Pop Art: artistes en vedette et leurs œuvres

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Dans cette leçon d'un ENSEIGNANT, Pop Art: artistes en vedette et leurs œuvres, nous nous consacrerons à ses créateurs, aux créateurs du mouvement visuel le plus révolutionnaire et le plus significatif du vingtième siècle qui, comme déjà nous l'avons noté plus haut, ils ont créé des images enregistrées dans l'imaginaire collectif comme la représentation très visuelle d'un époque.

Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, entre autres, ils ont réussi ce qui quelques années plus tôt était impossible, démocratiser l'art. Telle était l'étendue de sa diffusion que ses créations ont atteint la Lune et pour cette raison, et tant d'autres mérites, dans cette leçon nous y consacrerons toute notre attention.

Indice

1. Richard Hamilton (1922 - 2011)
2. Jasper Johns (1930)
3. Robert Rauschenberg (1925 - 2008)
4. Roy Lichtenstein (1923-1997)
5. Tom Wesselman (1931 - 2004)
6. Claes Oldenbourg (1929)
7. David Hockney (1939)
8. Allen Jones (1937)
9. Andy Warhol

Nous commençons par parler des artistes marquants du Pop Art et de leurs œuvres en parlant de Richard Hamilton. C'était un artiste et designer britannique considéré par la grande majorité des universitaires comme le père du pop art prophétiser ce qui deviendrait Pop Art :

"Populaire, conçu pour les masses; éphémère, avec des solutions à court terme, consommables, facilement oubliables; faible coût, produit en série; jeune, destiné aux jeunes; spirituel; sexy; fantaisiste; glamour... bonne affaire...".

De plus, Hamilton a créé pour l'exposition C'est demain (1956) ce que beaucoup considèrent comme la première œuvre totalement Pop, Ce qui rend les maisons d'aujourd'hui si différentes. Alors attrayant? (1956).

Dans ce document, Hamilton a fait un photomontage dans lequel la culture matérialiste nouvellement arrivée a été montrée. Avec cela, j'essaye d'opposer les icônes "pop" à une volonté de réflexion de la part du spectateur (chose très typique du Pop Art britannique, qui n'aurait pas une place aussi explicite dans celui américain).

De même, on voit pour la première fois la présence du terme « pop », que le même artiste invente un an plus tard.

Jasper Johns signifiait pour le Pop Art aux USA, ce que R. Hamilton au Royaume-Uni. Artiste insatiable et agité, bien connu sont ses motifs de drapeaux américains, de chiffres et de lettres, et c'est à lui que revient le mérite d'avoir introduit en terre américaine quelques images purement populaires. Comme l'a dit le galeriste Leo Castelli, "Jasper Johns doit être considéré comme le premier artiste véritablement américain".

Dans des œuvres comme Drapeau (1954) on remarque son talent artistique au moment de prendre un symbole de l'identité américaine si fort et que, néanmoins, il nous est présenté avec ironie. En même temps, utilisant (et exhibant) les techniques de l'expressionnisme abstrait, il tourne en dérision son prédécesseur.

Robert Rauschenberg est une figure de pont entre le Néo-Dada et le Pop Art. Bien que son œuvre s'inscrive dans la seconde, son œuvre surprend par la influences multiples que l'observateur peut apprécier. Le plus significatif, sans aucun doute, son passion pour l'art marginal, qu'il incorpore habituellement dans ses collages.

Le plus caractéristique de ses œuvres est qu'elles semblent vouloir mettre en déchets du monde matérialiste autour de vous. Dans des œuvres telles que Monogramme (1955) ou Plan Coca Cola (1955), Raushenberg ne représente pas ce qui est nouveau, mais ce qui est déjà utilisé et consommé, créant un débat moins ironique et plus sérieux que ses collègues.

Mais, il est bien connu que le génie de Rauschenberg s'est démarqué en 1953 avec l'œuvre Dessin Kooning effacé, lorsqu'un très jeune Rauschenberg demanda à Kooning, alors dieu de la peinture contemporaine, d'effacer un de ses dessins préférés. Peut-être, précisément à cause de ce génie, un de ses dessins (avec ceux de Warhol ou d'Oldenburg) est vraisemblablement sur la Lune.

Roy Lichtenstein est, avec Andy Warhol, le Artiste pop par excellence. Bien qu'étant un artiste initié à l'expressionnisme abstrait, sa carrière s'oriente vers 1958 vers la figuration par l'incorporation d'images tirées de l'univers de la des bandes dessinées. Des années plus tard, toute sa production se composait d'icônes de la bande dessinée et de la télévision.

Amoureux de Picasso, dans sa production on remarque une forte influence du cubisme et de la technique du collage, même si cela n'a été résolu que dans le cadre théorique, puisque les travaux de Lichtenstein ont toujours été oeuvres reproduites à la main suivant, oui, la technique de Benday des arts graphiques.

Certaines de ses œuvres les plus célèbres sont Baiser V (1964), Petit grand Peinture (1965), Chambre Arles (1992) ou la Danse (1974), tous actuellement considérés comme une valeur marchande exceptionnelle. Et c'est qu'au fil des années on peut voir comment les œuvres de Lichtenstein accèdent au statut de ce qu'elles imitent, d'objet de consommation.

Image: Saatchi Art

Tom Wesselman était un autre des artistes exceptionnels du Pop Art et de ses œuvres. Il était un artiste pop américain notable, dont leitmotiv c'était le nu. Mais pas n'importe quel nu, mais le nu américain, qui consistait en la présentation de divers nus féminins débordant d'érotisme et encadrés de scènes, souvent domestiques, qui étaient incrustées dans ses toiles.

Claes Oldenburg était chargé de matérialiser le concept d'objet comme monument en créant des répliques à grande échelle de différents objets du quotidien. Dans des œuvres comme Spoonbridge et cerise (1985-86), Libérer (1991) ou alorsTrognon de pomme (1990) nous observons des morceaux de sculptures molles qui ont été renforcées de fibre de polyester.

À son tour, le placement réfléchi des sculptures d'Oldenbourg représente l'appropriation d'objets de consommation sur l'espace public, métaphore peut-être de la façon dont ceux-ci ont fini par coloniser tous nos portées.

Image: ArtPeople. Rapporter

Curieux est le cas de David Hockney, un artiste qui, malgré refusant constamment d'être considéré comme un artiste pop, Il est considéré comme l'un des grands au sein du mouvement. Originaire d'Angleterre, il a déménagé en Californie à la fin des années 1950 à la recherche d'un environnement plus détendu et libéral.

C'est précisément cet environnement insouciant que l'on peut visualiser dans des œuvres telles que le célèbre Le plus grand Splah (1967), où au moyen de surfaces planes réalisées à l'acrylique, Hockney nous présente l'immédiateté du moment sur une terrasse ensoleillée en Californie. La beauté de son travail réside dans la nature intrinsèque de l'anonymat, ainsi que dans ses plans impassibles, presque abstraits.

Étant Allen Jones, membre fondateur du pop art britannique lors de la participation à l'exposition Jeunes contemporains (1961), son œuvre continue de surprendre par sa grande capacité à choquer le spectateur, notamment en relation avec l'ensemble sculptural en fibre de verre Hatstand, Table et Chaise (1969). Dans ce document, Jones crée un ensemble de meubles anthropomorphes et préconise à travers un figurativisme radical à la matérialisation de la soumission sexuelle des femmes.

Cette représentation transgresse les limites du politiquement correct pour dévoiler le débat sur jusqu'où peut aller la liberté de l'art lorsqu'il s'agit de traiter rôles d'identité sexuelle. C'était, c'est et c'est peut-être encore, surtout pour des yeux inexpérimentés, une œuvre très complexe; c'est sûrement pourquoi Stanley Kubrick a décidé de les utiliser dans son film également controversé Une orange mécanique (1971).

Andy Warhol est l'artiste Pop par excellence, l'artiste qui a fait de son nom une marque au niveau et à la similitude de ces icônes qu'il a représentées dans ses œuvres. Artiste et produit en lui-même, Andy Warhol a cultivé une myriade de techniques artistiques allant des plus conventionnels, comme la peinture ou la sculpture, aux plus typiques de leur époque, comme l'audiovisuel ou les arts graphique.

Comme nombre de ses confrères, par l'utilisation des nouvelles techniques de reproduction que son époque lui avait offertes, il s'efforçait de créer des œuvres qui lui étaient étrangères. Cependant, cette superficialité est souvent brouillée par le jeu ironique de ses pièces. Par exemple, dans votre Sl'érie de Mao 1972 se moque du leader communiste en utilisant la répétition et les couleurs.

Cette même stratégie sera utilisée à plusieurs reprises dans ses emblématiques Marylins Monroes ou Lizs Taylors, bien qu'avec elles, nous remarquions un traitement plus affectueux et admiratif. Warhol a reproduit ce qu'il désirait et qu'enfin, après sa L'usine ou la création du magazine Entrevue, parmi tant d'autres, il a réussi.

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