Existe-t-il un art objectivement meilleur qu'un autre ?

Nous savons tous que l'art, comme tant d'autres choses, est subjectif. Cependant, Existe-t-il un art objectivement meilleur qu'un autre ? Peut-on trouver un style artistique ou une époque où sa manifestation artistique est, objectivement, meilleure que les autres ?

Nous vous proposons une promenade à travers l'histoire de l'art pour démêler s'il existe vraiment un art qui est objectivement meilleur qu'un autre.

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Existe-t-il un art objectivement meilleur ?

Pendant certaines périodes de l'histoire, cela a certainement été cru. C'est pourquoi, à la Renaissance, des auteurs comme Vasari ont déprécié l'art gothique et l'ont qualifié d'art « barbare » (art gothique, d'où son nom). Le baroque était aussi un autre des styles les plus vilipendés avec l'avènement de la Révolution française et du classicisme. Mais quelle raison y avait-il à ces considérations ?

La raison n'était autre que le changement de mentalité et donc l'apparition de préjugés. À l'époque de Vasari, la Renaissance avait pris le dessus sur les arts, de sorte que tout ce qui ne correspondait pas à une vision «classique» était considéré comme un art mineur, moins évolué. La même chose s'est produite des siècles plus tard avec le baroque et, surtout, le rococo. Les révolutionnaires français considéraient ce dernier comme l'art de la noblesse et donc un art qu'il fallait détruire.

Ensuite Dans quelle mesure les évaluations artistiques sont-elles sujettes à préjugés ?

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Mais qu'est-ce que l'art, au juste ?

Ici, nous devons introduire une clarification. Quel est l'art? Une définition aussi multiple que complexe (et compliquée). L'Académie royale espagnole propose différentes définitions du mot. Parmi eux figurent les suivants: "Capacité, aptitude à faire quelque chose" et "Manifestation d'activité à travers lequel ce qui est réel est interprété ou ce qui est imaginé est capturé avec des moyens plastiques, linguistiques ou voisé". Nous pensons que, dans le second sens, le RAE a mis le doigt sur la tête. Voyons-le attentivement: "... à travers lequel ce qui est réel est interprété ou ce qui est imaginé est capturé." C'est clair: l'art a deux voies: la représentation de la réalité (parfois strictement, comme nous le verrons plus loin) ou l'incarnation de concepts transcendants. De plus, nous devons ajouter que les deux choses ne sont pas en contradiction l'une avec l'autre, bien qu'elles nous le fassent croire.

Pour sa part, l'éminent E. H Gombrich, dans son célèbre histoire de l'art, commence son introduction en affirmant que: « L'art n'existe pas vraiment. Il n'y a que des artistes. C'étaient autrefois des hommes qui prenaient de la terre colorée et dessinaient grossièrement les formes d'un bison sur les parois d'une grotte; aujourd'hui, ils achètent leurs couleurs et dessinent des enseignes pour les stations de métro ». Et puis, il ajoute: « Il n'y a pas de mal à appeler toutes ces activités de l'art, tant qu'on tient compte du fait que un tel mot peut signifier beaucoup de choses différentes, à des moments et des endroits différents, et tant qu'on s'aperçoit que l'Art, écrit le mot avec un A majuscule, n'existe pas, puisque l'Art avec un A majuscule doit par essence être un revenant et une idole… ».

En d'autres termes, pour le prestigieux historien, s'il n'y a que des artistes et, donc, il n'y a pas d'idéal de l'art (cet Art avec lettre majuscule qui commente), alors cela signifie que, en effet, il n'y a pas de style ou d'époque artistique meilleur ou pire que autres. Pour réaliser ce bref voyage, il sera très utile de s'appuyer sur des exemples concrets; de cette manière, il sera beaucoup plus facile de comprendre ce que Gombrich voulait dire par une telle déclaration.

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Composition, forme, perspective

Prenons l'exemple du bison commenté par Gombrich. Vous avez tous en tête la peinture préhistorique typique, réalisée à l'abri d'une grotte. Lançons une question. Cette représentation est-elle réaliste? N'hésitez pas à répondre, car la réponse est "non".

L'artiste qui a peint le bison n'avait pas l'intention de représenter un vrai bison, avec ses volumes, sa perspective et ses détails réalistes. En effet, il n'y a aucune perspective du tout; le dessin est complètement plat (même si, dans certains exemples, on peut noter des tentatives marquées de réalisme). Dans tous les cas, le résultat est le même: l'animal représenté sur le mur ou le plafond de la grotte représente une idée, un concept, pas un vrai bison.

Comparons le bison préhistorique avec une peinture du XIXe siècle; par exemple, Prière de l'angélus sur le terrain, du peintre Ignacio Díaz Olano de Vitoria.

On observera que, sur la toile, le peintre en a fait une représentation minutieuse, quasi photographique, de l'anatomie de deux boeufs. Les volumes sont parfaits, la perspective est adéquate; nous avons la sensation d'être présents dans la scène, comme si nous faisions partie de l'instant représenté. En un mot: Díaz Olano capture un fragment de réalité.

À ce stade, nous posons une question. L'équipe de Díaz Olano est-elle objectivement meilleure? En termes de résolution, de dessin, de perspective et de technique, bien sûr que oui. La perspective, les volumes, les tons réalistes du tableau; ils n'ont rien à voir avec la figure plate, aux couleurs neutres, que nous avons vue sur le mur de la grotte. Maintenant, cela signifie-t-il que le travail de Díaz Olano est objectivement meilleur, en général, que le bison préhistorique? La réponse, dans ce cas, serait sans aucun doute « non ».

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L'expression, le concept, l'idée

Prenons un autre exemple qui illustrera très bien ce que nous voulons dire. Et ce n'est autre que Les exécutions du 3 mai, de Goya.

Bien. Comparez-la maintenant avec une autre scène de prise de vue: Exécution de Torrijos et de ses compagnons sur les plages de Malagad'Antonio Gisbert.

Commençons par le second. Dans Torrijos, tout est parfait. Encore une fois, la composition n'a aucun défaut; ni la perspective, ni les volumes, ni le dessin, ni la technique. C'est, formellement parlant, une image parfaite. Par ailleurs, Gisbert introduit également l'expression dans son travail: si l'on regarde attentivement, chacun des visages de ceux qui vont mourir expriment un sentiment différent, allant de la peur la plus atroce à la plus incroyable.

Venons-en maintenant aux exécutions de Goya. Peut-on dire que, formellement, Torrijos est mieux résolu? Eh bien, malgré le fait de parler de Goya, la réponse est encore une fois "oui". La toile de Gisbert est un instantané photographiqueCapturer un vrai moment de vie. Encore une fois, et comme pour l'angélus de Díaz Olano, il semble que nous soyons sur la plage, avec Torrijos et ses compagnons. En fait, ce qui est vraiment passionnant dans le tableau, c'est qu'il semble que nous fassions partie du groupe de prisonniers qui attendent leur tour pour mourir, compte tenu du point où se situe le regard du spectateur. Quant aux visages, rien de plus à dire; Gisbert a pris des notes sur les portraits originaux des victimes et a également rencontré des proches du défunt afin de recréer fidèlement les traits des personnes exécutées.

Maintenant, si nous allons à la peinture de Goya, nous verrons que les visages ne sont pas identifiables. Pour commencer, les Français (les bourreaux) se cachent le visage, comme s'ils avaient honte. De plus, la plupart des personnes abattues se couvrent le visage avec leurs mains. Les rares qui montrent leurs visages nous semblent être des masques de carnaval ou de cauchemar plutôt que des êtres humains. Il n'y a pas de factions individualisées; Goya peint la terreur dans sa forme la plus pure.

Passons alors à la question. Est-ce à dire que la peinture de Gisbert est objectivement meilleure que celle de Goya? Évidemment pas. Et pourquoi? Car, tout simplement, l'intention de Gisbert lors de l'exécution de son Torrijos n'était pas le même que celui de Goya lorsqu'il a peint son exécutions. Le premier voulait montrer une réalité irréprochable, tandis que le second il a exprimé sa colère et sa frustration à travers le pinceau. Gisbert n'a pas connu le peloton d'exécution de Torrijos; qui plus est, il peint le tableau plusieurs décennies plus tard. Goya a bien vécu ces jours fatidiques de mai.

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Le lest de l'académisme

A partir du XVIIIe siècle et surtout du XIXe siècle, l'art académique (comme la peinture de Torrijos) est considéré comme l'apogée de la peinture et de la sculpture. La composition parfaite, la résolution d'une perspective homogène, la juste proportion entre les personnages... les travaux savants n'ont pas en fait d'erreurs formelles à signaler.

Cependant, il n'en est pas moins vrai qu'au XIXe siècle l'expression et l'idée ont été oubliées. En d'autres termes, le « quoi » a été dilué, et seul le « comment » est resté. Tout à fait à l'opposé de ce qui avait été d'autres "arts" dans l'histoire, où ce qui avait prévalu par-dessus tout était le concept, l'idée qui était représentée. C'est l'une des raisons pour lesquelles, entre autres, l'art médiéval est largement méprisé depuis le XVIIIe siècle; son style conceptuel et transcendant ne correspondait pas à l'académisme dominant.

Si nous voulons évaluer correctement une œuvre d'art, nous devons garder à l'esprit que dans notre appréciation nous portons le lest de l'académisme. Et attention, car nous ne voulons pas dire par là que l'art académique est mauvais, au contraire; mais il est vrai que depuis de nombreuses années on nous apprend que le seul "bon" art est celui qui respecte les lignes directrices formelles de la perspective, du volume et de la composition, entre autres Choses. Et cela, bien sûr, nous fait perdre notre chemin et nous ne sommes pas en mesure de valoriser les autres "arts" qui, bien sûr, ont une valeur en eux-mêmes.

Car les lignes directrices qui s'imposent pour valoriser une œuvre ne sont pas seulement celles que l'Académie nous dicte depuis des siècles. Il y en a d'autres, comme l'expressivité, le sentiment et l'idée qui, d'autre part, sont ceux qui ont dicté l'art d'autres temps et cultures. Faut-il croire qu'une Vierge à l'Enfant romane est « pire » qu'une Vénus de Praxitèle? Bien sûr que non. Elles sont filles de deux concepts et de deux mondes très, très différents.

Cependant, et comme tout ce qui touche à l'art, la décision appartient à chacun. Dans cet article, nous proposons uniquement un look différent et, surtout, adapté à chaque travail spécifique; un regard qui tient compte du contexte, des possibilités techniques et de la personnalité de l'auteur.