Realismus in der Kunst: Merkmale, Ursprünge und Beispiele

Kunst ist ein zutiefst menschlicher Ausdruck. Gerade deshalb und wegen der außergewöhnlichen kulturellen Vielfalt, die es schon immer gegeben hat, in jeder Epoche und in jeder Gemeinschaft hat auf unterschiedliche Weise künstlerisches Schaffen ausgeübt, Kunst an ihre eigenen Ausdrucksbedürfnisse angepasst und Kommunikation.

Die Kunst hat nicht immer versucht, die Realität nachzuahmen; nicht nur in der Avantgarde des 20. Jahrhunderts hat sie eine erhebliche Abkehr davon erfahren, sondern auch nicht Wir finden Realismus im künstlerischen Ausdruck von Zivilisationen wie dem alten Ägypten oder dem Westen mittelalterlich. Es gab jedoch Kulturen und historische Momente, in denen die Nachahmung der Natur das Wichtigste war und die Idee der Darstellung der Realität völlig untergeordnet wurde.

Wie ist der Realismus in der Kunst entstanden? Wie war Ihre Entwicklung? In diesem Artikel werden wir versuchen, einen Rundgang durch die verschiedenen künstlerischen Erscheinungsformen und ihren Realismusgrad zu zeichnen.

Was ist Realismus in der Kunst?

Es ist wichtig, zwischen zwei Begriffen zu unterscheiden: Realismus als künstlerische Richtung und Realismus als Merkmal eines Kunstwerks.. Während also die erste eine plastische und literarische Bewegung ist, die sich auf die Jahrzehnte, die von 1840 bis 1880 gehen, in Bezug auf Realismus beschränkt charakteristisch für ein Kunstwerk hat mit dem Grad an Realismus zu tun, den das Werk aufweist, nämlich: Perspektive, Proportion, Volumen, Raum, usw

Auf diese Weise gehören nicht alle realistischen Werke zur Strömung des Realismus, ebenso wie ein gerahmtes Werk in dieser Bewegung muss es keine realistischen Eigenschaften aufweisen (obwohl letzteres nicht das üblichste ist).

Merkmale des Realismus als künstlerische Strömung des 19. Jahrhunderts

Die Bewegung des Realismus entstand in Frankreich und bedeutete eine klare Antwort auf ihren Vorgänger, die Romantik. Während sich letzterer von legendären Themen inspirieren ließ und menschliche Emotionen auf den Höhepunkt brachte, Der Realismus schlug eine radikale Wende vor und richtete seinen Blick auf die ihn umgebende Alltagswirklichkeit. Diese realistische Vision der Motive wurde mit dem Naturalismus (dem „dunklen“ Sohn des Realismus) zu einer schmutzigen Erforschung der Unterwelt und der dunkelsten Situationen der Menschheit. Zu den wichtigsten bildlichen Vertretern dieser Strömung zählen Jean-François Millet und im literarischen Bereich Émile Zola, der als Vater des Naturalismus gilt.

Wir haben also, dass Realismus und Naturalismus in Bezug auf künstlerische Strömungen des XIX Themen erforschen alltagsbezogen und weg von Motiven, die nicht auf einer empirischen Umweltbeobachtung beruhen des Künstlers. Aus diesem Grund stellen sowohl der eine als auch der andere (insbesondere der Naturalismus) oft eine scharfe Denunziation der sozialen Prekarität dar, die mit der industriellen Revolution einherging.

Andererseits hängt der Realismus als Merkmal eines Kunstwerks, wie wir bereits gesagt haben, mit seinen formalen Merkmalen zusammen. An diesem Beispiel wird es ganz deutlich: ein Renaissance-Werk, das sich einer mathematischen Perspektive rühmt und das respektiert Zahlenbände ist ein formal realistisches Werk, das sich aber keineswegs auf die Zeit beschränkt Realist des 19. Jahrhunderts

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Seit wann gibt es Realismus in der Kunst?

Bereits in den ersten künstlerischen Manifestationen (der sogenannten Felskunst) finden wir Merkmale, die wir berücksichtigen könnten realistisch. Denn trotz der Tatsache, dass wir beim Bison von Altamira und bei den Pferden, die in den Höhlen von Lascaux (Frankreich) vertreten sind, keinen Hinweis darauf finden Perspektive oder ein authentischer Wunsch, eine reale Szene darzustellen, wir finden ungewöhnliche Details in der Darstellung der Tiere.

Trotzdem können wir noch nicht von realistischer Kunst sprechen, seit Höhlenmalereien Im Allgemeinen stellen sie eine deutliche Schematisierung dar und wären eher einer Kunst zuzuordnen konzeptionell. Eigentlich, grob gesagt, Die Kunst der Menschheit war bis zum Aufkommen der Renaissance, mit Ausnahme natürlich der griechischen und römischen Kunst.

In Ägypten finden wir wieder eine eminent konzeptuelle Kunst: Es wird versucht, Konzepte und Ideen, ja sogar Szenen auszudrücken die täglichen handlungen folgen ausgeprägten konventionen, die nichts mit einer mimetischen darstellung der realität zu tun haben Umgebung. In der Kunst des alten Ägypten sind die Szenen in horizontalen Bändern organisiert, und es gibt keine realistische Reihenfolge der Elemente der Darstellung.. Darüber hinaus wurden die wichtigsten Teile jedes Elements ausgewählt, sodass das Gesicht im Profil dargestellt wurde, die Augen und der Oberkörper vorne und die Beine seitlich. Dies gehorchte keiner Realität und war ausschließlich dem Wunsch untergeordnet, die erkennbarsten Teile jedes Elements darzustellen.

Das heißt, die Ägypter "gestalteten" die Realität auf ihre eigene Weise. Die Nile Valley-Künstler folgten streng einem Maßstabssystem, das sich auf die Bedeutung der dargestellten Person bezog. So finden wir in derselben Szene und auf derselben Ebene einige Figuren viel größer als andere. Dieser Größenunterschied ist keinem Perspektivversuch geschuldet, sondern hängt mit der (übrigens sehr strengen) Hierarchie der Ägypter: ein Gott wird immer viel größer dargestellt als ein Pharao, dieser wird immer viel größer sein als seine Frau und Kinder,- usw

Diese konzeptionelle Repräsentation findet sich in der mittelalterlichen Kunst wieder, wie wir später sehen werden. Aber Zwischen der Kunst der antiken Zivilisationen und dem Mittelalter gab es eine kurze Klammer der realistischen Kunst: griechische Kunst und römische Kunst, auf die wir weiter unten eingehen werden.

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Die „realistische“ Klammer: Griechenland und Rom

Die archaische griechische Kunst war eng mit der Darstellungsweise der Völker des Ostens, insbesondere Ägyptens, verbunden. Doch gegen das VI Jahrhundert a. C. etwas begann sich zu ändern. Es ist die sogenannte klassische griechische Periode, in der eine Art von plastischen Darstellungen gefördert wird, die der Realität besser entsprechen.

Das wachsende Interesse der Griechen an der menschlichen Anatomie führt zu einer skulpturalen Produktion, die die Natur streng nachahmt. ist der griechische mimesis, der Versuch, die Realität so zu erfassen, wie sie ist, also nach Kriterien von Proportion, Volumen und Symmetrie.

Doch trotz der unglaublich realistischen Anatomie in Marmor und Bronze sollten wir nicht vergessen, dass diese Werke gleichzeitig dem gehorchten, was sie als „ideale Schönheit“ verstanden. Mit anderen Worten, obwohl die Götter und Göttinnen in der griechischen Skulptur anatomisch perfekt sind, stellen sie Prototypen dar, keine konkreten, identifizierbaren Personen.

Dazu müssen wir auf Rom warten, wo die Individualisierung durch das Porträt ungeahnte Höhen erreicht. Andererseits, die in Pompeji gefundenen Fresken, insbesondere die der sogenannten zweiten und vierten pompejanischen Stil, zeigen einen Realismus, der in der westlichen Malerei erst im 19. Jahrhundert wiederzufinden sein wird XV Jahrhundert.

Diese Gemälde blieben jahrhundertelang verborgen, begraben von den Überresten der Asche, die beim Ausbruch des Vesuvs entstanden war. Paradoxerweise ermöglichte die Katastrophe, dass die Überreste bis zur Entdeckung der Ruinen im 18. Jahrhundert praktisch intakt blieben. Die Überraschung der Entdecker war groß, denn vor ihren Augen wurden einige Gemälde von exquisiter Qualität und einem noch überraschenderen Realismus gezeigt.

Tatsächlich werden sie in den Fresken des sogenannten zweiten pompejanischen Stils durch ein Fenster gezeigt fiktive, hoch ausgearbeitete architektonische Perspektiven, die wirklich einen Raum zu "öffnen" scheinen Wand. Die gleiche Technik wurde viele Jahrhunderte später von Masaccio in seinem Fresko der Dreieinigkeit, aus der Florentiner Santa Maria Novella, die seine Zeitgenossen in Erstaunen versetzte, weil sie ein Loch in die Kirchenmauer zu reißen schien.

mittelalterlicher Kunststoff

Masaccios Arbeit war für seine Zeit sehr innovativ; Denken wir daran, dass seit den pompejanischen Fresken kein Versuch unternommen wurde, einen Raum von solch ausgeprägtem Realismus zu schaffen. Die mittelalterliche Kunst, die auf die letzten Jahre des Römischen Reiches folgte, ist im Allgemeinen (wir können hier nicht auf alle Stile und Erscheinungsformen eingehen) schematisch und sehr konzeptuell.

Ebenso wie die Ägypter stellten mittelalterliche Künstler keine realen Räume und Elemente dar, sondern drückten durch Malerei und Skulptur eine Reihe von Konzepten und Ideen aus. Elemente wie Symmetrie und Volumen gehen bei dieser Art von Arbeit verloren., aber nicht, wie viele behauptet haben (und leider immer noch behaupten), weil "sie nicht malen konnten", sondern weil ihr Ziel bei der Darstellung dieser Werke nicht die Nachahmung der Natur war.

Es gibt viele Themen über romanische „Ausdruckslosigkeit“; Ausdruckslosigkeit, die keine solche ist, wie man schnell erkennt, wenn man einige der erhaltenen Reliefs sorgfältig betrachtet. Denn obwohl die romanische Plastik (und die mittelalterliche Kunst im Allgemeinen) sehr konzeptionell ist (genau wie die ägyptische Plastik), ist es nicht wahr, dass es ihr an Ausdruck mangelt. Das Problem ist, dass ihre Ausdrucksform nicht unsere ist Viele der Möglichkeiten, wie romanische Künstler Gefühle und Emotionen einfangen mussten, entsprechen nicht unserer heutigen Sprache.

Andererseits sind viele Kunstwerke der Romanik mit Details übersät, die sich im Untergang manifestieren können die Falten einer Tunika (schematisch, aber oft sehr detailliert) oder in den Bordüren, die eine Tischdecke aus dem Letzten schmücken Abendessen.

Das Erreichen der Perspektive

Zu Beginn des 15. Jahrhunderts markierte Filippo Brunelleschi einen Meilenstein in der Kunstgeschichte, indem er das Verfahren der mathematischen oder linearen Perspektive etablierte. Wenig später schrieb Alberti Brunelleschis neue Theorien in seinem Werk nieder von pictura (1435). Auf diesen Grundsätzen, die als Grundlage „guter“ Malerei gelten, wird fortan die westliche Kunst aufgebaut.

So, Während des gesamten 15. Jahrhunderts und teilweise des 16. Jahrhunderts versuchte die italienische Renaissance, die lineare Perspektive in ihren Bildwerken wiederzugeben.. Diese Perspektive wird durch die Einrichtung eines Fluchtpunkts erreicht, von dem aus alle Linien, die den Bildraum bilden, auftauchen. Dies erzeugt eine optische Täuschung, die dem Gehirn das Gefühl von Tiefe vermittelt.

Die sogenannte flämische Renaissance koexistiert mit der Renaissance der italienischen Halbinsel, einer anderen der große Revolutionen in der Malerei, die in diesem Fall von den Künstlern Flanderns im 18. Jahrhundert durchgeführt wurden. XV. Diese „flämischen Primitiven“ verliehen ihren Werken Tiefe durch die Abfolge von Ebenen und, Vor allem aber setzen sie einen Meilenstein im bildhaften Realismus, indem sie alle Details des Bildes wiedergeben Objekte. Man sagt, dass in Jan van Eycks Gemälden alle vorkommenden Pflanzenarten dank der Fülle an Details katalogisiert werden können.

Die italienische mathematische Perspektive war jedoch der große Gewinner der westlichen Kunst der Moderne und der Realismus prägte ab dem 16. Jahrhundert die europäische Malerei. Die Barockkunst ist eine äußerst realistische Kunst, weil sie trotz des (ziemlich) Rufs, eine erhabene und hochemotionale Kunst zu sein, auch einen Platz einnimmt für die Darstellung der Wirklichkeit: Alte Männer mit Falten, zahnlose Gesichter, Kinder mit dreckigen Füßen, Stillleben mit außergewöhnlich eingefangenen Früchten Realismus…

Kehren Sie zu den Ursprüngen des künstlerischen Realismus zurück

Die Kunst des Realismus dominierte die westliche Kunstszene bis Mitte des 19. Jahrhunderts, als es zu ersten Brüchen mit der „traditionellen“ Kunst kam.. Impressionisten, ästhetische Strömungen und später fauves, hinterfragte, was seit dem 15. Jahrhundert als unbestreitbare Grundlage "guter" Kunst gilt.

Die Avantgarde des 20. Jahrhunderts ist also eine Art Rückkehr zu den Ursprüngen. Avantgarde-Künstler suchen in ihrem Eifer, sich von akademischer und offizieller Kunst zu distanzieren, nach neuen Ausdrucksformen und finden sie in der Zerstörung des „Realismus“; das heißt, die Perspektive, die Proportion, die kompositorische Kohärenz. Mit einem Wort, die strikte Nachahmung der Realität.

Bekannt ist der Fall Picasso, deren Zeichnungen oft an mozarabische Miniaturen erinnern, oder die Kubisten, die in ähnlicher Weise wie die Die Ägypter brachen vor mehr als zwei Jahrtausenden die realistische Vision von Objekten und reproduzierten sie absolut subjektiv.

Hyperrealismus und die neuen realistischen Strömungen

Oft reagieren die unterschiedlichen Strömungen und künstlerischen Ausdrucksformen aufeinander. Wir haben bereits in der Einleitung erwähnt, dass die realistische Bewegung des 19. Jahrhunderts eine Antwort auf die Romantik der vorangegangenen Jahrzehnte war. Nun, derzeit finden wir im künstlerischen Panorama eine Strömung, die den malerischen Realismus an ungeahnte Grenzen hebt; Wir beziehen uns auf die sogenannte hyperrealistische Strömung.

Der Hyperrealismus entstand Ende des 20. Jahrhunderts, teilweise als Antwort auf die konzeptuelle und abstrakte Tendenz der bildenden Kunst.. Diese Strömung bringt die Nachahmung der Natur zu ihrem maximalen Ausdruck, wodurch ihre Gemälde in fotografische Reproduktionen verwandelt werden (tatsächlich wird sie auch als Fotorealismus bezeichnet). Die Schärfe der Kompositionen ist so groß, dass sie den Betrachter oft wirklich überwältigt; Natürlich gibt es keinen Mangel an Kritikern, die es als einfache Nachahmung der Realität bezeichnen.

Die Frage ist: Soll die Kunst die Natur kopieren, wie die alten Griechen mit ihrer Mimesis argumentierten, oder hat sie die „Pflicht“, etwas Neues beizutragen? Wenn wir davon ausgehen, dass eine Imitation niemals eine exakte Reproduktion des Originals ist (da es immer durch das Sieb des Künstlers geht), sollten wir uns vielleicht fragen, ob "Kunst realistisch".