Les 8 œuvres IMPORTANTES de Mark ROTHKO

Marc Rothko (1903-1970) est l'un des personnalités les plus en vue le groupe des peintres de la École de New York. Un artiste polyvalent qui a changé ses styles artistiques jusqu'à ce qu'il atteigne son propre style dans les années 50. Un style caractérisé par l'inclusion de formes douces et rectangulaires flottant sur un champ de couleur. De plus, Rothko, fortement influencé par la philosophie et la mythologie, était un défenseur de l'art comme moyen d'expression des idées, étant un défenseur de la pensée sociale révolutionnaire et de la liberté d'expression.

Dans cette leçon d'unPROFESOR.com, nous vous proposons les œuvres importantes de Mark Rothko afin que vous connaissiez son parcours et son style artistique.

Indice

1. Mark Rothko Caractéristiques
2. Crucifixion, œuvre très importante de Mark Rothko
3. Entrée du métro (1938)
4. Odipe, une autre des œuvres les plus importantes de Rothko (1944)
5. Tourbillon lent au bord de la mer, œuvre représentative de la période surréaliste (1944)
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6. N° 9 (1947)
7. Quatre ombres en rouge (1958)
8. La chapelle Rothko (1965)
9. Sans titre, Noir sur gris (1969)

Rothko a commencé sa carrière comme peintre figuratif, peindre des paysages, des natures mortes, des études de figures et de portraits, pouvoir combiner expressionnisme et surréalisme.

• Dans sa recherche de nouvelles formes d'expression, Rothko est allé au style Faithful Color, style de champs de couleur. Un style abstrait qui utilise des couleurs vives pour capturer et transmettre la spiritualité.
• Son travail est très émouvant étant très imprégné par le Philosophie de Nietzsche, la mythologie grecque et son héritage culturel russo-juif.
• De plus, il restait toujours contre l'établissement du monde de l'art et il a toujours défendu la liberté d'expression des artistes, rejetant également les critiques et même certaines ventes, expositions et commandes.

Parmi les œuvres les plus importantes de Mark Rothko se distingue Crucifixion (1935), une toile a été inclus dans une exposition tenue à al Galerie Bonaparte à Paris en novembre 1936.

Une œuvre considérée comme nostalgique de l'art italien du XIVe siècle, coloré et avec des liens thématiques avec la peinture de la Renaissance, en plus de présenter des échos de l'œuvre Lamentation du Christ mort (1637) de Rembrandt. Dans l'œuvre, il y a deux croix au premier plan et une troisième à l'arrière-plan.

Dans cette œuvre, également figurative, Rothko montre sa intérêt pour la vie urbaine contemporaine, recréant les caractéristiques d'une station de métro de manière schématique. Un travail de certain air expressionniste reflétant les sentiments de Rothko pour la ville moderne.

Ainsi, Rothko montre à quel point New York est une ville inhumaine et sans cœur, ce que l'artiste a pensé et parvient à transmettre grâce à la schématisation avec laquelle les figures représentent.

La mythologie grecque était l'un des thèmes récurrents au travail le peintre au début des années 40. Pour Rothko, Œdipe il était victime de l'orgueil et de la passion, sentiments qui étaient le sceptre de la nature destructrice de l'être humain.

Rothko crée une sorte de puzzle en démontant les figurines pour les remonter et former une seule pièce ou masse. Une œuvre dans laquelle le peintre a tenté de suggérer comment l'humanité est unie par la tragédie.

C'est une autre des œuvres les plus remarquables de Rothko car c'est un exemple représentatif de sonpériode surréaliste. L'influence des artistes de Miro est évidente, bien que le travail de Rothko présente des couleurs douces, des figures translucides, des lignes horizontales, des angles et des tourbillons pour créer un image vibrante d'un paysage primitif sombre.

Ce travail a été fait en courtisant sa seconde épouse, se considérant comme un scène romantique dans lequel Rothko peint un couple dans un monde mythique et magique.

C'est un autre des œuvres abstraites du peintre, faisant partie des onze tableaux que le peintre présente à la galerie Betty Parson en 1949. L'auteur abandonne les figures et les paysages pour présenter formes floues créé à partir de différentes couches de peinture.

Des rouges chauds, des oranges et des jaunes apparaissent à 9, avec une tache noire et des tourbillons de bleu. Pour Rothko, les formes abstraites étaient des organismes pleins de force vitale.

Ce travail faisait partie de la peintures exposées par le peintre dans le Galerie Sidney Janis en 1969. Une peinture qui illustre la transition de la palette du peintre vers les tons rouges et bruns.

Une palette restreinte et sombre dans laquelle les rectangles constituent une manière de représenter la présence ou les esprits, une manière d'exprimer ce que les figures exprimaient, pas de les éliminer.

Cette toile se trouve sur le campus de l'Université catholique St. Thomas. La chapelle Rothko a été financé par John et Dominique de Menil et montre quatorze peintures murales du peintre.

Certaines peintures réalisées dans des tons violets, marrons et noirs sont de grande taille. Rothko a travaillé en collaboration avec des architectes, contrôlant presque totalement la forme du bâtiment et son intérieur.

Nous terminons cette revue des œuvres les plus importantes de Mark Rothko en parlant de Sans titre, noir sur gris (1969). Ce travail appartient à son dernière série de peintures, bien qu'ils n'aient pas obtenu le succès qu'il désirait.

Rothko a interprété Le silence comme lui seul était capable de comprendre son monde intérieur. Les noirs sur gris sur toile blanche, sans apprêt, limitent le nombre de couleurs et rendent le tableau d'une seule pièce plus intime et personnel.

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• Cohen-Solal, A (2016), Mark Rothko: Vers la lumière dans la chapelle, Paidos
• Baal-Teshuva, J (2009), Rothko, Taschen