6 Hauptmerkmale der Pop Art

ZU Pop Kunst, auch genannt von Pop-Art, eine künstlerische Bewegung, die in den 1950er Jahren in Großbritannien und den USA entstand und in den 1960er Jahren ihren Boom erreichte.

Es ist ein Rahmen für den Übergang von der Moderne zur Postmoderne in der westlichen Kultur, der von Lawrence Alloway, einem englischen Kunstkritiker, der 1956 die Pop-Art schuf, bekämpft wird.

1. Eine Ästhetik das Massas

Pop-Art war ein zentrales Element, das sich der Kunst des Alltags anzunähern suchte und die Ästhetik der Massenkultur als Hauptstütze nutzte.

Die antwortenden britischen und nordamerikanischen Künstler versuchen, mit Elementen zu arbeiten, die uns Verhaltensweisen und Kostüme vorfinden, die durch die zunehmende Industrialisierung geprägt sind. Das Leben sollte nicht von der Kunst getrennt werden, werden sie gutschreiben.

Pop-Art-Künstler suchen auch täglich nach Kultur, um sich für den kreativen Prozess zu inspirieren. Diverse Arbeiten feitas nesse context waren großformatige Objekte, Bilder, die Fotografien von Zeitschriften in Zeitschriften, Verwendung der Siebdrucktechnik, Fragmente von Geschichten in Quadrinhos, Bilder von Prominenten und Werbung.

2. Gewöhnliche Gegenstände als Kunst

Man kann sagen, dass diese pulsierende Periode der Künste geprägt war von der zunehmenden Verwendung von Alltags- und Alltagsgegenständen in der Kategorie der künstlerischen Gegenstände.

Konserven, Kühlkannen und andere „Bananen“-Elemente prägten große Gemälde und zeichneten eine verdichtete Kultur nach, die die 60er Jahre durchdrang.

Ein paar Meias sind für ein Gemälde nicht weniger geeignet als Öl auf Leinwand.

Robert Rochenberg

3. Verwendung von Prominentenbildern

Ebenso wie Künstler Bilder von Alltagsgegenständen verwenden, werden sie auch Bilder von Prominenten in ihren Werken verwenden.

Dessa forma wurden Fotografien von Kinostars und Musik in großem Maßstab reproduziert, in der Regel im industriellen Siebdruckverfahren.

Es sollte eine Parallele zwischen den Objekten und den Menschen hergestellt werden, die von der Bevölkerung sehr „konsumiert“ wurden. Auf keinen Fall erfolgt dieser Konsum durch Fernsehen und Kino.

Als Beispiel haben wir emblematische Werke von Andy Warhol, in denen er die Figur von Marilyn Monroe, Elvis Presley und Michael Jackson reproduziert hat.

Es ist auch eine Kritik an der eigenen Kulturindustrie, die zeitgenössische Mythen und "Idole" schafft.

4. Widerstand gegen Abstraktionismus

Oder Bewegung, die der Pop-Art-Foi oder dem Abstraktionismus vorausgeht. Ich fügte hinzu, dass Mitte der 50er Jahre junge Künstler wie Jasper Johns und Robert Rauschenberg anfingen zu kritisieren oder Abgrund zwischen Kunst und Leben und Outsourcing, das sich nicht als abstrakter Stil in der Voga identifiziert.

Sie bescheinigten, dass Kunst näher an der gemeinsamen Stadt sein sollte und nicht in eine unverständliche Atmosphäre gehüllt sein sollte, wie es die abstrakte Kunst war oder ist.

5. Sozialkritik

Aus der Gesellschaft heraus, Züchter da Pop-ArtWir werden unsere eigene Gesellschaft kritisieren: o übermäßiger Konsum, o halbbegrenztes kapitalistisches Verhalten oder aufrührerische nordamerikanische Alltagsgewohnheiten.

Inzwischen haben sie genau zwei Elemente verwendet, die wir kritisiert haben, um ihre Kunst zu schaffen und so eine Produktion zu schaffen, die sich dem Konsum widersetzt, aber gefüttert wird.

6. Lebendige Kerne

Die in der Höhe entstandenen Arbeiten erhalten Konturen mit vielen kräftigen, fluoreszierenden Farben und etwas Helligkeit. Ein klassisches Beispiel ist Eine Banane, geweiht von Andy Warhol und verwandelt in eine Disco-Schicht der Rockband Der samtige Untergrund.

Ein weiteres Beispiel für den Wert, den Follower geben Pop-Art davam ao brilho foi a criação da obra Mickey Maus, auch von Andy Warhol. Nela oder der Künstler entschieden sich für eine Grundierung mit Diamanten, um einen Beleuchtungseffekt à peça zu provozieren:

Werke und Künstler da Pop-Art

1. Was macht das Wohnen von heute so anders, so attraktiv? (1956), von Richard Hamilton

Richard Hamilton war jahrelang Ingenieur und Manager für technisches Know-how. Zu einem bestimmten Zeitpunkt seiner Karriere entschied er sich jedoch, seine Fähigkeiten in den Dienst kreativerer Produktionen zu stellen.

Ein Collagen von Richard Hamilton (das auf Portugiesisch übersetzt werden könnte als Oder was macht die Blätterhäuser so attraktiv?) wurde in der Whitechapel Gallery in London präsentiert. O work fez Teil der berühmten Ausstellung Das ist morgen.

Der englische Künstler Richard Hamilton war Teil der Ära einer Chamado-Gruppe Unabhängige Gruppe (IG), gegründet 1952 in der englischen Hauptstadt. Kritiker betrachteten Colagem als uma das primeiras wirkt wirklich charakteristisch da Pop-Art.

Uma curiosidade: Richard Hamilton assinou a capa do weisses Album, Album der Beatles.

2. Campbells Suppe (1962), von Andy Warhol

Andy Warhol gestaltete ein Design und arbeitete als Illustrator für wichtige Magazine wie Vogue, Harper's Bazaar und New Yorker. Du bist auch Werbetreibender und interessierst dich immer für Elemente der Massenkultur.

Warhol verwendete viele seiner Arbeiten mit Siebdruck, um produção em série fazendo. darzustellen eine Kritik der Impessoalität des vermasselten Objekts. Kein betitelter Satz Campbell's Suppendosen Wir fanden ein Zusammentreffen von 32 Stoffen, von denen jeder als Hommage an 32 Suppensorten bemalt war, die die Firma Campbell auf dem nordamerikanischen Markt anbietet.

3. Marilyn-Diptychon (1962), von Andy Warhol

Warhol war auch Filmemacher und Filmenthusiast. Seu-Arbeiten in den bildenden Künsten werden auch vermittelt porträtieren nordamerikanische populäre Idole aus einer neuen Perspektive.

Serious arbeitet als bildender Künstler tiveram als führende Persönlichkeiten, Ikonen und Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens wie Marilyn Monroe, Michael Jackson, Elvis Presley, Marlon Brando und Eizabeth Taylor.

Warhol hat gesucht geweihte Bilder neu erfinden Ich verwende insbesondere die mechanische Reproduktion, die Anwendung von kräftigen und leuchtenden Farben auf Porträts, die Teil der kollektiven populären Bildsprache sind.

4. Kuss V (1964) von Roy Lichtenstein

Lichtenstein wusste einiges über seine Kunst, die darauf abzielte, die Geschichten auf den Feldern aufzuwerten. Seu trabalho auch misturava Werbung, Handel und Kürzungen von Tag zu Tag.

Der nordamerikanische Künstler fez verwendet auch zutiefst Pontilhista-Technik. Zu seinem berühmten Tuch Kuss V Es gibt zwei Beispiele für die Verwendung dieser Technik.

5. Hallo Lass uns eine Fahrt machen (1961), von James Rosenquist

Rosenquist foi um dos maiores nomes da Pop-Art von Nova Iorque. Die Anfänge seiner Karriere als abstrakter Expressionismus, dazu ein präzises Logo zum Abdecken für die Erstellung von Werbebriefen, um überleben zu können.

Oder zukünftiger Künstler, in einem Moment der Reflexion eine Parallele zwischen diesen beiden Aktivitäten:

Rosenquist privilegiert seine Werke Collagen Feitas von ganz andere Referenzen aus dem Alltag Lebensmittelillustrationen, Autoteile, Werbung, politische Werbung.

6. Flagge (1955), von Jasper Johns

O nordamerikanischer Maler foi um dos pioneiros da Pop-Art e entwickelt oder erstellt hauptsächlich aus Karten, Flaggen, Alvos und Algarismen.

Acabou, by isso, macht sich auf eine gewisse nationalistische Weise als Künstler bekannt. Jasper war einer der Hauptverantwortlichen für die nordamerikanische Kultur in Europa.

Oder Züchter Fez verwenden da klassische Ikonographie, einfach, und von Symbolen, die alle Menschen erreichen könnten, zugehörige Pois oder kollektive Bilder. Als Zeitdekor investierte Johns in die Verwendung von echten Objekten auf Stoffen wie Dosen, Nadeln und Besen.

Eine Kuriosität: Jasper Johns verwendete eine Maltechnik, die darin bestand, Tinte in heißem Wachs zu verdünnen.

ZU Pop-Art Kein Brasilien

Wir lebten nicht in Brasilien während der Militärgrabenzeit (die nach dem Putsch von 1964 begann). Rondava oder die Hälfte der Zensur, weil die künstlerische Produktion eher zufrieden ist. Erwähnenswert ist jedoch die "Opinião 65", eine Veranstaltung im Museum of Modern Art, die 17 brasilianische und 13 ausländische Künstler zusammenbringt.

Die besten Namen für brasilianische Kunst in der Höhe sind: José Roberto Aguilar, Wesley Duke Lee, Luiz Paulo Baravelli, Claudio Tozzi, Carlos Farjado und Antonio Henrique Amaral.

Ein großer kleiner Höhepunkt der Epoche war vorerst umstritten und wenig verstanden. Parangolvon Hélio Oiticica.

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