunderte mittelalterlicher "Lethargie" für verloren hielten. Giorgio Vasari, einer der bedeutendsten Theoretiker des 16. Jahrhunderts, betrachtet die Kunst des Mittelalters als die „Kindheit“ des Mittelalters Kunst, während das Quattrocento (dh das italienische fünfzehnte Jahrhundert) seine "Jugend", die erste Aufnahme, darstellen würde Bewusstsein. Schließlich war das Cinquecento (16. Jahrhundert) die Reife der Kunst mit so wichtigen Namen wie Leonardo, Michelangelo und Raffael.

Aber... War die Renaissance eine authentische Wiederbelebung dieser alten Kunst? Wir haben bereits erwähnt, dass die Klassiker im Mittelalter nicht vergessen wurden. Nicht nur im philosophischen Bereich, wo wir eine starke Präsenz Platos finden (zum Beispiel in der Schule von Chartres) und Aristoteles (im Denken des Heiligen Thomas von Aquin), sondern auch in der Kunst Plastik.

Tatsächlich finden wir in der mittelalterlichen Skulptur und Architektur Motive aus der Antike, die ein lebendiges Zeugnis dafür sind, dass das Mittelalter keineswegs einen Bruch mit der Zeit darstellte klassisch. Allerdings dachten die Intellektuellen und Künstler der Renaissance so. Nicht umsonst nannte Vasari die Kunst des Mittelalters „ungeheuerlich und barbarisch“, ein Begriff, der übrigens bis weit ins 19. Jahrhundert hinein gültig blieb.

So, die Renaissance setzt ein „Erwachen“ im doppelten Sinne voraus. Erstens, weil sie, wie bereits erwähnt, als erste auf die Umsetzung dieses Renovierungsklassikers aufmerksam wurden in einem radikalen Bruch mit der mittelalterlichen Tradition, gleich oder radikaler als das, was das Mittelalter für die damalige Zeit gewesen war klassisch; Zweitens, weil faktisch der Übergang von einer theozentrischen Gesellschaft zu einer humanistischen Gesellschaft stattfindet, was de facto den wahren Bruch mit dem Mittelalter voraussetzt.

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Der „Bruch“ mit der Tradition

Der Bruch, den die Renaissance zu leben bewußt war, kann streng genommen nicht als solcher betrachtet werden. Erstens, weil wir bereits gesehen haben, dass im Mittelalter die Klassiker nicht vergessen wurden. Und zweitens, und das ist nicht weniger wichtig, weil sie während der Renaissance weiter verwendet wurden mittelalterliche Ressourcen, wie die Typologie einiger Gebäude, die Ikonographie und einige der Verfahren Techniker.

Aus all diesen Gründen können wir den Schluss ziehen, dass die Renaissance keineswegs der radikale Bruch war, den die Renaissanceisten selbst in Betracht gezogen haben. Tatsächlich behauptet der Historiker Johan Huizinga in seiner Arbeit Herbst des Mittelalters, dass die letzten mittelalterlichen Jahrhunderte die Vorbereitung der Renaissancestufe darstellten und keineswegs deren Antithese bedeuteten. Und seinerseits sprach bereits der Kunsthistoriker Erwin Panofsky von diversen „Renaissancen“. Das verstehen wir also was als „Renaissance“ bezeichnet wird, ist nichts weiter als eine weitere große Falle der aufgeklärten europäischen Geschichtsschreibung, derselbe, der die zehn Jahrhunderte bezeichnete, die auf den Untergang des Römischen Reiches als „Mittelalter“ folgten.

Jedenfalls gibt es eine Reihe von Faktoren, die einen klaren Kontext bilden, in dem dieser "Bruch" angesiedelt ist. Wir haben bereits erwähnt, dass es am Ende des 14. Jahrhunderts einen Übergang von einer theozentrischen Gesellschaft zu einem humanistischen Denken gab. Der bereits in der Mitte des Mittelalters einsetzende allmähliche Niedergang der bäuerlichen Welt sowie die konsequenten Aufstieg der Städte, tragen wesentlich dazu bei, diesen Wandel zu beschleunigen Denkweise.

Die neue soziale Gruppe, die in den Städten entsteht, die Bourgeoisie, wird in diesem ganzen Prozess eine grundlegende Rolle spielen.entweder. Städtische Kaufleute und Bankiers bilden eine mächtige Oligarchie, die die Städte kontrolliert und gleichzeitig als mächtige Gönner fungiert. So werden Künstler ab dem 14. Jahrhundert unter dem Schutz dieser wichtigen Persönlichkeiten stehen, und das ist es auch Durch diese Verbindung von Kräften wurden einige der wichtigsten Kunstwerke der Geschichte. Es ist nur notwendig, die mächtige Medici-Familie in Florenz zu erwähnen.

Wenn also die Renaissance einen echten Bruch mit der unmittelbar vorhergehenden Welt darstellt, dann im Konzept des Künstlers und der Beziehung, die er zu seinen Kunden pflegt. Der Künstler blieb weiterhin ein Instrument in den Händen seiner Gönner, die ihre Schützlinge jedoch mit klarem Zweck der Differenzierung und politischen Propaganda bedienten. Jedem mächtigen Mann wird ein Stil verliehen, der ihn repräsentiert: die Sforza in Mailand, Julius II in Rom, die Medici in Florenz. Darüber hinaus wird das Sammeln von Kunstwerken auch zu einem Status- und Machtsymbol.

Andererseits löst sich das mittelalterliche mechanische Künstlerhandwerk in eine viel intellektuellere Auffassung von Kunst und ihren Prozessen auf. Kunstabhandlungen wie Leon Battista Albertis berühmte De Pictura (1435) helfen dabei enorm Betrachten Sie den Künstler als viel mehr als nur einen Handwerker, vorausgesetzt, er braucht einige intellektuelle Qualitäten, um seine Arbeit auszuführen. Als Folge dieser neuen Betrachtungsweise beginnen Künstler, sich in ihren Werken abzubilden und zu signieren.

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Eine neue Bildsprache: Perspektive

Die Veränderungen, die während der Renaissance stattfanden, waren eher philosophisch-literarischer denn plastischer Natur. Durch eine Neubewertung der antiken Philosophie wird die Grundlage für die Schaffung eines neuen formalen Systems geschaffen., die sich später in verschiedenen künstlerischen Strömungen manifestiert. Die Vorbilder der Antike werden als einziger Spiegel aufgezwungen, in dem die Menschen der Renaissance sich selbst betrachten und ihr ästhetisches Ideal suchen.

Aber wo nach alten Vorbildern in der Malerei suchen? Denn so wie Bildhauer und Architekten Vorbilder haben, an denen sie sich inspirieren lassen können, ist dies bei der Malerei nicht der Fall. Im fünfzehnten Jahrhundert waren Pompeji und Herculaneum noch nicht entdeckt worden, was die Entdeckung äußerst schwierig machte die Aufgabe, Bildvorlagen aus der Antike zu finden, auf denen die neue Sprache aufbaut bildlich. Zu diesem Zweck trug die Entdeckung der Domus Aurea von Nero im Jahr 1480 in Rom bei, deren Fresken dazu beitrugen stellen, wenn auch verspätet, einige Bildvorlagen auf, die den Malern als Vorbilder dienen würden Renaissance.

Ein Beispiel dafür sind die "Grotesken", bildliche Ornamente, die unter anderem auf Pflanzendekorationen, menschlichen Figuren und fantastischen Tieren basieren und die Wände von Neros Palast schmückten. Die Exzentrizität dieser Dekorationen brachte ihnen jedoch scharfe Kritik von Abhandlungsautoren wie Giorgio Vasari ein.

Es war gerade Vasari, der die Grundlagen dessen legte, was er dachte die "gute Malerei", die im Grunde auf Harmonie und Proportion und vor allem auf der richtigen Perspektive beruhen musste. Es ist wahrscheinlich dieses letzte Konzept, das die meisten Renaissance-Künstler beschäftigte; um, wie Alberti sagte, ein "Fenster" zu schaffen, durch das ein Teil des Raums erblickt werden konnte. In Italien war die Perspektive in der bildlichen Darstellung um 1422 erreicht worden: Die Fresken in der Brancacci-Kapelle von Masaccio sind ein guter Beweis dafür.

Den Italienern des Quattrocento gelang es, die Perspektive zu beherrschen, indem sie sich von der Pluralität der Blickwinkel entfernten, die die Trecento-Maler verwendet hatten. Stattdessen ermöglichten sie das „Fenster“, durch das Alberti sprach die genaue mathematische Perspektive, wodurch alle Linien der Komposition an einem einzigen Fluchtpunkt zusammenlaufen. Bei diesem Unterfangen war der Beitrag des Architekten Filippo Brunelleschi entscheidend. Es ist jedoch nicht weniger wahr, dass die flämischen Primitiven in Flandern durch einen anderen Prozess zu einer ebenso gültigen Lösung gelangten.

Flämische Malerei aus dem 15. Jahrhundert, darunter Jan van Eyck und Roger van der Weyden, stellte eine ebenso radikale Abkehr von gotischen Formen dar wie die Malerei der Renaissance in Italien. Bei den Flamen wurde die Perspektive durch eine sorgfältige und absolut empirische Beobachtung der Realität erreicht.

Das Flamenco-Ergebnis war so überraschend und einzigartig, dass sich sein Stil in ganz Europa verbreitete, bis zu dem Punkt, dass Gebiete wie z England, Österreich oder die Iberische Halbinsel orientierten sich mehr an flämischen Vorbildern als an den daraus hervorgegangenen der Renaissance Italien. Die Künstler des italienischen Quattrocento selbst haben diese Erneuerer aus Flandern sehr bewundert, und zwischen den beiden europäischen Breiten findet ein reger künstlerischer Austausch statt. Es genügt zu sagen, dass Bartolommeo Fazio, ein Humanist des 15. Jahrhunderts aus Genua, Jan van Eyck als „den führenden Maler unserer Zeit“ bezeichnet.

Alles begann in Florenz

Wenn uns ein Ort einfällt, wenn wir über die Renaissance sprechen, dann ist das natürlich Florenz.. In dieser Stadt entwickelt sich der Humanismus, eine kulturelle Strömung und ein Denken, das die Fähigkeit des Menschen bestätigt, sich selbst und die ihn umgebende Welt zu kennen. Aber setzen wir uns in einen Kontext.

1402 rücken die Mailänder Truppen unter der Führung von Gian Galeazzo Visconti in Richtung Florenz vor und bedrohen den Frieden und Wohlstand, der jahrelang in der Florentiner Republik herrschte. Der Angriff auf Mailand wird in den 20er Jahren des 15. Jahrhunderts wiederholt; eine zweite Bedrohung, die nur durch das Bündnis zwischen Florenz und der Stadt Venedig (1425) gestoppt wird. Diese fortwährenden militärischen Ansprüche beleben nur republikanische Werte, die die Florentiner gegen das schwingen, was als fürstliche Diktatur galt. Mäzene und Künstler begannen daher, nach einer plastischen Sprache zu suchen, die diese republikanischen Ideale widerspiegelte.

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Ghiberti und Masaccio, die großen Plastikerneuerer

1401 wurde in Florenz ein Wettbewerb abgehalten, um einen Künstler zu finden, der die zweite Tür des Baptisteriums anfertigen sollte. Der Gewinner war Lorenzo Ghiberti; Sein erstes Werk im Baptisterium gilt zwar als „Manifest“ der Renaissancekunst, hat aber noch immer großen Einfluss auf die Formen der sogenannten Internationalen Gotik. Erst in Ghibertis zweiter Arbeit am Baptisterium (die dritte Tür, hergestellt zwischen 1425 und 1452) wird es dieses Mal ohne Zweifel gewürdigt werden, der schallende Auftritt einer neuen plastischen Sprache die unter anderem die Einführung der Perspektive durch Regulierung der Maßstäbe der dargestellten Figuren beinhaltet.

Wenn Ghibertis Werk für das Baptisterium eine Innovation in der Bildhauerei darstellt, ist das von Masaccio (1401-1427) auf dem Gebiet der Malerei. Die Fresken, die der Künstler für die Brancacci-Kapelle in der Florentiner Kirche Santa Maria del Carmine geschaffen hat, stellen eine wahre Revolution dar. Unter ihnen die Prachtvollen Die Hommage an Cäsar, dessen Realismus und Eindringlichkeit seiner Figuren für seine Zeitgenossen eine wahre Offenbarung bedeutet haben müssen. Ebenso scheint die gewagte architektonische Perspektive, die in seinem Fresko Die Dreifaltigkeit in Santa Maria Novella enthalten ist, ein Loch in der Wand der Kirche zu öffnen. Es ist das „Fenster“, von dem Alberti spricht; Masaccio hat es endlich Wirklichkeit werden lassen.

Brunelleschi und die unmögliche Kuppel

Seit Mitte des 14. Jahrhunderts wollten die Florentiner ihre Kathedrale mit einer Kuppel versehen, die sie zur größten der Christenheit machen sollte.. Die Größe des Projekts hatte jedoch die Ängste der Architekten eingefroren: Nicht weniger als 43 Meter Durchmesser mussten eingespart werden, Maße, die praktisch denen des Pantheons in Rom entsprechen. Seitdem hatte es niemand mehr geschafft, eine solche Kuppel zu errichten.

Die Arbeiten begannen schließlich 1420, als die Kommission von Brunelleschis gewagtem Plan verführt wurde, der darauf abzielte, die Höhe zu erhöhen kolossale Struktur ohne die Hilfe von Gerüsten oder Lehrgerüst (von der Basis der Kuppel würde sie mit Streifen angehoben werden). horizontal). Das Projekt dauerte 16 Jahre (eine lächerliche Zeit, wenn wir die Größe des Unternehmens berücksichtigen). Im Jahr 1436, und nach Albertis eigenen Worten, bedeckte die Kuppel von Florenz „die ganze Toskana mit ihrem Schatten“. Seit dem Pantheon, also seit der Römerzeit, war nichts Vergleichbares erreicht worden. Die Kuppel von Brunelleschi ist ein wahres Wahrzeichen der Renaissance-Architektur.

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Die anderen Renaissance-Zentren

Florenz war das unbestrittene Zentrum, von dem aus der Humanismus und die Sprache der neuen Renaissance ausstrahlten, aber Es gab andere italienische Zentren, die diese Ideen aufgriffen und sie sich zu eigen machten, um eine zu schaffen eigene Version. Sehen wir sie uns unten an.

Rimini, geführt von Segismundo Malatesta, nutzte den neuen künstlerischen Ausdruck als Grundlage seiner offiziellen Propaganda. Die Renaissance des Malatesta-Hofes basierte im Wesentlichen auf dem ritterlichen Geist und dem Wissen der Klassiker. Eines der Beispiele der Renaissance in Rimini ist die Kirche San Francesco von Leon Battista Alberti. Außerdem zog Malatesta auch den Maler Piero della Francesca an seinen Hof.

Venedig war eine Stadt mit einer großen orientalischen Belastung, die seit dem Mittelalter den Zusammenflusspunkt zwischen der europäischen und der byzantinischen Welt darstellte. Als solche nimmt die venezianische Renaissance immer noch byzantinische Modelle und verschmilzt sie mit einem römischen architektonischen und dekorativen Vokabular.

Für seinen Teil, Federico de Montefeltro entwirft ein riesiges Programm, um Talente an seinen Hof in Urbino zu locken, darunter der berühmte Piero della Francesca, dessen Porträts des Herzogs und der Herzogin von Urbino in strengem Profil, die römischen Münzen nachempfunden sind, berühmt genug ist. Im Allgemeinen verbindet die Ikonographie christliche und mythologische Elemente, was sonst in der Kunst der Renaissance üblich ist.

Endlich, In Mantua nutzt Ludovico Gonzaga seine Vorliebe für die klassische Antike, um die Stadt zu reformieren. Dazu zählen unter anderem Leon Battista Alberti (Kirche San Andrés) und Andrea Mantegna (Fresken in der Kammer der Ehegatten). Die Betrachtung von Künstlern in der Renaissance impliziert, dass sie einen viel höheren Stellenwert haben als in früheren Jahrhunderten. So befahl Mantegna den Bau seines Palastes in Mantua, der den typischen Vorbildern der Renaissance-Architektur folgt und dessen Geometrie den Vorschriften des römischen Architekten Vitruvio folgt, der Referenz des Architekturschriftstellers der Epoche.