Les 5 UVRES les plus importantes d'Edvard MUNCH

Edvard Munch (1863-1944) est un peintre et graveur norvégien qui a adopté la sensibilité du symbolisme, étant également l'une des figures les plus reconnues et les plus influentes de la nouvelle génération de peintres expressionnistes européens, bien qu'il ne puisse pas être étiqueté dans un mouvement spécifique. Munch était un artiste très prolifique, montrant dans ses œuvres son obsession pour la mort, les maladies chroniques, la sexualité et la religion.

Des obsessions qu'il capte à travers des couleurs intenses, une tendance à l'abstraction et un thème sombre, angoissant et mélancolique. Bien que formé à l'apogée de l'Art Nouveau, Munch a abandonné tout décoratif et organique pour montrer la psychologie humaine d'un point de vue inquiétant. Dans cette leçon d'unPROFESOR.com, nous vous proposons une sélection des œuvres les plus importantes d'Edvard Munch afin que vous connaissiez les clés stylistiques de ce peintre.

Indice

1. La Sick Girl (1885-1907), l'une des œuvres les plus importantes de Munch
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2. Nuit à Saint-Cloud (1890)
3. Le Cri (1893)
4. Madonna (1894-1895) par Edvard Munch
5. Labour de printemps (1918)

Munch a créé un langage original et unique grâce à son style indéfinissable qui ne peut être incorporé dans aucun style spécifique. Ainsi, il a librement dialogué avec le post-impressionnisme, symbolisme, art nouveau et le expressionnisme. Parmi ses œuvres les plus remarquables se trouve La fille malade.

La fille malade est l'un des Les premières œuvres de Munch. Un ouvrage dédié à sa sœur décédée de la tuberculose et dans laquelle il revient anxiété et tristesse qui a généré cette perte précoce. Le tableau nous montre la jeune fille assise sur le lit avec un geste de résignation et la mère avec une pose angoissée et désolée, bien que la mère soit décédée des années auparavant, également de la tuberculose.

Les coups de pinceaux sont bruts et les tons sont mélancoliques et sombres, mettant en valeur la silhouette de la jeune fille avec des tons dorés et clairs. Il est situé dans la Tate Gallery de Londres.

« Je ne vais plus peindre d'intérieurs avec des hommes qui lisent et des femmes qui tissent. Je vais peindre la vie de personnes qui respirent, ressentent, souffrent et aiment ».

Cette boîte est un hommage au père de l'artiste décédé l'année précédente. Une œuvre que l'artiste a peinte peu après son arrivée à Paris, nous révélant la influence des post-impressionnistes Van Gogh Oui Toulouse-Lautrec. Ici, Munch nous présente une pièce sombre baignée de lumière crépusculaire, étant un espace occupé uniquement par le calme et les ombres.

Les gens n'apparaissent pas dans l'œuvre comme dans le tableau hommage à sa sœur, révélant la relation froide qui existait avec son père et Munch transmettant l'abandon qu'il ressentait. Le tableau se trouve à la National Gallery d'Oslo.

C'est le Manger des œuvres d'art le plus emblématique et reconnaissable, le plus célèbre de toute sa carrière artistique et sur la création duquel il a écrit :

« Je marchais avec deux amis sur la route, puis le soleil s'est couché. Soudain, le ciel est devenu rouge sang et j'ai ressenti un frisson de tristesse. Une douleur atroce oppressait ma poitrine. Je me suis arrêté, appuyé contre la clôture, incroyablement fatigué - des langues de feu et de sang se sont répandues sur le fjord bleu-noir et sur la ville. Mes amis ont continué à marcher, tandis que je suis resté en arrière, tremblant de terreur et j'ai senti le cri immense et infini de la nature ».

Ce travail est novateur et vous pouvez y trouver éléments esthétiques du fauvisme, expressionnisme Oui le surréalisme. Le décor lui a été suggéré par une promenade le long d'une route surplombant la ville d'Oslo à l'entrée ou à la sortie de l'hôpital psychiatrique où était admise sa sœur. Munch a peint deux versions et se trouve au musée Munch d'Oslo.

Cette œuvre de Munch est contemporaine de Le cri, bien que dans ce Madone des coups de pinceau plus doux et des couleurs plus douces sont utilisés. Dans cette boîte, grignotez représente la Vierge Marie d'une manière irrévérencieuse et réaliste, la peignant avec un halo rouge de passion sur la tête au lieu de l'anneau blanc ou or habituel.

Bien que son père soit très religieux, Munch a débattu toute sa vie de sa véritable spiritualité et religiosité. Changer le titre pour l'œuvre Loving Woman ou Woman Loving Madonna était une véritable provocation. Munch a fait au moins cinq versions de ce tableau et dedans aussi a capturé la relation entre l'amour et la douleur. Le tableau se trouve à la National Gallery à Oslo.

"Tout comme Léonard de Vinci a étudié l'anatomie humaine et disséqué les corps, j'essaie de disséquer les âmes."

Après son séjour à l'hôpital, Munch abandonne sa vie de fêtes et d'alcool et se consacre à nouveau à l'art, s'inspirant de la campagne de son pays natal. Ainsi, ses peintures étaient remplies d'animaux et de paysages de Norvège, prenant une nouvelle direction dans laquelle Munch célèbre la vie et le travail plutôt que l'anxiété, la peur et la douleur.

Dans ces œuvres, Munch s'inspire de François Marc, un jeune expressionniste qui avait pris Munch comme référence. Marc peignait des animaux dans leur milieu naturel. Au cours de ces années, Munch crée des œuvres symbolistes et expressionnistes dans lesquelles il oppose l'innocence de ses thèmes à la coup de pinceau et la palette la plus mature d'un peintre avec de nombreuses années de maîtrise. Le tableau se trouve au musée Munch d'Oslo.

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• Dutching, Hajo (2017). Edvard Munch. Könemann
• Lucas, Antonio (2015). Munch est bien plus que le Cri.
• Serrano Ferrandez, Elena. (2015) Edvard Munch: le récit de la souffrance. Journal de l'AMF de la Société de médecine familiale et communautaire.