Femme au parapluie MONET: analyse de l'oeuvre

Femme avec parapluie (Femme à l'ombrelle) est une œuvre peinte par Claude Monet en 1875 et situé à Argenteuil, une ville où les Parisiens avaient l'habitude d'aller le week-end et que les peintres impressionnistes fréquentaient également pour peindre en plein air. Monet y résida entre les années 1871 et 1878, Sisley, Renoir et Caillebotte étant également des habitués. Cette œuvre fait partie d'une série de peintures réalisées là-bas par Monet dans le cadre de ses études de la lumière et de la couleur et de son adhésion à la principes esthétiques de l'impressionnisme.

Dans cette leçon d'unPROFESOR.com, nous vous proposons une Analyse de l'oeuvre Femme avec parapluie, l'un des plus représentatifs de Claude Monet et de ses premières phases au sein du mouvement impressionniste.

Indice

1. Description et contexte de Femme au parapluie
2. Analyse formelle de la femme au parapluie
3. Analyse de la couleur dans cette œuvre de Monet

En l'an 1871, Claude Monet quitte l'Angleterre pour les Pays-Bas et, de là, Argenteuil, en France. Dans cette commune, à seulement 15 minutes de Paris en train et dans la vallée de l'Oise, c'était l'une des escapades de la capitale parisienne pour se reposer et profiter de la nature. Les impressionnistes Ils ont également choisi Argenteuil comme ville d'inspiration et c'est aussi là que Monet a réalisé certaines de ses œuvres les plus représentatives.

Dans la maison où habitaient Monet et sa famille, il avait un grand jardin tout proche de la Seine et proche de la maison de Edouard Manet, qui lui rendait souvent visite à l'été 1874.

Femme avec parapluie (1875) représente son épouse Camille et son fils Jean lors d'une de ces balades dans la campagne argenteuil. Un instantané dans lequel Monet essaie de saisir juste le moment où ils atteignent tous les deux le sommet et s'arrêtent pour observer les environs. Dans le tableau, Camille, vêtue de blanc et avec un parapluie, est située au sommet d'une colline avec un ciel bleu en toile de fond. Le personnage est tourné vers le spectateur et derrière lui se trouve l'enfant, qui regarde aussi droit devant lui.

Nous suivons cette analyse de Femme avec parapluie prêter attention aux aspects formels. C'est un huile sur toile qui se trouve actuellement à la National Gallery of Art de Washington. Les critiques le considèrent comme l'un des œuvres les plus représentatives de Monet et de Impressionnisme.

La quête de peindre par plein air ou plénarisme, loin des études et sans suivre les directives académiques, il est devenu l'un des plus grands souhaits de cette génération d'artistes. La peinture en plein air permettait d'étudier la lumière et la couleur et de saisir sur toile comment le paysage ou les objets ou scènes peints évoluaient en fonction de la lumière du jour. Le but était de capturer un moment unique et, comme la photographie, de montrer la réalité telle qu'elle est perçue par l'œil humain.

Composition et perspective

Les impressionnistes ont pris la décision de former un groupe et d'exposer leurs œuvres en dehors de ces espaces plus conventionnels et académiques. Le séjour loin des limites des académies permis à Monet de peindre des sujets comme celui-ci, la promenade de sa famille à la campagne.

Dans la composition, le spectateur est à l'endroit où aurait été Monet, nous permettant de participer à cette moment familier et quotidien. Un portrait très éloigné des portraits de famille conventionnels et dans lequel un moment plein de spontanéité et naturel. Pour ce Monet, passé maître dans l'art de saisir l'instant, utilise coups de pinceau rapides, créant l'effet que la scène est un instantané, même si, comme d'habitude, la famille a posé pendant des heures.

La perspective il est très bas, réalisant ainsi que la figure de Camille remplit la scène et acquiert un aspect monumental. Pour cela, Monet plaça le chevalet en un point plus bas du sol, le ciel acquérant également un grand rôle. Mais, le peintre parvient à équilibrer tous les éléments pour que le regard du spectateur passe lentement de l'un à l'autre, de Camille au parapluie, au ciel, à l'herbe et à l'enfant.

Monet applique la couleur à bon escient, c'est-à-dire que les tons les plus frappants et les plus vibrants sont les verts de l'herbe, équilibrant ainsi la proéminence et la prédominance du bleu du ciel. Un vert qui se répète aussi dans le parapluie, guidant ainsi notre regard de haut en bas. La figure de Camille est peinte dans une couleur blanche et bleuâtre qui lève également nos yeux vers le ciel, nous faisant aussi regarder l'enfant en ajoutant une nuance de rouge au visage et chapeau.

le nuances des figures, il les peint dans des tons violets, quelque chose de très typique de l'impressionnisme, recréant également les effets de la lumière sur chacune des figures et montrant leur passage à travers le parapluie, en plus de l'effet du voile flottant sur le visage de Camille.

Femme avec parapluie reçu de nombreuses distinctions lors de son exposition au deuxième exposition impressionniste de l'année 1876, considérée comme l'une de ses plus belles œuvres atmosphériques. Cette exposition a eu lieu au Galerie Durand-Ruel, présentant à Monet quelque 18 tableaux. Bien que l'exposition n'ait pas été largement célébrée par la presse, elle a reçu des critiques positives pour la haute qualité du traitement lumineux. A) Oui, Edmond duranty, romancier et critique d'art, remarqué dans son œuvre La Nouvelle Peinture comme les impressionnistes

« […] Ils ont progressivement réussi à décomposer la lumière du soleil en ses rayons et ses éléments et à recombiner leur unité avec une harmonie générale d'irisations réparties sur leurs toiles. Du point de vue de la délicatesse de ses œuvres et de la subtile pénétration de ses couleurs, c'est un résultat tout à fait extraordinaire. Le physicien le plus savant n'aurait rien à leur reprocher sur leur analyse de la lumière. »

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