Abstraktionismus: Entdecken Sie die 11 berühmtesten Werke

Oder Abstraktionismus, ou Abstrakte Kunst, ist eine Bewegung, die ganz unterschiedliche Produktionen vereint, die von nicht-figurativen Designs bis hin zu Stoffen reichen, die aus geometrischen Kompositionen hergestellt werden.

Die Absicht auf abstrakte Werke zu legen und Formen, Farben und Texturen hervorzuheben, Elemente zu enthüllen, die nicht in Einklang gebracht werden, und eine Lektüre der Welt aus einer nicht objektiven Art von Kunst anregen.

1. Amarelo-Vermelho-Blauvon Wassily Kandinsky

Eine Leinwand, datiert 1925, item no title os nomes das cores primárias. Es wurde russisches Haar von Wassily Kandinsky (1866) bemalt und befindet sich derzeit im Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, in Paris (Frankreich).

Kandinsky gilt als oder ein Vorläufer des abstrakten Stils und war ein Künstler, der eng mit der Musik verbunden war, so dass er Teil seiner abstrakten Kompositionen war, wie z Amarelo-Vermelho-Blau, Foram aus der Beziehung zwischen Musik, als Kerne und Formen.

Eine Leinwand mit großen Abmessungen (127 cm x 200 cm) hat verschiedene geometrische Formen (wie Kreise, Rechtecke und Dreiecke), die in Primärkernen überragt ausgeführt sind. Das Ziel des Künstlers war es, auf die psychologischen Wirkungen aufmerksam zu machen, die Kerne und Formen sind, die Pessoas ausüben.

Bezüglich der Angelegenheit bekräftigte Kandinsky in der Höhe:

„Ein cor é um meio, um direkt auf die Seele einzuwirken. Ein cor é ein Schlüssel; oder olho, oder hämmern Sie es. Einer Seele oder einem Instrument gibst du tausend Saiten. Oder ein Künstler ist mein, der, wenn er auf dieser oder dieser Tonart spielt, die Seele nur mit Vibração bekommt. Eine berührte Menschenseele sei nicht der empfindlichste Punkt, antwortet er."

2. Nummer 5von Jackson Pollock

Zum Stoff Nummer 5 Ich wurde 1948 von dem nordamerikanischen Maler Jackson Pollock aufgezogen, der nicht im Jahr zuvor begann, eine völlig neue Art der Komposition seiner Werke zu erkunden.

Seine Methode bestand darin, emaillierte Tinte auf ein fleckiges Tuch in seinem Atelier zu gießen. Diese Technik ermöglichte es, einen Emaranhado von Linhas und später Ganhou oder Nome von "Gemälden durch Tropfen" (ou tropft, in Englisch) Pollock war zwei Hauptnamen für Abstraktionismus.

Seit 1940 gibt die Malerin Tinha reconhecimento Kritik und Öffentlichkeit. Zum Stoff Nummer 5, feita nicht apex da sua carreira, e imensa, possui 2,4 m x 1,2 m.

Das Werk wurde im Mai 2006 für 140.000 Dollar an einen privaten Sammler verkauft und übertraf damit einen damaligen Rekordpreis - zu diesem Zeitpunkt war es die jüngste Zahlung für die Geschichte.

3. Insel Dulcamaravon Paul Klee

1938 malte sein eingebürgerter Deutscher Paul Klee sieben großformatige Bilder im Querformat. Insel Dulcamara é um desses painéis.

Alle Arbeiten sind als Carvao am Tag skizziert, die Klee auf Schlepp oder Linho färbt und so eine glatte und differenzierte Oberfläche erhält. An verschiedenen Stellen werden zwei painis und mögliche Gehaltsabschnitte verwendet, eine angenehme und unerwartete Überraschung für Klee selbst.

Insula Dulcamara sind zwei weitere fröhliche Werke des Malers, mit seinen freien Accessoires, verstreut und mit definierter Form. Der Titel des Werkes ist lateinisch und bedeutet „insula“ (ilha), „dulcis“ (zwölf, amavel) und „amarus“ (bitter) und kann als „Ilha doce e amarga“ interpretiert werden.

Ein Stoff wurde in den letzten Jahren seines Lebens aufgezogen und zu Klee deu folgende Aussage:

„Wir sollten nicht erwarten, dass wir uns involviert sehen, nicht mit unverdaulicheren Elementen; Wir müssen nur hoffen, dass die schwieriger zu assimilierenden Dinge nicht stören oder ausgleichen. Auf diese Weise ist das Leben mit Sicherheit überwältigender als ein sehr geordnetes bürgerliches Leben. Und jedes um é livre, je nach Ihren Gesten, zu oder eskortiert zwischen oder zwölf und oder links zwei pratos da balança. "

4. Komposition mit Amarelo, Azul und Vermelhovon Piet Mondrian

Komposition mit Amarelo, Azul und Vermelho Es wurde ursprünglich zwischen 1937 und 1938 in Paris gemalt, aber es wurde zwischen 1940 und 1942 in New York entwickelt, als Mondrian einige der schönen Linien und Akzente anderer neu positionierte. Ein Werk gefunden, seit 1964 keine Sammlung der Tate St Ives (Cornwall, England).

Oder Mondrians Interesse galt der abstrakten Qualität. Embora begann seine Karriere mit figurativen Werken, als Zeitvertreib oder als Maler, der in den Abstraktionismus investierte, und 1914 radikalisierte er die Kurven seiner Arbeit und beseitigte sie praktisch.

O französischer Maler entwickelte eine neue Form der rigorosen Abstraktion chamada Neoplastizität, die auf Linienlinien, Horizonte und Verticais sowie grundlegende Primärkerne beschränkt war. Im Allgemeinen waren seine Zusammensetzungen nicht symmetrisch. Uma curiosidade: als Linhas horizontais wurde im Allgemeinen vor den Tagen der Verticais gemalt.

Mondrian war der Meinung, dass diese spezifische Art von Kunst eine größere und universellere Wahrheit widerspiegelt, als sie der figurativen Malerei vorausgeht.

5. Suprematistische Komposition, Kasimir Malewitsch

Assim als Mondrian oder der sowjetische Maler Kasimir Malewitsch schufen eine neue Kunstform. ODER Suprematismus geboren in Russland zwischen 1915 und 1916. Wie seine anderen Abstraktionisten war es sein größter Wunsch, die physische Präsenz von allem und jedem Objekt zu leugnen. Die Idee war, Reinheit zu erreichen, oder, wie der Züchter selbst sagt, "Vorherrschaft gibt pure Sensation".

Assim, hat ein abstraktes Werk geschaffen Suprematistische Komposition 1916, das die wesentlichen Merkmale des neuen Stils darstellt. Dieses Werk mit den Maßen 88,5 cm × 71 cm ist Teil einer Privatsammlung.

Eine Technik zeichnet sich durch die Verwendung einfacher geometrischer Formen und die Vorliebe für eine Palette von Auch einfache, primäre und sekundäre Kerne, manchmal überlappt, andere nebeneinander positioniert. Seite. O gründete é quase sempre branco nas criações de Malevich, der o vazio repräsentiert.

6. O ouro do Firmamentvon Joan Miró

O espanhol Joan Miró war ein Künstler, der es sich zum Ziel gesetzt hatte, aus einfachen Formen grandiose Bedeutungen zu extrahieren, die meist von der Vorstellungskraft und Interpretation des Betrachters abhängen.

Dies ist der Fall von O ouro do Firmament, Bild aus dem Jahr 1967 in Acryltechnik auf Leinwand und dass die Seite zur Sammlung der Fundação Joan MIró in Barcelona gehört.

In der Nessa-Komposition sehen wir die Vorherrschaft von Amarelo, einer mit Freude verbundenen Strömung, die alle Formen umhüllt.

Es gibt eine große blau verblasste Masse, die hervortritt, da der Rest der Formen und Linien in den Herrn zu fließen scheint.

O work gilt als Synthese von Mirós Schaffensprozess, der sich der spontanen Untersuchung und der Schaffung präziser Formen in der Malerei widmete.

7. Flasche Rum und Zeitungvon Juan Gris

Zwischen 1913 und 1914 vom spanischen Kubisten Juan Gris gemalt oder mit Ölfarbe auf Leinwand gearbeitet, gehört es heute zur Sammlung der Tate Modern (London). Grau verwendet oft flache, strukturierte Kernüberlagerungen und Flasche Rum und Zeitung Es ist ein wertvolles Beispiel seiner Technik.

Oder Bild, das Sie Ihren repräsentativsten Arbeiten geben, laden Sie ein Bild aus Winkelebenen im Schnittpunkt. Viele von ihnen sind Holzstücke aus der Vergangenheit, die vielleicht an eine Tischplatte erinnern, veranschaulichen, wie sie sich überlagern und ineinandergreifen und jede Möglichkeit einer mit der Realität verbundenen Perspektive leugnen.

Eine Flasche und/oder ein Tagebuch des Titels sind mit einem Minimum an Hinweisen gekennzeichnet: Einige Buchstaben, eine Umrisse und ein Ortsvorschlag genügen, um auf die Identität zweier Objekte zu wetten. Oder quadro hatte relativ kleine Abmessungen (46 cm x 37 cm).

8. Schwarz in tiefem Rotvon Mark Rothko

Wegen Suas cores fortes e funnebres als tragisches Gemälde angesehen, Schwarz in tiefem Rot1957 aufgewachsen, zeigt er zwei Gemälde der späteren Nachfolge des nordamerikanischen Malers Mark Rothko. Seit er in den 1950er Jahren zu malen begann, erreichte Rothko almejava Universalität, mit jedem Jahr fand er eine zunehmend vereinfachte Form.

Schwarz und tiefes Rot Das charakteristische Format folgt zwei Werken des Künstlers, bei denen die monochromen Rechtecke innerhalb zweier Grenzen des Quadro zu schweben scheinen.

Direktes Färben von Stoffen mit vielen feinen Pigmentschichten und besonderes Augenmerk auf die Grenzen, an denen die agenturübergreifenden Felder oder der Maler erreicht haben oder Effekt gibt Licht, das vom Bild selbst ausstrahlt.

Das Werk gehört derzeit zu einer Privatsammlung, die im Jahr 2000 für erstaunliche über dreitausend Dollar verkauft wurde.

9. Concetto spaziale 'Attesa'von Lúcio Fontana

Auf dem Gesicht eines Teils einer Werkserie, die der argentinische Maler Lúcio Fontana zwischen 1958 und 1968 in Mailand schuf, wächst eine Leinwand. Diese Arbeiten, die aus ein- oder mehrfach geschnittenen Stoffen bestehen, werden zusammenfassend als Tagli ("Schnitte") zusammengefasst.

Als Ganzes betrachtet, ist são oder mai eine umfangreiche und vielfältige Werkgruppe Fontanas, die als Sinnbild ihrer Ästhetik gilt. Oder auf zwei Furos zu zielen, bedeutet buchstäblich, die Oberfläche der Arbeit zu durchbrechen, damit der Betrachter einen Raum wahrnehmen kann, der além ist.

Lúcio Fontana begann ab den 1940er Jahren, die Technik des Parfümierens von Stoffen zu entwickeln. Ein plastischer Künstler bleibt, uns in den 1950er und 1960er Jahren, auf der Suche nach verschiedenen Möglichkeiten, die Buracos als seine charakteristische Geste auszupacken.

Fontana-Gesicht als Fendas mit einem Laken, das an den Stoffen befestigt ist, die später den Spitznamen Blick preta forte erhielten, was den Eindruck eines Vazio von hinten erweckt. 1968 teilte Fontana einem Interviewer mit:

"Eu hat eine unendliche Dimension geschaffen (...) minha descoberta foi o buraco e é isso. Fico geht gerne zu den Grabhügeln solcher Descoberta "

10. Gegenkomposition VIvon Theo van Doesburg

Der niederländische Künstler Theo van Doesburg (1883–1931) malte ein Werk bis 1925 im quadratischen Format mit Ölfarbe auf Leinwand.

Da geometrische und symmetrische Formen sorgfältig arrangiert werden, bevor sie mit Tinte bedeckt werden, werden die Linien a priori caneta zusammengezogen.Gegenkomposition VI face ist Teil einer Kollektion, die besonders eine diagonale Form und monochrome Töne bevorzugt.

van Doesburg ist nicht nur Maler, sondern auch Schriftsteller, Dichter und Architekt und mit der Künstlergruppe De Stijl verwandt. Oder arbeiten Gegenkomposition VI, 50 x 50 cm, wurde 1982 von der Tate Modern (London) erworben.

11. Metaschemavon Hélio Oiticica

Der brasilianische bildende Künstler Hélio Oiticica benennt verschiedene zwischen 1957 und 1958 entstandene Arbeiten nach Metaschemata. Es handelt sich um Gemälde, die geneigte Rechtecke tragen, die mit Gouache-Tinte auf einen Karton gemalt sind.

Es gibt geometrische Formen mit einfarbigen Formteilen (auf jeden Fall oder Vermelho), die direkt auf eine glatte und scheinbar leere Oberfläche aufgetragen werden. Die Formen sind in dichten Kompositionen organisiert, die in schrägen Abständen angeordnet sind.

Oiticica schuf essa eine Reihe von Gemälden, als er in Rio de Janeiro lebte und arbeitete. Zweiter oder eigener Maler, er wurde als "obsessive Verbreitung des Raumes" behandelt.

Das Foram oder erste Forschungspontapé für komplexere dreidimensionale Arbeiten, die der Künstler in Zukunft nicht entwickeln würde. Em 2010, ähm Metaschema Es wurde in der Christie’s Community für 122,5 Tausend US-Dollar verkauft.

Oder was war es oder Abstraktionismus?

Historisch gesehen wurden abstrakte Werke in Europa nicht zu Beginn des 20. Jahrhunderts, nicht im Kontext der modernen Kunstbewegung, entwickelt.

Es handelt sich um Werke, die nicht die Wiedereroberung von Gegenständen darstellen sollen und sich nicht der Nachahmung der Natur verschrieben haben. Daher war die erste Reaktion der Öffentlichkeit und die Kritik eine Ablehnung der Kinder, die als unverständlich erachtet wurde.

So wurde die abstrakte Kunst gerade dafür kritisiert, dass sie als figuratives Vorbild bricht. Diese Art von Arbeit muss nicht mit der äußeren Realität und mit der Repräsentation verknüpft werden.

Im Laufe der Zeit werden die Werke jedoch immer mehr Öl und die Künstler werden in der Lage sein, ihre Stile eingehend zu erkunden.

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