Οι 10 πιο σημαντικοί πίνακες μπαρόκ

Το μπαρόκ είναι μια εποχή και ένα καλλιτεχνικό ρεύμα που εμφανίστηκε, κυρίως, τον 17ο αιώνα. Αυτό το καλλιτεχνικό στυλ έχει πολλά αριστουργήματα, που διανέμονται στα καλύτερα μουσεία στον κόσμο.

Σε αυτό το άρθρο θα επικεντρωθούμε στη ζωγραφική του μπαρόκ και θα διασώσουμε 10 από τους σημαντικότερους πίνακές του.

• Σχετικό άρθρο: «Τι είναι οι 7 Καλές Τέχνες; Μια περίληψη των χαρακτηριστικών του»

Μπαρόκ ζωγραφική

Ο 17ος αιώνας γνώρισε την άνοδο των πραγματικών δασκάλων της ζωγραφικής. Καλλιτέχνες όπως ο Velázquez, ο Vermeer, ο Rubens ή ο Ribera γέμισαν τις σελίδες της ιστορίας της τέχνης με πολλούς τρόπους. αριστουργήματα, απαραίτητα για να γνωρίσουμε τόσο αυτή την ιστορική περίοδο όσο και την εξέλιξη της τέχνης γενικός.

Όπως συμβαίνει με τα περισσότερα κινήματα τέχνης, το μπαρόκ δεν είναι ένα ενιαίο στυλ.. Σε κάθε περιοχή και κάθε χώρα είχε τα δικά της χαρακτηριστικά, με γνώμονα το δικό της οικονομικό, θρησκευτικό και κοινωνικό πλαίσιο. Έτσι, ενώ στις καθολικές χώρες αυτό το στυλ χρησίμευσε ως όχημα για την Αντιμεταρρύθμιση, στις περιοχές Οι προτεστάντες έγιναν πολύ πιο οικείοι και προσωπικοί, αφού προωθήθηκε από τους εμπόρους και τους αστούς του πόλεις.

• Μπορεί να σας ενδιαφέρει: «Τα 4 πιο σημαντικά χαρακτηριστικά του μπαρόκ»

Οι 10 βασικοί πίνακες του μπαρόκ

Στη συνέχεια, θα κάνουμε ένα σύντομο ταξίδι στους 10 πιο σημαντικούς πίνακες του μπαρόκ.

1. Λας Μενίνας, του Ντιέγκο Βελάσκεθ (Museo del Prado, Μαδρίτη)

Είναι ίσως ένα από τα πιο αναπαραγόμενα εικονογραφικά έργα και ένα από τα πιο διάσημα στον κόσμο. Ο καμβάς είναι γνωστός ως Λας Μενίνας, αν και το αρχικό του όνομα ήταν Η οικογένεια του Φελίπε Δ'. Είναι, χωρίς αμφιβολία, ένα από τα αριστουργήματα της μπαρόκ ζωγραφικής και της ιστορίας της τέχνης γενικότερα.

Ζωγραφίστηκε το 1656 στο Cuarto del Príncipe del Alcázar στη Μαδρίτη και αναδημιουργεί ένα καταπληκτικό παιχνίδι φωτός και προοπτικής. Στο βάθος, που αντανακλώνται σε έναν καθρέφτη, βλέπουμε τις προτομές των μοναρχών, του βασιλιά Φελίπε Δ' και της συζύγου του Μαριάνας της Αυστρίας. Στα αριστερά του καμβά, ο Velázquez κάνει μια αυτοπροσωπογραφία στο καβαλέτο. Οι ερμηνείες του έργου ήταν και συνεχίζουν να είναι πολύ διαφορετικές. Ζωγραφίζεις τους βασιλιάδες και ξαφνικά σε διακόπτει η μικρή ινφάντα Μαργαρίτα, που συνοδεύεται από τις μηνίνες της και τη συνοδεία της; Όπως και να έχει, ο πίνακας βυθίζει πλήρως τον θεατή στη σκηνή, σαν να ήταν ένας άλλος χαρακτήρας σε αυτήν.

2. Judith και Holofernes, από την Artemisia Gentileschi (Gallery Uffizi, Φλωρεντία)

Εδώ και μερικά χρόνια, το εξαιρετικό έργο της Artemisia Gentileschi ανακτά τη θέση που του αξίζει στην ιστορία της ζωγραφικής. Η Judit and Holofernes είναι ένα από τα αριστουργήματα όχι μόνο του εικονογραφικού του σώματος, αλλά και της μπαρόκ ζωγραφικής γενικότερα.

Ο καλλιτέχνης μας αντιπροσωπεύει η στιγμή, καταγεγραμμένη στη Βίβλο, όπου η Judith, η Εβραία ηρωίδα, αποκεφαλίζει τον Holofernes, έναν Βαβυλώνιο στρατηγό που τη θέλει. Η Αρτεμισία αντιπροσωπεύει τη στιγμή με μια αγριότητα που παγώνει την αναπνοή σου. Πολλοί κριτικοί ήθελαν να δουν στην ωμότητα αυτού του πίνακα όλη την οργή και τα βάσανα που ο παραβίαση της οποίας έπεσε θύμα λίγο πριν την εκτέλεση της πρώτης έκδοσης του πίνακα, που σώζεται στο Μουσείο του Capodimonte, Νεάπολη. Σε κάθε περίπτωση, το υπέροχο chiaroscuro, η σύνθεση και ο δυναμισμός των χαρακτήρων καθιστούν αυτό το έργο ένα από τα καλύτερα δείγματα μπαρόκ ζωγραφικής.

• Σχετικό άρθρο: "Τα 7 καλύτερα μουσεία στην Ισπανία που δεν πρέπει να χάσετε"

3. Κορίτσι που διαβάζει ένα γράμμα μπροστά από το ανοιχτό παράθυρο, του Johannes Vermeer (Alte Meister, Δρέσδη)

Το μεγάλο και, ταυτόχρονα, οικείο εικαστικό σύμπαν του Βερμέερ περιορίζεται, δυστυχώς, σε περίπου τριάντα αναγνωρισμένα έργα. Αυτή η έλλειψη καλλιτεχνικής παραγωγής μετατρέπει αυτόν τον Ολλανδό καλλιτέχνη του μπαρόκ σε ζωγράφο που περιβάλλεται από ένα φωτοστέφανο μυστηρίου. Οι εσωτερικοί του χώροι εκτιμήθηκαν εξαιρετικά εκείνη την εποχή, αν και αργότερα έπεσαν στη λήθη και δεν διεκδικήθηκαν πολύ αργότερα από τους ιμπρεσιονιστές του 19ου αιώνα.

Το έργο που μας αφορά αντιπροσωπεύει τέλεια εκείνο το σύμπαν της οικιακής οικειότητας που είναι χαρακτηριστικό του ζωγράφου. Σε ένα δωμάτιο που φωτίζεται από το γαλακτώδες φως που μπαίνει από ένα ανοιχτό παράθυρο, μια νεαρή γυναίκα συγκεντρώνεται στο να διαβάσει ένα γράμμα. Ο ιδιωτικός της κόσμος γίνεται πιο απρόσιτος γιατί δεν μπορούμε να τον φτάσουμε φυσικά, αφού το τραπέζι και η κουρτίνα στο πρώτο πλάνο μας εμποδίζουν να το κάνουμε. Αυτός ο καμβάς είναι ένα όμορφο παράδειγμα μπαρόκ ζωγραφικής από την Ολλανδία και, πάνω απ 'όλα, αυτού του κόσμου των άπιαστων και σχεδόν απόκοσμων χαρακτήρων που κατοικούν στο έργο αυτού του εξαιρετικού καλλιτέχνη.

• Μπορεί να σας ενδιαφέρει: "Διαφορές μεταξύ της Αναγέννησης και του Μπαρόκ: πώς να τα ξεχωρίσεις"

4. Νεκρή φύση, από την Clara Peeters (Μουσείο Πράδο, Μαδρίτη)

Το είδος των νεκρών φύσεων δεν έχει λάβει μεγάλη εκτίμηση στην ιστορία της τέχνης, παρά το γεγονός ότι είναι ενός είδους που απαιτεί μεγάλη λεπτομέρεια και, φυσικά, μια αδιαμφισβήτητη ικανότητα αποτύπωσης υφών και επιφάνειες. Ένα αριστούργημα του είδους είναι, χωρίς αμφιβολία, αυτό Νεκρή φύση της ζωγράφου Clara Peeters.

Σε αυτό, η δεξιοτεχνία του καλλιτέχνη δεν είναι εμφανής μόνο στην προσεκτική αναπαράσταση του στοιχεία, αλλά στη σειρά αυτοπροσωπογραφιών που έκανε ο ζωγράφος, ως αντανάκλαση, στην κανάτα και στο το κύπελλο. Η αποτύπωση ενός προβληματισμού σε μια επιφάνεια ήταν κάτι που απαιτούσε εξαιρετική δεξιοτεχνία και η Clara καταγράφει την εικονογραφική της ικανότητα μέσω αυτού του πόρου, καθώς και ένας τρόπος να διεκδικήσεις τον ρόλο σου ως καλλιτέχνη σε ένα επάγγελμα που κυριαρχείται από άνδρες.

5. Η δυσπιστία του Αγίου Θωμά, του Καραβάτζιο (Schloss Sanssouci, Πότσνταμ)

Το βιβλικό θέμα της αμφιβολίας του αγίου πριν την ανάσταση του Χριστού συγκεντρώνεται σε αυτό το έργο με έναν εντυπωσιακό νατουραλισμό. Ο Άγιος Θωμάς βάζει ένα δάχτυλο στην πληγή που κοιτάζει ο Ιησούς σε μια από τις πλευρές του. Ο ίδιος ο Χριστός καθοδηγεί το χέρι του, ενθαρρύνοντάς τον να πιστέψει μέσω υλικών αποδείξεων αυτό που δεν πίστεψε μέσω της πίστης. Αυτή η σκηνή δεν είχε ειπωθεί ποτέ με τόση, θα μπορούσαμε να πούμε, ωμότητα. Ο χαρακτηριστικός ρεαλισμός του Καραβάτζιο είναι εμφανής στην ανατομία των σωμάτων, στις ρυτίδες που αυλακώνουν τα μέτωπα των αποστόλων, στα βρώμικα νύχια που παρουσιάζει ο ίδιος ο Άγιος Θωμάς και κυρίως στην άκρη του δακτύλου του να μπαίνει στη σάρκα του Χριστός. Το έργο του Καραβάτζιο είναι ένα από τα καλύτερα παραδείγματα ότι το μπαρόκ δεν είναι μόνο θεατρικότητα και μεγαλοπρέπεια, αλλά συχνά προσεγγίζει την πραγματικότητα με εκπληκτικό νατουραλισμό.

• Σχετικό άρθρο: «Υπάρχει μια τέχνη αντικειμενικά καλύτερη από μια άλλη;»

6. σταυρωμένος Χριστός, από τον José de Ribera (Επισκοπικό Μουσείο Ιερής Τέχνης, Vitoria-Gasteiz)

Ένα από τα πιο εντυπωσιακά σταυρωμένα της μπαρόκ ζωγραφικής. Σώζεται στο Επισκοπικό Μουσείο Ιερής Τέχνης της Vitoria-Gasteiz, από το εξαφανισμένο μοναστήρι του Άγιος Δομίνικος, και θεωρείται μια από τις καλύτερες παραστάσεις του Χριστού που σταυρώθηκε στη ζωγραφική. Ισπανικά. Σε ένα ουδέτερο και έντονα σκοτεινό φόντο, το οποίο ενισχύει την ιδέα της βιβλικής έκλειψης που συνόδευε την θάνατος του Χριστού, η μορφή του Ιησού υψώνεται στο σταυρό, με το λευκό σώμα και παραμορφωμένο σε α αναγκαστικά contrapposto. Η μόνη πηγή φωτός είναι το σώμα του, αφού ακόμη και το αγνό ύφασμα έχει παρόμοια απόχρωση με το ξύλο του σταυρού στον οποίο είναι καρφωμένο. Η σκηνή μοιάζει να αποτυπώνει τη στιγμή που ο Χριστός σηκώνει το βλέμμα του στον ουρανό και μουρμουρίζει: «Όλα τελείωσαν. Consumatum est”.

7. Παιδιά που τρώνε σταφύλια και πεπόνι, του Bartolomé Esteban Murillo (Alte Pinakothek, Μόναχο)

Έχουμε ήδη σχολιάσει ότι ο ρεαλισμός είναι επίσης χαρακτηριστικός της τέχνης του μπαρόκ. Ένα καλό παράδειγμα αυτού είναι αυτός ο υπέροχος καμβάς του ζωγράφου Bartolomé Esteban Murillo, που φυλάσσεται στο Μόναχο, ο οποίος αναπαριστά δύο κακοντυμένα παιδιά που τρώνε σταφύλια και πεπόνι. Η Ισπανία του 17ου αιώνα προσέφερε έντονες αντιθέσεις και η φτώχεια ήταν ένα κοινό θέαμα στους δρόμους πόλεων όπως η Μαδρίτη. Με αυτή την ευκαιρία, ο Murillo αντιπροσωπεύει τα δύο αγόρια που συγκεντρώνονται στο φαγητό τους. Δεν κοιτούν τον θεατή. Στην πραγματικότητα, σχεδόν δεν παρατηρούν την παρουσία μας. Ενώ καταβροχθίζουν το πεπόνι και τα σταφύλια (ίσως ένα από τα λίγα φαγητά που θα έχουν πρόσβαση για πολλές μέρες), μιλούν ήρεμα, όπως μαρτυρούν τα βλέμματά τους που ανταλλάσσουν. Τα βρώμικα γυμνά πόδια και τα γυμνά ρούχα προσθέτουν μια δραματική νότα στη σαγηνευτική σκηνή.

8. Θόλο με το Αποθέωση της ισπανικής μοναρχίας, του Luca Giordano (Μουσείο Πράδο, Μαδρίτη)

Αυτή η φανταστική οροφή, που κατασκευάστηκε στα τέλη του 17ου αιώνα με την τεχνική της ψεύτικης νωπογραφίας, βρίσκεται επί του παρόντος στη Βιβλιοθήκη του Μουσείου Πράδο στη Μαδρίτη. Αρχικά το θησαυροφυλάκιο ανήκε στην παλιά Αίθουσα των Πρεσβευτών του Παλατιού Buen Retiro, ένα μέρος ανάπαυσης και αναψυχής που ο κόμης-δούκας του Ολίβαρες διέταξε να χτιστεί για τον βασιλιά Φελίπε Δ'.

Όπως υποδηλώνει το όνομά της, η Αίθουσα των Πρεσβευτών ήταν ο χώρος υποδοχής του μονάρχη, επομένως η εικονογραφία που εμφανίζεται στην οροφή της είναι μια ανάταση της ισπανικής μοναρχίας. Ο Giordano δημιουργεί μια εξαιρετική σύνθεση, διάσπαρτη με αλληγορίες και σύμβολα που προέρχονται από τη μυθολογία. που προσπάθησε να αναδείξει την αρχαιότητα του ισπανικού στέμματος και την υπεροχή του έναντι των άλλων βασιλικών οίκων Ευρωπαϊκός.

9. τα τρία ευχαριστώ, του Rubens (Μουσείο Πράδο, Μαδρίτη)

Προφανώς, ο Ρούμπενς έφτιαξε αυτόν τον καμβά, έναν από τους πιο γνωστούς του έργου του, για δική του απόλαυση, όπως αποδεικνύεται από το γεγονός ότι, κατά τον θάνατό του, ήταν ανάμεσα στην προσωπική του συλλογή. Στην πραγματικότητα, τα χαρακτηριστικά της γυναίκας στα αριστερά μοιάζουν πολύ με αυτά της δεύτερης συζύγου του, Η Helena Fourment, την οποία παντρεύτηκε ο Rubens όταν ήταν μόλις δεκαέξι και εκείνος, πενήντα- τρία. Από τα αρχαία χρόνια, Είναι σύνηθες να βρίσκουμε τον λόγο για τις Χάριτες που σχετίζονται με τους αρραβώνες, επομένως δεν φαίνεται παράλογο να υποθέσουμε ότι ο καλλιτέχνης ζωγράφισε τον πίνακα ως φόρο τιμής στον δικό του σύνδεσμο. Οι τρεις φιγούρες στέκονται ηδονικά και ενώνουν τα χέρια τους σε κάτι που φαίνεται να είναι κάποιο είδος χορού. Είναι πράγματι ένας από τους πιο κομψούς και αισθησιακούς πίνακες του καλλιτέχνη.

10. μετανοούσα Μαγδαληνή του λύχνου, του Georges de La Tour (Μουσείο του Λούβρου, Παρίσι)

Ο De La Tour είναι ένας φανταστικός ζωγράφος που φημίζεται για το εξαίσιο κιαροσκούρο στις συνθέσεις του, που επιτυγχάνεται με τη λάμψη ενός ή περισσότερων κεριών.

Σε αυτή την περίπτωση, ο πίνακας μας δείχνει μια Μαρία Μαγδαληνή απορροφημένη στον διαλογισμό της. Το βλέμμα της είναι καρφωμένο στη φωτιά του κεριού που καίει μπροστά της, τη μοναδική πηγή φωτός στον πίνακα, όπως συνηθίζεται στο έργο του καλλιτέχνη. Η αγία στηρίζει το κεφάλι της στο ένα χέρι, ενώ στο άλλο, που ακουμπάει στην αγκαλιά της, κρατά ένα κρανίο, σύμβολο της μετάνοιας και της παροδικότητας της ζωής, τόσο χαρακτηριστικό του μπαρόκ. Το μοτίβο της μετανοίας της Μαγδαληνής ήταν πολύ διαδεδομένο τον 17ο αιώνα. Ο ίδιος ο De La Tour έφτιαξε έως και πέντε εκδοχές αυτού του πίνακα. Σε δύο από αυτά, το κρανίο βρίσκεται στο τραπέζι, και με τον όγκο του κρύβει τη φωτιά του κεριού, που τονίζει ακόμη περισσότερο το κιαροσκούρο της σκηνής.