9 καλλιτέχνες Esenciais da Arte Moderna

Η μοντέρνα τέχνη δεν δίνεται σε έναν τύπο καλλιτεχνικής έκφρασης που κατά τη μετάβαση από τον ΧΙΧ αιώνα στον ΧΧ αιώνα και αντικατοπτρίζει τους μεγάλους μετασχηματισμούς που σημειώθηκαν κατά την περίοδο.

Αυτός ο τρόπος να γίνει η επαναστατική τέχνη μετατράπηκε σε ευρωπαϊκό πολιτιστικό δείπνο, και έγινε και σε άλλες χώρες, όπως η Βραζιλία.

Υπάρχουν διάφοροι καλλιτέχνες που θα συμβάλουν τόσο στην ενοποίηση του μοντερνισμού στην τέχνη όσο και στην επικράτηση του εικοστού αιώνα, όταν δημιουργεί τη λεγόμενη σύγχρονη τέχνη.

1. Édouard Manet (1832-83)

Ο Manet είναι ένας Γάλλος καλλιτέχνης εξαιρετικά σημαντικής για τη σύγχρονη τέχνη, μπορεί να θεωρηθεί ο δημιουργός ενός νέου στυλ ζωγραφικής, ή του Ιμπρεσιονισμού, που θα φέρει επανάσταση στην τέχνη.

Προκάλεσε ένα σκάνδαλο στην εποχή του χρόνου να απεικονίσει δείπνα και ανθρώπους με τρόπο που ήταν πολύ διαφορετικός από αυτό που ήταν feito, εκτιμώντας τα αποτελέσματα και τις αυτικές στρεβλώσεις που ήταν τοποθετημένες ή δωρεάν. Ο καλλιτέχνης δεν καθοδηγείται από τις τεχνικές σκίασης στις ακαδημίες.

Το 1863 έγραψε μερικά υφάσματα σε μια σημαντική έκθεση στο Παρίσι, αλλά το έργο του ξαναγυρίστηκε και κατέληξε να ενσωματώνει μια παράλληλη έκθεση που ονομάζεται «Salão dos Recusados».

Αξίζει να σημειωθεί ότι οι ιμπρεσιονιστές δεν αναζητούν ακριβώς ένα διάλειμμα από τα παραδοσιακά πρότυπα ζωγραφικής μας και συνεχίζουμε να αναζητούμε μια αναπαράσταση παρόμοια με την πραγματικότητα. Εν τω μεταξύ, θα συμβάλουν σημαντικά στην εδραίωση της σύγχρονης τέχνης στην Ευρώπη, όπως δεν το γνωρίζουν.

Assim, για τη σημασία του Manet για μια καινοτόμο σκέψη που αναφέρεται στην καλλιτεχνική πρακτική, μπορεί να συνοψιστεί από το σφάλμα του Αμερικανού κριτικού και ερευνητή Clement Greenberg:

Οι καμβάδες του Manet γίνονται οι πρώτοι μοντερνιστικοί πίνακες χάρη στην ειλικρίνεια ως προς τον οποίο δήλωσαν ότι είναι επίπεδες επιφάνειες στις οποίες ήταν ζωγραφισμένες.

2. Paul Cézzane (1839-1906)

Ένας άλλος καλλιτέχνης που ξεχώρισε ως πρωτοπόρος στη μοντέρνα τέχνη και ήταν σύγχρονος με τον Manet και τον Paul Cézanne.

Οι Ολλανδοί έχουν οικονομική κατάσταση και μπορούν να αφιερωθούν σε διάφορα ζητήματα που παρουσιάζονται ως προβλήματα που πρέπει να λυθούν στη ζωγραφική. Αυτό συμβαίνει επειδή δεν εξαρτάται από την επιτυχία για τη διαβίωσή του ή ότι είχε μεγαλύτερη ελευθερία δημιουργικότητας.

Η κύρια ανησυχία του ήταν να προσπαθήσει να βρει μια ισορροπία μεταξύ ενός σώματος, της σύνθεσης και των μορφών, αλλά όχι για ένα στιγμιαίο τρόπο όπως οι ιμπρεσιονιστές, και η προσομοίωση για να συλλάβει την ουσία της φύσης.

Για την έκδοση, χρησιμοποίησε γεωμετρικά στοιχεία (όπως κύλινδροι) και όχι κατ 'αρχήν, θα παραμείνει πιστή στα δύο περιγράμματα, προβλέποντας το απαραίτητο fosse.

Για αυτούς τους λόγους, ένας τέτοιος καλλιτέχνης θεωρείται συχνά ως «μέντορας» της σύγχρονης τέχνης.

3. Βίνσεντ Βαν Γκογκ (1853-1890)

Ο Ολλανδός Vincent van Gogh ήταν ζωγράφος εξαιρετικά αφοσιωμένος στην τέχνη του. Ακόμα και με σχετικά μικρό χρόνο παραγωγής - περίπου δέκα χρόνια - παράγεται εντατικά, θα μπορούσατε να βρείτε μια δραστηριότητα για να καθησυχάσετε το μυαλό σας σε σύγκρουση.

Ο Seu trabalho παρουσιάζει μια καινοτόμο δύναμη και έκφραση για το ρυθμό του, και προνοεί για αυτόν τον λόγο Ο καλλιτέχνης δεν μπόρεσε να επιτύχει οικονομική σταθερότητα, ανάλογα με τη βοήθεια της οικογένειάς του για την επιβίωσή του.

Η δημιουργική διαδικασία του Βαν Γκογκ εμπνεύστηκε από τις ιμπρεσιονιστικές ιδέες, αλλά προστέθηκε επίσης για να προσθέσει μια ισχυρή συναισθηματική επιβάρυνση. Για το λόγο αυτό, θεωρείται καλλιτέχνης του μετα-ιμπρεσιονισμού και έγινε αναφορά για ζωγράφους της επόμενης γενιάς που ξεκίνησαν το κίνημα του πρωτοποριακού εξπρεσιονισμού.

Ο τρόπος του να ανεβάσει τις εικόνες ήταν αρκετά συγκεκριμένος ή που μπορούμε να δούμε με τα δικά του λόγια, σε μια επιστολή που απευθύνεται στον Irmão Theo:

Δεδομένου ότι τα συναισθήματα είναι μερικές φορές τόσο έντονα που δουλεύω, γνωρίζω ότι δουλεύω (...) οι πινελιές με βλέπουν ως μια ακολουθία και μια συνέντευξη, ως λέξεις σε λάθος ή σε ένα γράμμα.

Για να μάθετε περισσότερα για τον καλλιτέχνη, διαβάστε: Van Gogh: θεμελιώδη έργα και βιογραφία.

4. Πάμπλο Πικάσο (1881-1973)

Ο Πάμπλο Πικάσο ήταν ο Ντουβίντμ δυο μοντερνιστές καλλιτέχνες με μεγάλη σημασία στην ιστορία της τέχνης. Η παραγωγή του αποκαλύπτει την ευφυΐα και την εφευρετικότητα, το αποτέλεσμα έμπνευσης από άλλους καλλιτέχνες, όπως ο Paul Cézanne και από αναφορές σε μακρινές κουλτούρες, όπως η Αφρικανική.

Ο Πικάσο ήταν υπεύθυνος, μαζί με τον Georges Braque, για τη δημιουργία ενός νέου στυλ, το οποίο ονόμασε Κυβισμός. Nela, οι φιγούρες απεικονίζονται με τρόπο να ανατρέψουν τον κόσμο, αυτό συμβαίνει σκόπιμα, προκειμένου να δημιουργηθεί μια νέα πραγματικότητα.

Ή ο κυβισμός κακοποιεί γεωμετρικά σχήματα, για να σκεφτεί την αναπαράσταση όχι μόνο αυτό που βλέπει ο um μόνο μια γωνία, αλλά προσπαθώντας να «ανοίξουμε» αντικείμενα σε δισδιάστατες επιφάνειες, ως «κουάρτα» διάσταση ».

Ο Ασίμ ή ο ζωγράφος μετατράπηκε σε μια εικόνα της ευρωπαϊκής πρωτοπορίας και μια εξαιρετική αναφορά της καλλιτεχνικής ρήξης.

Λέια: Το Essence δουλεύει για να κατανοήσει τον Πάμπλο Πικάσο.

5. Wassily Kandinsky (1866-1944)

Ή ο Ρώσος Wassily Kandinsky είναι γνωστός ως δυτικός ζωγράφος που έκανε το πρώτο αφηρημένο έργο τέχνης ή ακόμα και που παρουσιάζει στοιχεία που συνδέονται με τον πραγματικό κόσμο.

Εμπνευσμένη από τη μουσική, η ιδέα του Kandinsky ήταν να μεταφραστεί σε πυρήνες, μορφές και γραμμές συναισθημάτων και συναισθημάτων.

Ήταν ένας σημαντικός καλλιτέχνης, ο Pois Trouxe a Nova Maneira de Criação, καταργώντας εντελώς ή δεσμεύοντας την εικονιστική παράσταση. Με έκδοση, ή κίνηση, είναι επίσης γνωστό ως τέχνη «όχι εικονιστικό», ή «όχι αντικειμενικό».

Ο Καντίνσκι εκτίμησε τη δημιουργική ελευθερία, τη διαίσθηση και την έκφραση της εσωτερικής ζωής, το ψυχολογικό πεδίο.

Επιπλέον, άλλοι καλλιτέχνες άρχισαν επίσης να δημιουργούν αφηρημένα έργα, όπως, για παράδειγμα, Piet Mondrian με γεωμετρική αφαίρεση.

6. Marcel Duchamp (1887-1968)

Ο Marcel Duchamp εντάσσεται στο καλλιτεχνικό δείπνο ως χρησιμοποιημένη και δημιουργική φιγούρα στις αρχές του 20ού αιώνα.

Ο σύγχρονος καλλιτέχνης συνδέεται με τον Dadaism, ένα κίνημα που επιδίωξε να δείξει τις δυσαρέσκειες και τις αντιφάσεις της περιόδου του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου.

Ή που πρότεινε ο Duchamp ήταν μια επαναστατική και ασεβής στάση που προσπάθησε να αμφισβητήσει τα όρια της ίδιας της τέχνης.

Για το Isso ή τον καλλιτέχνη, χρησιμοποίησα κάποιους ασυνήθιστους πόρους, όπως εσείς τα chamados "έτοιμα χρώματαΒιομηχανικά αντικείμενα. Τοποθετημένα σε ένα καλλιτεχνικό πλαίσιο, θα αποκτήσουν νέες αισθήσεις, ή μελωδία, θα χάσουμε τις αρχικές αισθήσεις και τις προτάσεις σας.

Επίσης, ο Duchamp ήταν απαραίτητος για έναν προβληματισμό σχετικά με το τι θεωρείται τέχνη, ανοίγοντας το δρόμο για τους μελλοντικούς καλλιτέχνες να εμβαθύνουν αυτά τα ερωτήματα.

7. Anita Malfatti (1889-1964)

Όταν αποτυγχάνει στη σύγχρονη τέχνη στη Βραζιλία, τα πρώτα δύο αξιοσημείωτα ονόματα που μπορούμε να αναφέρουμε είναι η Anita Mafatti.

Ένας καλλιτέχνης Paulistana έχει τεράστια σημασία, επειδή παρήγαγε μοντέρνα τέχνη πριν από την ίδια εβδομάδα των 22. Πρόκειται για μια εκδήλωση που θεωρείται "διαχωριστής νερού" στην εθνική κουλτούρα και σηματοδοτεί επίσημα την αρχή του μοντερνισμού στη Βραζιλία.

Το O Fato είναι ότι η Ανίτα είχε καλλιτεχνική εκπαίδευση στην Ευρώπη μεταξύ 1912 και 1914, αναπτύσσοντας τις δεξιότητές της και επηρεάστηκε πολύ από την πρωτοπορία.

Ο Ασίμ, το 1917, για να πραγματοποιήσει μια ατομική έκθεση στο Σάο Πάολο, ένας μοντέρνος ζωγράφος έγινε δεκτός από το κοινό και τους κριτικούς. Αυτό οφείλεται στο γεγονός ότι παρουσιάζει πίνακες με πολύ έντονα μοντέρνα χαρακτηριστικά, όπως η χρήση χρωμάτων που δεν αντιστοιχούν στην πραγματικότητα, τις παραμορφώσεις και τα αντίθετα ίχνη.

8. Tarsila do Amaral (1886-1972)

Η Tarsila do Amaral είναι μια άλλη ουσιαστική γυναίκα και όχι ο βραζιλιάνικος μοντερνισμός. Παρά το γεγονός ότι δεν συμμετείχε στην Εβδομάδα Σύγχρονης Τέχνης, ο καλλιτέχνης έχει δει ένα σημαντικό έργο. περίοδο και συνέβαλε στη δημιουργία του ανθρωποφαγικού κινήματος, μαζί με τους Oswald de Andrade και Raul Εντάξει.

Ένα τέτοιο κίνημα, το οποίο έχει ως σύνθημα «Μόνο η ανθρωπόφαση μας ενώνει», προκύπτει ως πρόταση για τη δημιουργία μιας τέχνης ευθυγραμμισμένης με τις νεωτεριστικές παραμέτρους, περισσότερο με ένα ισχυρό βραζιλιάνικο φορτίο. Μια ανησυχία πρέπει να είναι όπως εθνικά ζητήματα και συμφέροντα.

Το παραγόμενο του tinha ως θεμελιώδη στοιχεία για την αξιοποίηση του βραζιλιάνικου povo, τις παραμορφώσεις των μορφών και σε ορισμένα υφάσματα εμπνευσμένα από σουρεαλιστές, όπως στην περίπτωση του Ω ωο, 1928.

9. Cândido Portinari (1903-1962)

Ο Cândido Portinari ήταν Βραζιλιάνος ζωγράφος που ήταν πολύ ευθυγραμμισμένος με τις νεωτεριστικές ιδέες που κήρυξαν οι Mario de Andrade και Oswald de Andrade.

Η καριέρα του χτίστηκε με τέτοιο τρόπο για να αναδείξει τους ανθρώπινους τύπους που υπάρχουν στη Βραζιλία, από αγροτικούς εργάτες έως παιδιά, παρουσιάζοντας επίσης δείπνα δημοφιλών φεστιβάλ.

Το Portinari χρησιμοποιεί δύο αισθητικά στοιχεία από την ευρωπαϊκή πρωτοπορία ως στόχο να δημιουργήσει κάτι νέο και πραγματικά Βραζιλίας. Ο Ασίμ, για παράδειγμα, υπό την επιρροή του Πάμπλο Πικάσο, υπονοείται σε μερικά από τα έργα του ότι Φαίνεται να χρησιμοποιώ μια ζοφερή χρήση χρώματος ή υπερβάλλω στην έκφραση δύο ατόμων και παραμορφώσεων αριθμοί.

Παράδειγμα αυτών των χαρακτηριστικών ενός διάσημου έργου Οι συνταξιούχοι, κατασκευάστηκε το 1944.

Μπορείτε επίσης να σας ενδιαφέρει:

• Καλλιτέχνες της εβδομάδας σύγχρονης τέχνης
• Σύγχρονη τέχνη
• Ευρωπαϊκή εμπροσθοφυλακή