Ιμπρεσιονισμός: τι είναι και χαρακτηριστικά αυτού του καλλιτεχνικού στυλ

Ο κόσμος του ιμπρεσιονισμού είναι ο κόσμος του Μπελ Επόκ. Η αρχή, το έτος 1874; Το Παρίσι έβραζε από καινοτομία και αλλαγές. Στη Boulevard des Capucines, το στούντιο ενός πρώην φωτογράφου είναι ανοιχτό κάθε μέρα μέχρι τις δέκα το βράδυ. Στο εσωτερικό εκτίθενται έργα καινοτόμων καλλιτεχνών που ο Louis Leroy, κριτικός τέχνης, έχει χαρακτηρίσει υποτιμητικά «ιμπρεσιονιστές». Έτσι τα παραθέτει στο άρθρο που γράφει για τη σατιρική εφημερίδα Le Charivari: «Η ιμπρεσιονιστική έκθεση». Όπως συμβαίνει συχνά, η ονομασία, στην αρχή κοροϊδεύοντας και με μόνη πρόθεση να κοροϊδέψει τους συγγραφείς της, ξεπερνά το χρόνο και καταλήγει να δώσει στο κίνημα ένα επίσημο όνομα.

Ποιοι ήταν εκείνοι οι νέοι (και όχι τόσο νέοι) που εξέθεταν στη λεωφόρο των Καπουσινών, εκείνον τον Απρίλιο του 1874; Ήταν μια ομάδα καλλιτεχνών απογοητευμένων από την επίσημη τέχνη (που δεν τους επέτρεπε να αφήσουν ελεύθερα τις δημιουργίες τους), που ομαδοποιήθηκαν με το μη πρωτότυπο όνομα Ανώνυμη Εταιρεία Καλλιτεχνών, Peintres, γλύπτες

, Τάφοι, και τα λοιπά. Η έκθεση παρουσίασε το έργο που θα ενέπνευσε τον Leroy να δώσει στην ομάδα το όνομά της: Εντύπωση. Ανατολή του ηλίουτου Κλοντ Μονέ.

• Σχετικό άρθρο: "Οι 7 Καλές Τέχνες"

Χαρακτηριστικά του ιμπρεσιονισμού: επαναστάτες ζωγράφοι;

Αν αυτοί οι καλλιτέχνες έπρεπε να εκθέσουν έξω από το επίσημο Σαλόνι, αυτό σήμαινε φυσικά το στυλ του δεν έτυχε καλής υποδοχής. Και όντως? Έχουμε ήδη σχολιάσει πώς ο κριτικός Louis Leroy τους επιτίθεται σκληρά στο άρθρο του. Ωστόσο, είναι δίκαιο να πούμε ότι η φήμη των επαναστατών που έχει δοθεί σε αυτή την ομάδα ζωγράφων του Το Boulevard des Capucines (το έμβρυο αυτού που θα γινόταν ιμπρεσιονισμός χρόνια αργότερα) δεν είναι εντελώς άξιζε. Διότι, ενώ είναι αλήθεια ότι από αυτήν την έκθεση του 1874 το κίνημα απέκτησε δύναμη (και, μαζί του, όλη η αντιακαδημαϊκή φόρτιση που έφερε), δεν είναι Λιγότερο από πολύ πριν υπήρχαν άλλοι καλλιτέχνες που τόλμησαν επίσης να ελαφρύνουν τις πινελιές τους και να αιχμαλωτίσουν το φως και την ατμόσφαιρα στον καμβά πάνω από το σχήμα.

Ο Édouard Manet, ο πατέρας του ιμπρεσιονισμού;

Ο Édouard Manet (1832-1883) θεωρείται παραδοσιακά ο «πνευματικός πατέρας» του κινήματος. παρά το γεγονός ότι ο καλλιτέχνης ποτέ δεν ταυτίστηκε πλήρως με αυτό ούτε εξέθεσε δίπλα στους ιμπρεσιονιστές. Πράγματι, Ο Μανέ δεν είδε ποτέ τον εαυτό του ως «επαναστάτη καλλιτέχνη», παρά το γεγονός ότι δύο από τα έργα του προκάλεσαν μεγάλο σάλο.. Ουσιαστικά μιλάμε για τα γνωστά Μεσημεριανό στο γρασίδι (1863), το οποίο απορρίφθηκε από το Σαλόνι επίσημο, και το όχι λιγότερο διάσημο Ολυμπία, που κατασκευάστηκε την ίδια χρονιά αλλά εκτέθηκε το 1865.

Παραδοσιακά, θεωρείται ότι το σκάνδαλο προήλθε από την παρουσίαση γυμνών γυναικών σε ένα πλαίσιο μακριά από τη μυθολογία ή την αλληγορία (τα μόνα πλαίσια στα οποία επιτρεπόταν), αν και Πρόσφατες μελέτες τείνουν να πιστεύουν, υπό το φως των επικρίσεων που δημοσιεύτηκαν εκείνη την εποχή, ότι το σοκ προήλθε περισσότερο από την επίπεδη χρήση των χρωμάτων και τον τρόπο με τον οποίο αποτυπώθηκαν στον καμβά.

Τα έργα του Μανέ πλαισιώνονται στα χρόνια πριν από τη γέννηση της ιμπρεσιονιστικής ομάδας και, αν και είναι αλήθεια ότι προώθησε το κίνημα και ήταν φίλος ορισμένων μελών (όπως ο Κλοντ Μονέ), οι επιρροές αυτού του στυλ δεν φαίνονται στη δουλειά του παρά μόνο τα τελευταία χρόνια της παραγωγής του. Μερικά παραδείγματα αυτών των όψιμων ιμπρεσιονιστικών έργων είναι ένας Παριζιάνος (1882), ζωγραφισμένο ένα χρόνο πριν από το θάνατό του, ή ο περίεργος καμβάς ένα καρφί (1880).

• Μπορεί να σας ενδιαφέρει: «Υπάρχει μια τέχνη αντικειμενικά καλύτερη από μια άλλη;»

Η μακρά ιστορία του «ιμπρεσιονισμού»

Στην πραγματικότητα, η εύρεση της προέλευσης του ιμπρεσιονισμού είναι δύσκολη, αλλά και επικίνδυνη. Σε αντίθεση με άλλες κινήσεις με ξεκάθαρα προηγούμενα, η τροχιά αυτού που ονομάζουμε ιμπρεσιονισμό μπορεί να επεκταθεί μέχρι τον δέκατο έβδομο αιώνα. Δεν υπάρχει τίποτα άλλο για να αναλογιστεί κανείς το υπέροχο Θέα στον κήπο της Villa Medici στη Ρώμη, από τον Ντιέγκο Βελάσκεθ (εκτελέστηκε γύρω στο 1630) για να επαληθεύσει ότι η ιμπρεσιονιστική τεχνική επεκτάθηκε πολύ πέρα ​​από τις τελευταίες δεκαετίες του 19ου αιώνα.

Ο Velázquez αποτυπώνει το εξωτερικό της ρωμαϊκής βίλας με γρήγορες και χαλαρές πινελιές και έτσι καταφέρνει να αποτυπώσει το εφέ φωτός που, με παρόμοιο τρόπο με τους «κανονικούς» ιμπρεσιονιστικούς πίνακες, θολώνουν τις μορφές και συγχέουν το χρωματιστά.

Και φυσικά, Το πινέλο του William Turner (1775-1851), ενός αληθινού οραματιστή μπροστά από την εποχή του, είναι επίσης ιμπρεσιονιστικό., όχι μάταια γνωστός ως «ο ζωγράφος του φωτός». Ήδη από το 1812, ο Τέρνερ είχε τελειώσει τη ζωγραφική Ο Αννίβας διασχίζει τις Άλπεις, του οποίου ο ήλιος που ανατέλλει ανάμεσα στις φρενήρεις πινελιές θυμίζει αναπόφευκτα *Εντύπωση.

Rising Sun* του Monet. Το έργο του είναι ακόμα πιο «ιμπρεσιονιστικό» Βροχή, ατμός και ταχύτητα, με ημερομηνία 1844 και που, τριάντα χρόνια πριν από το όνομα της ομάδας, θα μπορούσε ήδη να θεωρηθεί ένας πλήρως ιμπρεσιονιστικός πίνακας.

Τα «κανονικά» προηγούμενα που συλλέγουν τα εγχειρίδια από τους ιμπρεσιονιστές της Boulevard des Capucines είναι ο John-Barthold Jongkind (1819-1891), ένας Ολλανδός ζωγράφος με έδρα τη Νορμανδία του οποίου τα θαλασσινά τοπία αποτυπώνουν τέλεια την ατμόσφαιρα του θάλασσα; και Eugène Boudin (1824-1898), ένας από τους πρώτους καλλιτέχνες που ζωγράφισαν au plein air (στο ύπαιθρο) και που επηρέασε έντονα τον πρώτο Μονέ.

• Σχετικό άρθρο: "Οι 120 καλύτερες φράσεις των ζωγράφων"

Χαρακτηριστικά του ιμπρεσιονισμού

Αφού έκανε μια σύντομη περιήγηση στο υπόβαθρο του ιμπρεσιονισμού και εξήγησε πώς και πού ήταν που δημιουργήθηκε η «επίσημη» ομάδα, πιστεύουμε ότι είναι απαραίτητο να διευκρινίσουμε ποια είναι τα χαρακτηριστικά αυτής κίνηση.

ατμόσφαιρα και φως

Έχουμε ήδη σχολιάσει τη χαλαρή και γρήγορη πινελιά ως ένα από τα πιο αναγνωρίσιμα στοιχεία της. Οι ιμπρεσιονιστές του 19ου αιώνα απομακρύνθηκαν από την ακαδημαϊκή τέχνη και αναζήτησαν άλλες καλλιτεχνικές γλώσσες; Βρίσκουν αυτό το νέο μονοπάτι στην σύλληψη της ατμόσφαιρας και, επομένως, του φωτός. Για τους ιμπρεσιονιστές, το θέμα έχει πάψει να είναι σημαντικό. Αυτό που είναι πραγματικά ουσιαστικό σε έναν πίνακα είναι ο τρόπος αναπαράστασης της πραγματικότητας.

Για να συλλάβουν αυτή τη συνεχώς μεταβαλλόμενη ατμόσφαιρα, οι ιμπρεσιονιστές χρειάζονται μια γρήγορη και ορατή πινελιά, η οποία επιτρέπει να αποτυπωθούν όλες οι αποχρώσεις του φωτός. Αυτές οι αποχρώσεις εκτιμώνται τόσο πολύ που ορισμένοι από αυτούς τους καλλιτέχνες έρχονται να κάνουν "σειρές" του ίδιου θέματος. Διάσημος είναι αυτός που αφιερώνει ο Claude Monet στον καθεδρικό ναό της Ρουέν, που αποτελείται από τουλάχιστον 30 πίνακες που αποτυπώνουν την πρόσοψη του κτιρίου σε διάφορες ώρες της ημέρας.

Αλλά όχι μόνο το πέρασμα του χρόνου (και, επομένως, η αλλαγή του φωτός) προσελκύει τους ιμπρεσιονιστές. Ενδιαφέρονται επίσης για τα διαφορετικά περιβάλλοντα που δίνουν διαφορετικά ατμοσφαιρικά φαινόμενα στον ίδιο χώρο. Ο Ισπανός ζωγράφος Fernando de Amárica (1866-1956), ο οποίος αναπτύσσει ένα μεγάλο μέρος του έργου του σε ιμπρεσιονιστικό ύφος, έκανε το 1905 πόλη με ήλιο, μια προοπτική της Plaza de la Virgen Blanca στη Vitoria-Gasteiz μια φωτεινή μέρα. ένα χρόνο αργότερα, ζωγράφισε ακριβώς το ίδιο σημείο στην πόλη με δυνατή βροχή (πόλη με βροχή, 1906).

πλήρης αέρας

Και αν η γρήγορη και χαλαρή πινελιά ήταν απαραίτητο στοιχείο για την παραγωγή ιμπρεσιονιστικών έργων, τι να πει κανείς για το open air. Είναι εντελώς αδύνατο να συλλάβετε παραλλαγές φωτός μέσα από ένα στούντιο, έτσι οι καλλιτέχνες αρχίζουν να αφήνουν τα δωμάτιά τους και να ρίχνονται στη φύση, στην πόλη, στη ζωή.

Στην ανάπτυξη της plein-air ζωγραφικής (au plein air, στα γαλλικά) είχε πολύ να κάνει με την τεχνική βελτίωση που οδήγησε τη Δεύτερη Βιομηχανική Επανάσταση. Τα πινέλα ενσωμάτωσαν ένα μεταλλικό κομμάτι που κολλούσε σταθερά τις τρίχες στο ξύλο, γεγονός που τα έκανε πολύ πιο ανθεκτικά. Από την άλλη, άρχισαν να κυκλοφορούν στο εμπόριο συσκευασμένα χρώματα, τόσο σε σωλήνες όσο και σε κονσέρβες, γεγονός που έσωσε τον καλλιτέχνη από την κουραστική προετοιμασία των χρωστικών. Επίσης, αυτά τα κοντέινερ ήταν, φυσικά, πολύ πιο «φορήσιμα».

Είναι το μάτι που ανακατεύει, όχι ο ζωγράφος

Όντας πολύ πιο εύκολο στο χειρισμό, η βαφή σε ρολού σωλήνες έδινε έμφαση στην εφαρμογή χρωστικών. απευθείας στον καμβά, χωρίς ανάμειξη, κάτι που είχε άμεση σχέση με τις οπτικές θεωρίες του στιγμή.

Στους ιμπρεσιονιστικούς καμβάδες, τα χρώματα δεν αναμειγνύονται, αλλά διατάσσονται στρατηγικά, έτσι ώστε το μάτι του θεατή να τα αναμειγνύει. Γι' αυτό, αν δούμε πολύ προσεκτικά ένα από αυτά τα έργα, το μόνο που θα μπορέσουμε να αντιληφθούμε είναι μια ανούσια συγχώνευση χρωμάτων. Όμως, όταν κάνουμε τα απαραίτητα βήματα μακριά... τα μαγικά έγιναν! Η σκηνή εμφανίζεται μπροστά μας.

Φυσικά, δεν είναι μια αιχμηρή και ξεκάθαρη σκηνή όπως αυτές που προσφέρει η επίσημη ακαδημαϊκή τέχνη. Για πολλούς, οι ιμπρεσιονιστές «κατέστρεψαν» τον πίνακα, προσφέροντας «σκίτσα» ως τελειωμένους πίνακες. με λίγα λόγια, γέλασαν με το κοινό. Δεν αποτελεί έκπληξη ότι στην καυστική κριτική του Louis Leroy που έχουμε ήδη αναφέρει στην εισαγωγή, ο φανταστικός ζωγράφος που Πηγαίνει να δει την έκθεση, μπροστά σε έναν από τους πίνακες που εκτίθενται, βγάζει τα γυαλιά του και τα καθαρίζει, πιστεύοντας ότι είναι βρώμικος.

Αυτό που ο φτωχός ζωγράφος στην κριτική του Leroy αγνοούσε (ή ήθελε να αγνοεί) ήταν ότι μετά την εφεύρεση της φωτογραφίας στη δεκαετία του 1830, η «ρεαλιστική» ζωγραφική έπαψε να έχει νόημα. Το τεράστιο βάρος που είχε η φωτογραφική μηχανή στη γέννηση αυτών των νέων κινημάτων και στην πορεία της ιστορίας της τέχνης του 20ου αιώνα δεν μπορεί να αμφισβητηθεί. Και παρεμπιπτόντως, είναι ακόμα ειρωνικό ότι η πρώτη έκθεση των ιμπρεσιονιστών, αυτή που έγινε το 1874 και έγινε στόχος τόσων ανέκδοτων, βρισκόταν σε ένα παλιό φωτογραφικό στούντιο.

• Μπορεί να σας ενδιαφέρει: «Τι είναι η δημιουργικότητα;»

Οι μεγάλοι πρωταγωνιστές αυτής της καλλιτεχνικής κίνησης

Έχουμε ήδη αναφέρει τον Μανέ ως τον υποτιθέμενο πατέρα του ιμπρεσιονισμού (αν και έχουμε ήδη δει ότι δεν ήταν ακριβώς έτσι). Ποιοι ήταν όμως οι ζωγράφοι που εξέθεσαν για πρώτη φορά στη λεωφόρο των Καπουσινών, εκείνη τη 15η Απριλίου 1874;

Ανάμεσά τους βρίσκουμε τον Claude Monet (1840-1926), για πολλούς, τον μέγιστο εκπρόσωπο και ψυχή του κινήματος. Τα διάσημα νούφαρα του, μια σειρά από πίνακες που βασίζονται στα λουλούδια στη λίμνη του σπιτιού του, έχουν γίνει πραγματικό σύμβολο του ιμπρεσιονισμού και ας μην ξεχνάμε ότι ήταν δικά του Εντύπωση. Ανατολή του ηλίου, που έδωσε το όνομά του στο στυλ.

Ωστόσο, Ο Camille Pisarro (1830-1903) ήταν η φιγούρα που έφερε κοντά την ομάδα και αυτή που την προώθησε πιο ενεργά., παρά το γεγονός ότι στη δεκαετία του 1880 έγειρε προς τις πουαντιλιστικές θεωρίες του Seurat. Από την άλλη πλευρά, ο Edgar Degas (1834-1917), διάσημος για τους πίνακές του με μπαλαρίνες, δεν ήταν πραγματικά απόλυτος ιμπρεσιονιστής. γιατί εμπνεύστηκε από μοντέλα τόσο κλασικά όσο οι πίνακες του Ingres ή εξωτικά όπως τα prints ukiyo-e. Ιαπωνικά.

Ο Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) είναι ένα άλλο από τα μεγάλα ονόματα του ιμπρεσιονισμού που όμως παρουσιάζει και στοιχεία που την απομακρύνουν κάπως από την ουσία του κινήματος. Διάσημοι είναι οι πίνακές του για το πάρτι, που απεικονίζουν τέλεια τη χαρά του Μπελ Επόκ; Χορεύοντας στο Moulin de la Galette (1876) είναι ένα από τα πιο χαρακτηριστικά έργα του.

Αντιθέτως, Ο Alfred Sisley (1839-1899) είναι ένα από τα πιο ξεχασμένα ονόματα, αν και πολλοί μελετητές του δίνουν την τιμή να είναι ο πιο «αγνός» ιμπρεσιονιστής.. Τα έργα του, επικεντρωμένα κυρίως στα όμορφα τοπία γύρω από το Παρίσι (ιδιαίτερα στην περιοχή Moret-sur-Loing), αποτυπώνουν τέλεια την ατμόσφαιρα του φωτός και του ουρανού. Ελάχιστα ή καθόλου εκτιμημένο στη ζωή, ο Sisley πέθανε στη φτώχεια και μόνο μετά το θάνατό του άρχισε να θεωρείται το έργο του όπως του αξίζει.

Τέλος, δεν μπορούμε να τελειώσουμε αυτό το άρθρο χωρίς να αναφέρουμε τις μεγάλες ιμπρεσιονίστριες. Η Berthe Morrisot (1841-1895), μαθητής, μοντέλο και κουνιάδα του Μανέ (παντρεύτηκε τον Eugène, τον αδελφό του) είναι μια από τις πιο εξέχουσες προσωπικότητες. Η υπέροχη παραγωγή του, προφανώς επηρεασμένη από τον Ρενουάρ (ή ίσως το αντίστροφο...) αξίζει να βρίσκεται σε περίοπτη θέση στο κίνημα. Δυστυχώς, όπως συμβαίνει συχνά, το όνομα του Berthe έχει βγει από τους τόμους της ιστορίας της τέχνης πάρα πολλά χρόνια, με τον ίδιο τρόπο όπως η Mary Cassatt (1845-1927), η ζωγράφος που εξήγαγε τον ιμπρεσιονισμό στις Ηνωμένες Πολιτείες Εντάχθηκαν.