Edvard Munch: 20 λαμπρά έργα για την κατανόηση του πατέρα του εξπρεσιονισμού

Ο Edvard Munch είναι ένας Νορβηγός ζωγράφος που βρίσκεται στη μετάβαση από τον 19ο έως τον 20ο αιώνα και θεωρείται ο πατέρας του εξπρεσιονισμού. Το έργο του, σκανδαλώδες για πολλούς, προκάλεσε τον θαυμασμό των νέων καλλιτεχνών και του μη εξειδικευμένου κοινού. Αυτά ταυτίστηκαν με το άγχος που προκαλείται από την ταχεία εκβιομηχάνιση και τον ισχύοντα μηχανισμό.

Για τους καθιερωμένους καλλιτέχνες, η αιτία του σκάνδαλου ήταν στην τεχνική ελευθερία του Munch. Για τους συντηρητικούς τομείς, βασίστηκε στο γεγονός ότι ο ζωγράφος απευθύνεται ανοιχτά σε θέματα όπως το σεξ, η αγάπη και, πάνω απ 'όλα, η ασθένεια και ο θάνατος, οι μεγάλες εμμονές του.

Το στυλ του ήταν μοναδικό χάρη στο γεγονός ότι δημιούργησε μια αυθεντική και πρωτότυπη γλώσσα, συνέπεια του ελεύθερου διαλόγου με τον μετα-ιμπρεσιονισμό, το αρ νουβό και την πρωτοπορία. Γι 'αυτό, παρόλο που ο Μουντ άνοιξε τις πόρτες του εξπρεσιονισμού, δεν μπορεί να χαρακτηριστεί σε κανένα κίνημα. Ρίξτε μια ματιά στα πιο σημαντικά έργα του, θα καταλάβουμε γιατί ο Munch είναι ένας μοναδικός και μη επαναλαμβανόμενος καλλιτέχνης.

1. Η κραυγή, 1893

Η κραυγή Είναι το έργο του Munch που εξαπέλυσε το πιο σκάνδαλο, αλλά σήμερα είναι Μόνα Λίζα της σύγχρονης τέχνης. Αντιπροσωπεύει ένα ανδρόγυνο πρόσωπο του οποίου το πρόσωπο εκφράζει αγωνία στη μέγιστη έκφρασή του μετά από ακρόαση ή εκφώνηση κραυγής. Κατά συνέπεια, το υποκείμενο αντιλαμβάνεται τον κόσμο ως κυματοειδή και έντονη μάζα. Κανένας, αλλά ο Μουντς δεν το είχε κάνει στο παρελθόν στην τέχνη.

Το έργο σχεδιάστηκε μετά την περίοδο κατά την οποία μια από τις αδελφές του φυλακίστηκε για απόπειρα αυτοκτονίας, υποδηλώνοντας κάποια σύνδεση με το επεισόδιο. Ένα περίεργο γεγονός για Η κραυγή είναι ότι ο Munch έκανε τέσσερις εκδόσεις με μικρές διαφορές μεταξύ τους, μια πολύ κοινή πρακτική στον ζωγράφο. Η πιο διάσημη έκδοση είναι η έκδοση του 1893, η οποία είχε κλαπεί το 1994 και ανακτήθηκε λίγο αργότερα.

2. Ανησυχία, 1894

Ναί Η κραυγή είναι η εικόνα της ατομικής απελπισίας, Ανησυχία Είναι η έκφραση της συλλογικής αγωνίας που συλλαμβάνει ο Μουντς στη νορβηγική ψυχή. Επομένως, ο Munch δεν είναι καλλιτέχνης που περιορίζεται στο μητρώο ατομικής δυσφορίας, αλλά είναι ευαίσθητος στη γενική δυσφορία επηρεάζοντας την κοινωνία στα τέλη του 19ου αιώνα, της οποίας ο μετασχηματισμός είναι πολύ πιο γρήγορος από την ικανότητά του να επεξεργάζεται αλλαγές.

Ο καμβάς Ανησυχία Βασίζεται σε δύο προηγούμενους πίνακες Munch. Το τοπίο που βλέπουμε Ανησυχία έχει ανακτηθεί από τον καμβά Η κραυγή. Οι χαρακτήρες, από την άλλη πλευρά, έχουν ληφθεί από Απόγευμα στην οδό Karl Johan. Η στρατηγική λήψης στοιχείων από προηγούμενα καρέ είναι επαναλαμβανόμενη στο Munch. Ο ζωγράφος όχι μόνο «αντιπροσωπεύει» σκηνές, αλλά και τα στοιχεία που τις συγκροτούν θεωρούνται τα δικά τους σύμβολα.

3. Το άρρωστο κορίτσι, 1885-1886

Το άρρωστο κορίτσι αντιστοιχεί σε ένα πρώιμο στυλ στο έργο του Munch, πλησιάζοντας τον ιμπρεσιονισμό. Ο καμβάς απεικονίζει τη μικρότερη αδερφή του Μουντς, τη Σόφι, στο κρεβάτι της από τη φυματίωση. Μέχρι τότε, η νεαρή γυναίκα ήταν περίπου 15 ετών.

Όπως ήταν το έθιμο του, ο Munch έπαιξε διαφορετικές εκδόσεις αυτού του τραγουδιού, το οποίο αποτελούσε μόνιμη πηγή πόνου και ενοχής γι 'αυτόν. Αυτό οφείλεται στο γεγονός ότι ο ζωγράφος, ο οποίος είχε υποφέρει από φυματίωση στην ηλικία των 13 ετών, ένιωθε ότι πρέπει να πέθανε αντί της αδερφής του.

4. Αγάπη και πόνος (βαμπίρ), 1893

Munch με τίτλο αυτό το έργο Αγάπη και πόνο. Σε αυτό, αντιπροσώπευε μια γυναίκα που αγκαλιάζει έναν άνδρα που βρίσκεται στην αγκαλιά της, σαν να αναζητά άνεση. Αν και ο Munch δεν αποκάλυψε ποτέ την προσωπική σημασία του έργου, ο αρχικός τίτλος μιλάει πολύ. Ωστόσο, όταν αποκαλύφθηκε αυτό το κομμάτι, προκάλεσε ένα τεράστιο σκάνδαλο.

Οι άνθρωποι είδαν σαδομαζοχιστικά σημάδια σε αυτήν, και ερμήνευσαν ότι η γυναίκα δάγκωσε το λαιμό του εραστή της ως βαμπίρ. Κατά συνέπεια, ο πίνακας άρχισε να είναι γνωστός ως Βρυκόλακας. Αυτό ήταν το σκάνδαλο που, χρόνια αργότερα, ήταν ένας από τους πολλούς πίνακες Munch που λογοκρίθηκαν κατά τη διάρκεια της ναζιστικής κατοχής της Νορβηγίας.

5. Μαντόνα, 1894

Το κουτί γνωστό ως Μαντόνα αρχικά είχε τίτλο Γυναίκα εραστής ή Γυναίκα που αγαπά. Μετονομάστε την εργασία Μαντόνα είναι αναμφίβολα πρόκληση. Ο Munch παρήγαγε τουλάχιστον πέντε γνωστές εκδόσεις αυτού του κομματιού.

Η καλλιτέχνης κάνει μια αναπαράσταση της γυναίκας σαν να ήταν εικόνα, για να μεταδώσει την αίσθηση της λατρείας που ξυπνά την ομορφιά και τη σεξουαλικότητά της. Το κόκκινο φωτοστέφανο που περιβάλλει το κεφάλι του παραπέμπει στη σχέση μεταξύ αγάπης και πόνου, ακόμη και κατά την ολοκλήρωση της σεξουαλικής πράξης.

Αυτή η υπόθεση είναι δικαιολογημένη επειδή ο Munch έκανε μια χαραγμένη εκδοχή, το πλαίσιο της οποίας περιλάμβανε διακοσμητικά μοτίβα σπερματοζωαρίων που συγκλίνουν σε ένα μακάβριο έμβρυο. Συμπερασματικά, η ζωγραφική είναι ένα σύμβολο του κύκλου της ζωής που περνά μέσα από τη σεξουαλικότητα, την αναπαραγωγή και το θάνατο.

6. Τέφρα, 1894

Τέφρα Θεωρείται ένα από τα έργα με τη μεγαλύτερη αισθητική ομορφιά του Munch λόγω του νήματος των γραμμών και του χρωματισμού. Στη σύνθεση, βλέπουμε έναν άντρα σε μαύρο χρώμα, το χρώμα του σκότους και του θανάτου. Ο άντρας χάνεται σε μια γωνία, σαν να κρύβει το πρόσωπό του με ντροπή, με τα χέρια του στο κεφάλι του. Μας θυμίζει τον απογοητευμένο άνθρωπο Αγάπη και πόνος (Βαμπίρ).

Πίσω του, μια γυναίκα με ένα λευκό φόρεμα, το χρώμα της αγνότητας, και με ένα κόκκινο μπούστο, το χρώμα του πάθους, σηκώνει επίσης τα χέρια της. Το πρόσωπό του εκφράζει θλίψη και ανησυχία. Το πέπλο του πάθους έχει σχιστεί.

Η σχέση μεταξύ της εικόνας και του τίτλου δείχνει ένα παράδοξο: όταν καταναλώνεται το πάθος, εξαφανίζεται. Η φωτιά του πάθους αφήνει μόνο στάχτες. Αλλά επιπλέον, οι χειρονομίες των χαρακτήρων προκαλούν ενοχή και απόγνωση. Αυτό αποκαλύπτει ότι το γεγονός αψηφά έναν ηθικό κώδικα. Είναι μοιχεία; Ήταν βιασμός; Πρέπει να είναι ο θεατής που το αποκρυπτογραφεί.

7. Εφηβεία, 1894-1895

Επί ΕφηβείαΟ Munch απεικονίζει έναν εντελώς γυμνό νεαρό έφηβο. Η νεαρή γυναίκα έχει φοβισμένο πρόσωπο και κρύβει τα προσωπικά της μέρη. Περισσότερο από ένα σύμβολο μετριοφροσύνης και αθωότητας, οι χειρονομίες είναι ένα σύμβολο του φόβου και της καταστολής τη σεξουαλικότητα, την οποία υπέστη ο Μουντς στη νεολαία του, δεδομένης της θρησκευτικής αυστηρότητας του πατέρα του και του πλαισίου της εποχή.

Η μυστηριώδης διάθεση της σκηνής επιβεβαιώνεται από την αδιαίρετη σκιά στο παρασκήνιο, η οποία μοιάζει με ένα είδος στοιχειωμένης φαντασμαγορίας. Η σημασία αυτού του πρώιμου έργου του Munch είναι ότι αντιπροσωπεύει το σημείο αλλαγής μεταξύ του «ιμπρεσιονιστικού» εγκεφαλικού επεισοδίου και της απελευθέρωσης της τεχνικής στην υπηρεσία του ψυχολογικού κόσμου του καλλιτέχνη.

8. Αυτοπροσωπογραφία με τσιγάρο, 1895

Αυτοπροσωπογραφία με τσιγάρο Είναι ένα από τα πιο διάσημα έργα του Munch, καθώς είναι και το πιο γνωστό αυτοπροσωπογραφία του ανάμεσα στα πολλά που έκανε. Στον καμβά, ο συγγραφέας καταδεικνύει την κατανόηση και την απόλυτη γνώση της τεχνικής για την αναπαράσταση της λάμψης του φωτός μέσα στο σκοτάδι και τον καπνό.

Με αυτόν τον τρόπο, ο Munch χτίζει μια σχεδόν μυστηριώδη ατμόσφαιρα που εφιστά την προσοχή στο πρόσωπο και το χέρι του. Το πρόσωπο φαίνεται ανάμεσα σε μπερδεμένο και έκπληκτο, ενώ το χέρι, εκτός από το κράτημα του τσιγάρου, ανεβαίνει στο επίπεδο της καρδιάς. Εάν το πρόσωπο είναι το σημάδι της εσωτερικής ταυτότητας του θέματος, που επηρεάζεται από τη συναισθηματική αστάθεια, το χέρι είναι το σύμβολο του πλαστικού καλλιτέχνη.

9. Θάνατος στο δωμάτιο, 1895

Κατά τη διάρκεια της παιδικής του ηλικίας, ο Edvard Munch είδε πολλά μέλη της οικογένειας να πεθαίνουν από φυματίωση: η μητέρα και ο πατέρας του είναι μερικές από τις περιπτώσεις. Θάνατος στο δωμάτιο αντιπροσωπεύει τα βάσανα της οικογένειάς του με την απώλεια της μικρότερης αδερφής του, Sophie, την οποία δεν βλέπουμε. Είναι μια ιδιοφυΐα του συγγραφέα να εστιάσει την προσοχή του θεατή σε συναισθηματικά βάσανα παρά στο θάνατο.

Ο άντρας που σηκώνει τα χέρια του με προσευχή είναι ο πατέρας του, ένας αυστηρός Προτεσταντικός θρησκευτικός. Ο άντρας που κλίνει στον τοίχο πιστεύεται ότι είναι Munch, γυρίζοντας την πλάτη του στη σκηνή (θάνατος, στοργή και πίστη), κοιτάζοντας ευθεία τη σκιά του. Τονίζει το γεγονός ότι κάθε μέλος της οικογένειας υποφέρει ξεχωριστά.

10. Δύο άνθρωποι (οι μοναχικοί), 1896

Ο καμβάς Δύο ανθρώπινα όντα δεν είναι τίποτα περισσότερο από μια αλληγορία της μοναξιάς. Σε αυτό βλέπουμε έναν άνδρα και μια γυναίκα χωρίς ταυτότητα, με τις πλάτες τους στον θεατή, να σκεφτόμαστε τον αδρανή ορίζοντα. Μεταξύ των δύο φαίνεται να υπάρχει μια ανυπέρβλητη απόσταση.

Το έργο, όπως και πολλοί άλλοι από τον Munch, καλύφθηκε πολλές φορές και σε διαφορετικές τεχνικές. Τόσο το θέμα όσο και ο τρόπος αναπαραγωγής του επιβεβαιώνουν τον ανήσυχο, μοναχικό και καταθλιπτικό χαρακτήρα του καλλιτέχνη.

11. Το φιλί, 1897

Το φιλί, από το 1897, είναι μια από τις εκδοχές του πίνακα που είναι γνωστό ως Το φιλί πίσω από το παράθυροαπό τον ίδιο τον Munch. Ξεχωρίζει ο τρόπος με τον οποίο ο ζωγράφος αντιπροσώπευε τις δύο μορφές. Μοιάζουν με ένα σώμα, χωρίς διαχωριστικές γραμμές μεταξύ τους. Οι χαρακτήρες δεν έχουν ταυτότητα, τα δικά τους όρια.

Η συγχώνευση των χαρακτήρων δεν μπορεί να διαβαστεί ρομαντικά, καθώς η σκοτεινή και βαριά ατμόσφαιρα της σκηνής υποδηλώνει επίσης την εγγύτητα του θανάτου. Ο αντίκτυπος αυτής της σειράς ήταν τέτοιος που ενέπνευσε το διάσημο έργο Το φιλίαπό τον Gustav Klimt.

Μπορεί να σας ενδιαφέρει: Ανάλυση του Το φιλίαπό τον Gustav Klimt.

12. Γονιμότητα, 1898

Στον καμβά Γονιμότητα από το Munch βλέπουμε μια έγκυο γυναίκα, όρθια, να μεταφέρει τους άφθονους καρπούς του δέντρου. Μπροστά της, ο άντρας που κάθεται, πέφτει και σκύβεται, έρχεται σε αντίθεση. Ένας πεσμένος κάλαμος μπορεί να δει δίπλα του. Υπάρχει μια συνέχεια μεταξύ του ανθρώπου και του δέντρου επειδή ο πρώτος στηρίζεται το πόδι του στον κορμό του δέντρου.

Το δέντρο θα μπορούσε να ερμηνευτεί ως το δέντρο της ζωής. Ωστόσο, έχει αποκοπεί ένα κλαδί, από το οποίο παραμένει μόνο ένα κούτσουρο. Για να αποδώσει καρπούς, το δέντρο έχει κλαδευτεί, διαμεριστεί.

Οι πιο ριζοσπαστικές ερμηνείες υποδηλώνουν ότι ο Munch εκφράζει την απόρριψή του ότι έχει παιδιά. Οι καρποί της θα αποτελούσαν το τέλος των καρπών του. Η ερμηνεία βασίζεται στο γεγονός ότι ο πίνακας ζωγραφίστηκε όταν ο Munch αντιμετώπισε τη δυνατότητα να παντρευτεί με την Tulla Larsen, μια δέσμευση που δεν ολοκληρώθηκε ποτέ.

13. Συνάντηση στο διάστημα, 1898

Επί Συνάντηση στο διάστημα βλέπουμε έναν άνδρα και μια γυναίκα να έλκουν στο διάστημα. Το έργο αντιπροσωπεύει μια ερωτική στιγμή, οριοθετημένη όχι μόνο από σώματα και χειρονομίες, αλλά και από γραμμές που υποδηλώνουν ότι το σπέρμα κινείται γύρω από τις φιγούρες. Τα πρόσωπα απέχουν μεταξύ τους. Η γυναίκα φαίνεται σχεδόν αδιάφορη. Ο άντρας φαίνεται ελεύθερος. Το κομμάτι δείχνει την τεχνική ευελιξία του συγγραφέα, καθώς και τα σύμβολα και τους εκφραστικούς πόρους.

14. Ο χορός της ζωής, 1899

Ο χορός της ζωής είναι μια μεταφορά για τα στάδια της ζωής και της αγάπης. Πρόκειται για μια υπαίθρια σκηνή, με φόντο έναν καταγάλανο ουρανό πάνω από μια νορβηγική λίμνη. Στον ουρανό, βλέπουμε τον βόρειο ήλιο και την αντανάκλασή του στο νερό, ένα από τα σύμβολα που επαναλαμβάνεται συνεχώς στους πίνακες του ζωγράφου.

Στο πρώτο πλάνο, βλέπουμε την ίδια γυναίκα σε τρία στάδια: μια νεαρή κοπέλα με λευκά στα αριστερά. Στα δεξιά, μια μοναχική γυναίκα ντυμένη στα μαύρα. Στο κέντρο, η γυναίκα και ο άντρας της χορεύουν σαν να μην υπήρχε ο κόσμος. Το κόκκινο του φορέματος συμβολίζει τη ζωή και το πάθος. Το ζευγάρι θα μπορούσε να είναι η Tulla Larsen και ο Munch.

Γύρω τους χορεύουν άλλοι χαρακτήρες. Πίσω από τη μαύρη γυναίκα, ένας αλλόκοτος άνδρας φαίνεται έτοιμος να κακοποιήσει μια γυναίκα. Η σημασία αυτού του έργου έγκειται στον τρόπο με τον οποίο ο Munch καταφέρνει να μεταδώσει την πολυπλοκότητα της εσωτερικής του αγωνίας γύρω από τα στάδια της ζωής, την οποία οριοθετεί να αγαπήσει.

15. Ο θάνατος του Marat, 1907

Κατά τη διάρκεια μιας περιόδου της ζωής του, ο Munch αφιερώθηκε στη δημιουργία διαφόρων εκδόσεων Ο θάνατος του Marat. Μεταξύ αυτών των εκδόσεων, παρουσιάζουμε μία που έγινε το 1907. Ο Μαράτ ήταν Γάλλος δημοσιογράφος και πολιτικός του 18ου αιώνα, ο οποίος δολοφονήθηκε από τον Σαρλότ Κορντέ.

Η σειρά φαίνεται να έχει τον εαυτό του Munch ως ανδρική αναφορά, παγιώνοντας έτσι την ιδέα ότι ο ζωγράφος ένιωθε θύμα γυναικών. Από αισθητική άποψη, το έργο ξεχωρίζει για τη χρήση των γραμμών ως μορφή χρωματισμού. Είναι ένα είδος ρεονισμού που σπάει με το μοντέρνο στυλ της καμπύλης γραμμής και με τη χρήση πυκνών χρωματισμένων επιφανειών.

16. Συγκεντρώνει άντρες, 1907

Συγκεντρώνει άντρες Ο de Munch ξεχωρίζει για τον ζωντανό και ζωντανό χαρακτήρα του, ο οποίος είναι αντίθετος με την κυματιστή και σκοτεινή ατμόσφαιρα πολλών από τους καμβάδες του. Η σκηνή απεικονίζει μια ομάδα ανδρών σε μια γυμνή παραλία, όπου ο Munch περνούσε μια περίοδο ανάρρωσης.

Ο Munch επιδεικνύει την ικανότητα του για ανατομικό σχέδιο, καθώς και την ικανότητα του για χρωματισμό. Η εφαρμοζόμενη τεχνική τροφοδοτείται από τις αρχές του ιμπρεσιονιστικού και του ριγιωνισμού και, σε ορισμένες πτυχές, φαίνεται να συνομιλεί με τον Fauvism.

17. Ήλιος, 1909-1911

Ήλιος είναι μια μνημειακή τοιχογραφία του Edvard Munch που βρέθηκε στο Πανεπιστήμιο του Όσλο. Σε αυτό, ο Munch εξερευνά νέες πλαστικές γλώσσες που τον φέρνουν πιο κοντά στην αφηρημένη avant-garde, ειδικά τον Kandinsky, εκπρόσωπο της ομάδας Der Blaue Reiter και τη λυρική αφαίρεση.

Ο συμβολισμός εδώ φτάνει στη μέγιστη έκφρασή του. Ο ήλιος γίνεται μια μεταφορά για το θείο, το οποίο εκπέμπει το φως του στον κόσμο και καθαρίζει τις σκιές της άγνοιας. Με αυτό το έργο, ο Munch αποδεικνύει για άλλη μια φορά τη δημιουργική του ελευθερία, η οποία εξηγεί γιατί δεν μπορεί να χαρακτηριστεί με ένα στυλ ή κίνηση. Ο Munch αποκαλύπτεται ως μοναδικός καλλιτέχνης στη συνεχή καινοτομία.

Μπορεί επίσης να σας ενδιαφέρει: Εξπρεσιονισμός: χαρακτηριστικά, έργα και συγγραφείς.

18. Καλπάζοντας άλογο, 1912

Στο πλαίσιο Καλπάζοντας άλογο, βλέπουμε ένα άλογο να τραβά ένα έλκηθρο χιονιού με έναν άνδρα επί του σκάφους. Η εντυπωσιακή λεπτομέρεια βρίσκεται στο μονοπάτι, το οποίο ξεχωρίζει ως υπερβολικά στενό για το κατόρθωμα.

Η εκφοβισμένη έκφραση του αλόγου και η διάθεση των ανθρώπων στην άκρη του δρόμου μας δίνουν να κατανοήσουμε έναν επικείμενο κίνδυνο. Τα παιδιά στα δεξιά προσπαθούν να ξεφύγουν, ενώ οι ενήλικες στα αριστερά περιμένουν αδιάφορα πριν μετακινηθούν. Πρόκειται για μια νέα προσέγγιση για το θέμα του φόβου και του άγχους, που υπάρχει στο συγγραφέα.

19. Εργαζόμενοι στο χιόνι, 1913

Ο Edvard Munch ήταν επίσης ευαίσθητος στην κοινωνική πραγματικότητα που τον περιβάλλει. Απόδειξη αυτού είναι οι διαφορετικοί πίνακες που έκανε για τους εργάτες, όπως ο καμβάς Εργαζόμενοι στο χιόνι.

Στο προσκήνιο, ο Munch αντιπροσωπεύει τρεις εργαζόμενους που στέκονται μπροστά από τον θεατή, με τα φτυάρια τους ως υπομόχλιο. Σε αυτά μπορείτε να αισθανθείτε τη δύναμη, αλλά και την κούραση και τη γήρανση.

Η ανυψωμένη γροθιά του εργαζόμενου τοποθετημένη στο κέντρο, κάνει ένα προαίσθημα μιας αξίωσης ή μιας απαίτησης. Αυτοί οι τρεις άντρες φαίνεται να είναι αγκαλιά. Πίσω από αυτούς τους τρεις χαρακτήρες, οι άλλοι εργάτες συνεχίζουν το έργο τους, αγνοώντας το βλέμμα του καλλιτέχνη και της κοινωνίας.

20. Αυτοπροσωπογραφία μεταξύ ρολογιού και κρεβατιού, 1940-1943

Αυτοπροσωπογραφία μεταξύ ρολογιού και κρεβατιού είναι ένας πίνακας από την τελευταία δημιουργική σκηνή του Munch. Ο Munch εκμεταλλεύτηκε τον καμβά για να συμβολίσει την εγγύτητα του θανάτου, τοποθετώντας τη φιγούρα του ανάμεσα σε ένα ρολόι παππού και στο κρεβάτι. Το ρολόι αντιπροσωπεύει το ασταμάτητο πέρασμα του χρόνου, και το κρεβάτι αντιπροσωπεύει το θάνατο ως το τελευταίο κρεβάτι, ως αιώνια ανάπαυση.

Μία λεπτομέρεια ξεχωρίζει: ενώ το ρολόι έχει αντίκες, το κάλυμμα του κρεβατιού έχει μοντέρνο γεωμετρικό σχεδιασμό. Με αυτό, ο Munch εκφράζει την επίγνωση για τη δραματική αλλαγή των καιρών που έπρεπε να ζήσει.

Πίσω από το Munch, μπορεί να διακριθεί ένα είδος δωματίου στο οποίο υπονοείται η παρουσία έργων αναφοράς της καλλιτεχνικής του ζωής, στην οποία έχει αφιερώσει όλες τις προσπάθειές του.

Δείτε επίσης: Ανάλυση πλαισίου Η κραυγή από τον Edvard Munch.

Βιογραφία

Ο Edvard Munch είναι Νορβηγός ζωγράφος και παραγωγός που γεννήθηκε στις 12 Δεκεμβρίου 1863 και πέθανε στις 23 Ιανουαρίου 1944.

Από νεαρή ηλικία έπρεπε να αντιμετωπίσει ασθένειες και θάνατο. Η φυματίωση διεκδίκησε για πρώτη φορά τη ζωή της μητέρας του, Laura Cathrine Munch, όταν το αγόρι ήταν μόλις 5 ετών. Αργότερα, προκάλεσε το θάνατο της μικρότερης αδερφής του, Σόφι. αυτό των θείων του και, χρόνια αργότερα, εκείνου του πατέρα του, Christian Munch. Ακόμα και ο ίδιος ο Edvard Munch υπέφερε από την ασθένεια σε ηλικία 13 ετών.

Αυτά τα γεγονότα οδήγησαν τον ζωγράφο να αναπτύξει έναν τρομερό τρόμο ασθένειας και ασθένειας. ο θάνατος και, ως εκ τούτου, υπέφερε από άγχος και κατάθλιψη σε όλη του τη ζωή, η οποία καθόρισε τις έρευνές του καλλιτεχνικός.

Ο Munch άρχισε να σπουδάζει μηχανική το 1879, αλλά εγκατέλειψε σύντομα αυτήν την καριέρα για να αφιερωθεί στη ζωγραφική. Επηρεάστηκε από τη γαλλική τέχνη του 19ου αιώνα χάρη στα ταξίδια του στο Παρίσι. Γύρω στο 1890 άρχισε να ζωγραφίζει το έργο Η ζωφόρος της ζωής, μια σειρά από πίνακες που απεικονίζουν διαφορετικά ορόσημα στην ανθρώπινη ζωή, με βάση τις δικές του εμπειρίες.

Αν και το έργο του ήταν πηγή σκανδάλου στην αρχή, κατέληξε να κερδίσει μια σημαντική θέση στα μουσεία της χώρας του και της Ευρώπης. Ωστόσο, μετά τη ναζιστική κατοχή της Νορβηγίας, περίπου το 1940, οι πίνακες του Μουνκ λογοκρίθηκαν από τους εισβολείς και απομακρύνθηκαν από τις εκθέσεις.

Ωστόσο, το έτος 1942 σηματοδότησε την οριστική του διεθνή αφιέρωση ως αντικείμενο μιας έκθεσης στη Νέα Υόρκη ως αναγνώριση του γόνιμου καλλιτεχνικού έργου του. Δύο χρόνια αργότερα, ο Munch πέθανε σε απόλυτη μοναξιά.