Les 10 artistes baroques les plus importants

Il est difficile, voire impossible, de choisir 10 artistes parmi les grands noms que l'époque baroque nous a donnés. Cependant, dans cet article, nous allons essayer. nous vous offrons une liste des 10 meilleurs artistes baroques qui étaient de véritables génies de la peinture, de la sculpture et de l'architecture, ainsi que sa biographie (souvent mouvementée).

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Les artistes baroques à connaître

Bien sûr, il y en a beaucoup d'autres. Le baroque est un mouvement qui a donné de la splendeur aux arts et a laissé à la postérité des noms illustres tels que Velázquez, Rubens ou Bernini. Ici, nous ne vous laissons que 10 de ces artistes les plus importants, mais nous vous encourageons à enquêter pour rencontrer les autres artistes baroques qui restent dans le pipeline. Profitez de la visite !

1. Diego Vélasquez

Diego Rodríguez de Silva Velázquez (1599-1660) est sans aucun doute l'un des plus grands représentants du baroque. Il est né dans la ville cosmopolite de Séville à la fin du XVIe siècle, l'un des centres économiques et artistiques les plus dynamiques d'Europe. Déjà dans sa jeunesse, fraîchement sorti de l'atelier de Francisco Pacheco (avec la fille dont il s'était d'ailleurs marié), Velázquez fait preuve d'un talent rare qui se manifeste dans des œuvres comme le

Vieille femme faisant frire des oeufs (1618) ou Le waterboy de Séville (1620). L'exceptionnel portrait de Jerónima de la Fuente, réalisé alors que le peintre n'avait que 21 ans, est un merveilleux exemple de la maîtrise innée de l'artiste pour capturer la psychologie de ses sujets.

A 24 ans on retrouve Velázquez à Madrid où, avec l'aide de son beau-père et de certains de ses contacts, il est présenté à Felipe IV. Bientôt le monarque, qui n'est pas indifférent à la qualité artistique, remarque son travail. Pour ce monarque et son entourage, l'artiste a créé d'authentiques chefs-d'œuvre, comme la série de portraits de Felipe IV, le magnifique portrait équestre du comte-duc d'Olivares ou le très célèbre Les Ménines, exécuté déjà dans sa phase de plénitude artistique.

Rubens, qu'il a rencontré personnellement, supplie Felipe IV d'envoyer Velázquez en Italie. Ce premier voyage dans la péninsule italienne apporte à l'artiste la connaissance des classiques et des maîtres de la Renaissance. Le résultat de son voyage italien est son travail Forge de Vulcain (1630), une des très rares peintures à thème mythologique que l'on retrouve dans son corpus pictural. Lors de son second séjour en Italie, il réalise ce qui sera le seul nu de son œuvre, le miroir vénus (1647-1651), et qui sera aussi l'un des rares nus de la peinture espagnole avec le Le pilon de Goya.

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2. Gian Lorenzo Bernini

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) est l'une de ces personnalités artistiques bouleversantes qui apparaissent de temps à autre dans l'histoire de l'art.

Sculpteur réputé, mais aussi peintre et architecte, il a souvent été comparé à Michel-Ange pour ses multiples facettes, toutes exécutées avec une grande qualité artistique. Le jeune Gian Lorenzo avait été formé dans l'atelier de son père, qui était sculpteur, et démontra bientôt le talent inné qu'il possédait. Les groupes sculpturaux commandés par le Cardinal Borghese l'établissent comme l'un des meilleurs sculpteurs de sa génération. En effet, dans certains de ces ouvrages, comme L'enlèvement de Proserpine soit Apollon et Daphné, l'artiste déploie toute sa maîtrise du ciseau. Les sculptures présentent un réalisme impressionnant et créent une extraordinaire illusion de mouvement.

Le Bernin développe son corpus artistique sous le mandat de pas moins de sept papes. À partir de 1629, et à seulement 31 ans, Bernini prend en charge le plus grand monument de la chrétienté: la Basilique de San Pedro, dont la réforme avait commencé quelques siècles auparavant et avait inclus des génies authentiques tels que Michel-Ange, Raphaël et Ficelle. Bernini prend également en charge l'impressionnant dais en bronze massif qui orne le maître-autel de la basilique et de la Chaire de San Pedro (également en bronze), ainsi que la non moins impressionnante Plaza de San Pedro et ses colonnade. Élevée au sommet par le pape Urbain VIII, la Rome baroque est due, en partie, à son œuvre prolifique et étonnante.

3. Pierre Paul Rubens

Pour beaucoup, évoquer la peinture baroque, c'est évoquer Rubens (1577-1640). En effet, Il était un peintre prolifique qui avait de nombreux disciples et assistants dans son atelier pour céder à l'énorme demande qu'il a reçue. Toutes les maisons aristocratiques voulaient une œuvre de Rubens. Et, parmi ses plus gros clients, figurait la couronne espagnole des Habsbourg.

Peter Paul Rubens est né en Westphalie, dans l'actuelle Allemagne. Il s'installe rapidement à Anvers, où il reçoit une éducation picturale et humaniste auprès d'artistes maniéristes. Après un séjour en Italie et, plus tard, en Espagne, où il réalise le célèbre et impressionnant portrait équestre du duc de Lerme, confiance du roi Felipe III, Rubens s'installe à Anvers et épouse Isabel Brant. Dans ces années, l'artiste est au faîte de sa gloire et réalise d'impressionnantes toiles sur des thèmes religieux et l'exaltation de la monarchie. Mais probablement les peintures dont on se souvient le mieux de Rubens sont celles qui traitent de thèmes mythologiques.

L'artiste avait une solide formation humaniste, renforcée par ses voyages en Italie, et il a su transférer ce savoir sur ses toiles. Ils sont remarquables par leurs couleurs exquises et leurs coups de pinceau sensuels. Les Trois Grâces (1639), œuvre assez tardive dans sa production et qui comprend la représentation de sa seconde épouse, Hélène Fourment; la Création de la Voie lactée (1636-38) et Le jugement de Paris (1638).

4. anton vandyck

Anton Van Dyck est l'un des grands noms de la peinture baroque anglaise. Il est considéré par de nombreux auteurs comme un disciple de Rubens, mais c'est une question encore sujette à débat. Le fait que, dans les commandes qu'ils recevaient, les deux peintres recevaient des honoraires identiques, laisse supposer que plus qu'un disciple, Van Dyck fut son collaborateur.

Bien qu'étant un peintre exceptionnel dans tous les domaines, Van Dyck est surtout connu pour ses portraits.. Charles Ier d'Angleterre, fasciné par son œuvre, l'appelle à ses côtés et le nomme peintre de chambre en 1632, alors les Flamands s'installent définitivement à Londres et il épousa Mary Ruthwen, dont il fit, en 1639, un délicieux portrait dans lequel la dame apparaît vêtue d'un soyeux robe bleue. Mary souffrait d'alopécie, et son mari ne cache pas ce "défaut" dans son portrait. Cependant, il représente la jeune femme avec une douceur et une dignité caractéristiques de ses œuvres, où la réalité du personnage se mêle à un halo d'élégance et de raffinement.

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5. Artemisia Gentileschi

L'une des peintres baroques les plus célèbres, Artemisia Gentileschi (1593-1656) est cependant restée dans les mémoires presque exclusivement pour le triste épisode de son viol. Il produit sa première grande œuvre à seulement 17 ans, Susana et le vieux (1610), où il illustre le passage bien connu de la Bible de manière réaliste et austère.

Formé dans l'atelier de son père, Orazio Gentileschi, il met à 18 ans à sa disposition un professeur particulier, le statut de femme d'Artemisia l'empêchant d'accéder à une académie. Ce tuteur, Agostino Tassi, l'abuse sexuellement, alors le père traduit le criminel en justice. Artemisia (qui est, en réalité, la victime), subit un interrogatoire humiliant, une honteuse inspection gynécologique et, enfin, à une torture plus qu'horrible, pour "vérifier" ce que vérité. Artemisia tient bon et Tassi est condamnée à un an de prison et d'exil.

Il a été commenté que l'une des œuvres les plus célèbres de l'artiste, Judith décapitant Holopherne (1612-13), est une sorte de vengeance, un cri de rage lancé aux quatre vents pour évacuer la douleur que lui a causé cet épisode de sa vie. On ne sait pas si c'était exactement comme ça, mais ce qui est certain, c'est que la toile a une crudité déchirante, et probablement surpasse l'œuvre homonyme du Caravage, à qui, soit dit en passant, Artemisia a tiré son ténébrisme et le magnifique et bouleversant clair-obscur.

6. Francesco Borromini

La biographie de Francesco Castelli (1599-1667), qui changea plus tard son nom de famille en Borromini, est célèbre pour sa fin tragique. Le matin du 2 août 1667, l'artiste, probablement plongé dans une grave dépression, se jeta sur son épée. s'est évanoui avec lui l'une des lumières les plus brillantes du baroque italien.

Ennemi éternel de Gian Lorenzo Bernini, la vie de Borromini a été une lutte continue pour rester au top. Rome était, à cette époque, l'épicentre de l'art européen. Les papes se succèdent et commandent des travaux les uns après les autres, avec l'intention d'embellir la Ville Éternelle et d'en faire un symbole vivant de la Contre-Réforme. Francesco Borromini est arrivé dans la cité papale à seulement 20 ans, après un séjour à Milan, où il avait travaillé au Duomo. À Rome, Borromini a commencé à travailler sur Saint-Pierre, puis sur le palais Barberini, avec son dernier rival, Bernini.

De nombreux auteurs se sont demandé quelle était la véritable raison qui avait poussé le grand artiste à mettre fin à ses jours. Il semble que Borromini ait eu un caractère mélancolique, qui s'est accentué au fil des années et il a vu que les principaux ordres papaux retombaient sur son ennemi. Il est plus que probable que cela, ajouté à sa propre instabilité émotionnelle et à la mort de son ami et confident Fioravante Martinelli, l'a plongé, comme nous l'avons déjà dit, dans une grave dépression. Quoi qu'il en soit, le 2 août 1667, le monde perdit l'un des plus grands artistes baroques, auteur, entre autres merveilles, de la splendide église San Carlo alle Quattre Fontane, à Rome.

7. Michelangelo Merisi (Le Caravage)

Michelangelo Merisi, mieux connu sous le nom de "Il Caravaggio" (1571-1610) est un autre de ces artistes qui, comme Vermeer, nous a laissé peu d'exemples de son œuvre magnifique. En effet, il y a peu caravages conservés dans le monde, en partie grâce à son passage éphémère à travers le monde (il est décédé à l'âge de 39 ans). caravage Il est célèbre, entre autres choses, pour être "l'inventeur" du ténébrisme, un effet de contrastes entre clair et foncé qui allait donner un cachet de personnalité à tous ses peintures, et qui seraient imités par d'autres artistes, parmi lesquels la aussi grande Artemisia Gentileschi.

Lorsque la famille du Caravage s'installe à Rome, le jeune homme commence à se former dans de modestes ateliers de peintres. Son premier ouvrage majeur connu est le garçon épluchant des fruits, à partir de 1592, faite lorsque le Caravage vivait avec Monseigneur Colonna, que le jeune peintre surnommait «Monseigneur la laitue» en raison du régime alimentaire peu varié que lui offrait le clergé. De nombreux auteurs ont souligné les éventuelles faveurs sexuelles que les jeunes peintres accordaient en échange d'un foyer et d'une protection. Le fait est incertain, mais c'est une possibilité tout à fait plausible. En fait, la vie de Caravage a toujours glissé dans les profondeurs les plus basses et les plus sombres de la société.

De ces environnements, il a pris les modèles de ses peintures, et pour cette raison, nous trouvons dans ses œuvres cet air de réalité et de naturalisme qui nous émeut. En fait, certaines de ses œuvres ont été rejetées par leurs commanditaires pour leur naturalisme accentué, ce qui péché contre le "décorum" (le nom donné à la manière correcte de représenter les scènes religieux). Un cas bien connu est La mort de la Vierge (1604), pour lequel Caravage a modelé une prostituée noyée dans le Tibre.

Le Caravage lui-même n'échappe pas à l'influence néfaste des cercles louches qu'il fréquente. Célèbre pour ses querelles et ses ivresses violentes, il tue en 1607 un homme dans une échauffourée et doit fuir Rome. Dès lors, sa vie sera un pèlerinage continu jusqu'à sa propre mort, survenue en 1610.

8. Luisa Roldán ("La Roldana")

Luisa Roldán (1652-1706) est un des prénoms féminins qu'il faut encadrer de lettres d'or dans l'histoire de l'art. Injustement oubliée des livres, comme la plupart de ses compagnes, Luisa dirige un atelier de sculpture au milieu du XVIIe siècle. Il est né dans la Séville trépidante et dynamique du XVIIe siècle, qui a également vu se former d'autres grands comme Velázquez ou Murillo, et il s'est formé dans l'atelier de son père, Pedro Roldán. Au cours des premières années, Luisa a sculpté d'imposantes figures grandeur nature qui ont suivi les directives de la Contre-Réforme catholique; la plupart d'entre eux destinés aux processions andalouses. Elle est également célèbre pour sa production de figurines en terre cuite pour les crèches de style napolitain qui faisaient fureur à l'époque.

Luisa a vécu avec son mari à Séville (qu'elle avait épousé à l'âge de 19 ans sans le consentement parental) jusqu'en 1686, année où ils ont déménagé à Cadix. L'étape de plénitude de Luisa Roldán est cependant son étape à Madrid, ville où elle arrive en 1689, accompagnée de son mari et de ses enfants. En 1692 arrive le rendez-vous tant attendu: le roi Carlos II la nomme sculpteur de chambre. Ses œuvres en terre cuite de petit format sont de cette période madrilène, destinées aux familles nobles et bourgeoises pour une dévotion privée. Comme c'est le cas pour la plupart des femmes artistes, jusqu'à récemment, une grande partie de son travail était attribuée à son père ou à son mari. Heureusement, actuellement de nouvelles études ont mis les points sur les i et ont démontré la prolifique production de cet artiste sévillan, l'un des grands sculpteurs du baroque hispanique.

9. Bartolomé Esteban Murillo

Si quelque chose est retenu au niveau populaire de cet excellent artiste du baroque espagnol, c'est son Immaculée Conception et ses beaux Enfants Jésus et Saint Jean.

En effet, l'oeuvre de Murillo (1617-1682) s'évade de la célèbre monumentalité baroque et nous introduit dans un monde de douceur intime cela semble tiré de la vie quotidienne la plus stricte. Un bel exemple de cette "descente du religieux sur terre" qui, d'autre part, est typique de la langue baroque, est son célèbre tableau La Sainte Famille du petit oiseau, où l'on nous montre une famille ordinaire, livrée aux tâches quotidiennes. La Vierge, au fond, regarde saint Joseph jouer avec l'Enfant. Rien dans la scène ne nous dit que les personnages sont des saints, ni que l'enfant est un enfant de Dieu. C'est un instantané d'une famille ordinaire dans l'Espagne du XVIIe siècle. Et c'est la vraie valeur du travail de Murillo.

L'artiste sévillan recueille également dans son œuvre, parallèlement au naturalisme baroque caractéristique, un raffinement qui annonce presque l'esthétique rococo du siècle suivant. Ses peintures naturalistes extraient les motifs et les personnages de la vie quotidienne, comme l'ont fait Caravaggio et Velázquez. sur sa toile Enfants mangeant des raisins et du melon, on voit deux petits garçons qui s'amusent à dévorer des fruits, peut-être l'un des rares aliments auxquels ils pourront accéder dans quelques jours. Ses petits pieds sales et ses vêtements déchirés sont des notes de réalisme avec lesquelles Murillo pointe la misère des garçons. En revanche, ses fameuses Immaculées Conceptions, symbole de la Contre-Réforme, posent à la fois monumentalité et douceur, et les visages de ces vierges sont parmi les plus beaux du peinture espagnole.

10. Jean Vermeer

Vermeer (1632-1675) est, avec Caravage, l'un des peintres qui nous a laissé le moins d'œuvres d'art. A peine une trentaine d'oeuvres sont disséminées parmi les meilleurs musées du monde, mais ce rare assez de production pour se rendre compte qu'on a affaire à l'un des grands génies de la peinture universel.

Johannes Vermeer est né à Delft à l'automne 1632. Dans ces années, les soi-disant Provinces-Unies étaient déjà indépendantes de la couronne espagnole, et dans le pays une production artistique extraordinaire se développe, qui a été appelée l'âge d'or des pays Faible. Les grands mécènes, contrairement aux pays catholiques, sont les bourgeois et les marchands des villes. C'est pourquoi on trouve en Hollande un autre type de langage pictural, qui n'a rien à voir avec le baroque méridional.

La bourgeoisie hollandaise, elle aussi protestante, ne voulait pas de grandes toiles d'apothéose biblique, mais préférait les scènes de l'intimité quotidienne. Et c'est ce dont Vermeer était un véritable maître.

Les intérieurs vermeeriens sont exquis, malgré le fait qu'ils se déroulent presque tous dans la même pièce, dont seule la position des éléments change. Dans toutes ses oeuvres, les personnages semblent pris par surprise alors qu'ils accomplissent leurs activités quotidiennes. On y voit une jeune femme absorbée par la lecture d'une lettre dans la pièce fille lisant une lettre (1657), qui n'a pas remarqué notre présence, ou une autre jeune femme qui, posant sa tête sur sa main, fait une courte sieste (fille endormie, 1657). Dans toutes les œuvres de Vermeer, nous avons le sentiment d'entrer dans un monde qui ne nous appartient pas.