10 œuvres d'art sur le temps

Tempus fugitif, ont dit les Latinos; "le temps passe". Et c'est comme ça. Au-delà des théories récentes de la relativité, il y a eu de tout temps une conception concrète du temps. Pour les anciens c'était quelque chose de cyclique, qui revenait toujours à son point de départ; pour les hommes et les femmes médiévaux, il était linéaire et se terminait par la seconde venue du Christ.

Pour l'époque baroque c'était le grand démolisseur de beauté et de choses éphémères, d'où la grande profusion de vanité (vanités), œuvres où ont été introduits des éléments témoignant du passage du temps et de sa destruction incessante. Pour les romantiques du XIXe siècle, en revanche, le temps était le principal constructeur de leur nostalgie; une nostalgie du passé qui se traduit par un goût pour les ruines et la décadence.

10 œuvres d'art célèbres sur le temps

Il est difficile de choisir entre tant d'œuvres qui traitent du temps; ce C'est un concept très récurrent dans l'histoire de l'art.. Ci-dessous, nous vous présentons quelques-uns des plus pertinents.

1. mensarié du Panthéon Royal de San Isidoro de León (s. XI)

Le Panthéon Royal des Rois de León est considéré comme l'un des joyaux les plus parfaits de l'art roman de la péninsule. Sans surprise, elle a été surnommée la "chapelle Sixtine romane" pour ses magnifiques fresques, dont un mensarial de grande qualité.

Quels étaient les mensualités médiévales? Il s'agissait de calendriers dont le rythme était marqué par les activités agricoles correspondant à chaque mois.. Dans le cas du mensario de San Isidoro de León, les mois sont situés sur l'intrados de l'arc qui jouxte le Pantokrator. Le mois de janvier comprend, comme il est de tradition dans ces représentations, le dieu Janus, d'origine romaine et qui marquait le début de l'année. Au mois de février, le plus froid de tous, un vieillard est représenté à l'abri du feu. Le mois d'avril, la splendeur du printemps, est personnifié par un jeune homme qui porte des fleurs dans ses mains, et septembre est un paysan qui récolte des raisins...

Dans la Moyen-Age, le temps tournait autour de Dieu. La chronologie chrétienne médiévale était finie, puisque le temps des hommes se terminerait avec la seconde venue du Christ. Parallèlement à ce temps linéaire, il en existait un autre, hérité de l'Antiquité, qui considérait le temps comme quelque chose de cyclique, lié aux changements de la nature et aux cycles de la vie.

2. Saturnede Pierre Paul Rubens (1636)

Vous ne pouvez pas comprendre le temps dans l'art sans parler de Saturne. Ce dieu était une ancienne divinité de la péninsule italienne qui fut plus tard assimilée au dieu grec Cronos, dont il prit les attributs. Bien que Crono n'était pas le dieu du temps, la ressemblance entre son nom et le nom grec du temps a provoqué une assimilation entre les deux.

Le mythe raconte que Chrono/Saturne, Craignant un oracle qui avait prédit qu'un de ses fils finirait par le détrôner, il dévora un à un tous les pousses que sa femme, Rhéa, lui offrait.. Cette légende n'a fait que souligner le dieu comme la personnification du temps, puisque le temps est imparable et dévore aux humains.

Rubens a peint cette toile pour la Torre de la Parada, à Madrid. Il y dépeint Saturne comme un vieil homme, bien qu'avec un corps encore musclé (c'était un Titan, après tout), arrachant la chair de son fils nouveau-né. La forte lumière théâtrale, si typique du baroque, qui illumine les deux corps et les délimite sur le fond sombre, donne un drame à la scène.

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3. En AVC oculipar Juan de Valdés Leal (1672)

Cette toile sombre, qui compte parmi les œuvres d'art les plus célèbres sur le temps, est associée à la soi-disant Finis Gloriae Mundi, également de Valdés Leal. Les deux peintures se trouvent dans le chœur inférieur de l'hôpital de la Caridad à Séville et ont été commandées par l'humaniste Miguel Mañara pour illustrer les deux concepts clés de la mentalité baroque: le Memento Mori ("souviens-toi que tu vas mourir") et vanitas (la vanité du monde).

Les deux concepts sont étroitement liés au temps: d'une part, le souvenir nous rappelle qu'il passe inexorablement et que la mort finit par venir à nous tous; quant au second, il rappelle la fugacité de la vie et que tout ce qui est beau disparaît ou se gâte avec le temps. Dans le cas de l'ouvrage en question, In ictu oculi pourrait se traduire par « en un clin d'œil », une allusion très claire au caractère éphémère de l'existence.

Dans la toile de Valdés Leal, on voit un squelette glaçant s'élever sur un globe terrestre (la mort qui domine la terre); dans sa main gauche il porte une faux, tandis qu'avec sa droite il éteint le feu de la bougie de la vie. Ci-dessous, une montagne d'éléments que nous ne pouvons emporter avec nous avec la mort, symbole que tout est éphémère.

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4. La Dernière Paille (Le Jolly Knight)de Judith Leyster (1639)

Dans une pièce sombre, pratiquement sans référence spatiale, la peintre Judith Leyster situe deux jeunes hommes qui boivent et fument joyeusement. Leurs vêtements sont aux couleurs chaudes et stridentes, et leurs visages sont déformés par l'alcool et l'euphorie. C'est une scène de fête, n'est-ce pas ?

Eh bien… en fait, non. Car Leyster place, derrière le jeune homme assis à gauche, un inquiétant squelette illuminé par la flamme de la bougie qu'il porte lui-même avec lui. Il s'agit de la flamme de la vie; la vie du jeune homme heureux que la mort va étouffer. Le squelette s'approche du garçon et semble lui chuchoter quelque chose. Sans aucun doute, il vous prévient: le temps passe, et le vôtre est compté. Pour souligner son message, il lève la main droite, où l'on remarque un sablier qui tourne...

Judith Leyster, fidèle représentante de son temps, capture dans cette magnifique œuvre la vanité baroque, selon laquelle le temps court et rien ne tient. Beaucoup moins de jeunesse et de plaisir...

5. Autoportraits de Rembrandt

S'il est un artiste intéressé par les changements que le temps a laissés sur son visage, c'est bien Rembrandt van Rijn (1606-1669). En quarante ans, l'artiste a réalisé pas moins d'une centaine de représentations de lui-même (bien que son identité soit remise en cause pour certaines), raison pour laquelle nous pouvons vous accompagner sur la trajectoire de votre vie.

Rembrandt réalise son premier autoportrait en 1628, alors qu'il n'a que vingt-deux ans. L'artiste apparaît en riant, d'un coup de pinceau encore incertain. Bien meilleur est l'autoportrait de 1629, où l'on voit le peintre en buste, avec un rictus très grave sur le visage. Et ainsi de suite; On peut suivre les traces des traits du peintre jusqu'en 1669, année de sa mort, date à laquelle il peint son dernier autoportrait à l'âge de 63 ans. Un vrai témoignage pour la postérité.

6. Le temps de fumer un tableaude William Hogarth (1732)

William Hogarth est l'un des artistes satiriques les plus appréciés du XVIIIe siècle anglais. Célèbres sont ses peintures et gravures qui critiquent les coutumes de l'Angleterre de l'époque. Dans ce cas, on trouve une allégorie du passage du temps et de la façon dont il détruit tout ce qu'il touche, y compris l'art.

Un vieil homme à longue barbe et au corps musclé (personnification du temps) contemple un tableau posé sur son chevalet. Dans sa main gauche, il porte la faux, identifiée à la mort, à la fin et à la disparition, et de l'autre il tient une pipe. La fumée qui en sort frappe carrément la toile, la salit et la noircit.

De toute évidence, Hogarth réfléchit aux effets que le temps a sur les choses. Surtout, sur les peintures; En ce sens, la gravure est la satire d'un courant de pensée de son époque, promulgué notamment par Addison, qui maintenait cette époque « peinte » et améliorait l'œuvre. Non, semble dire Hogarth avec cette gravure; le temps n'améliore pas l'œuvre, il ne fait que la modifier et la détruire.

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7. Les Parques (Atropos), par Francisco de Goya (1820-23)

Les Parques étaient trois divinités mineures de la mythologie grecque qui étaient responsables du temps et de l'existence humaine; c'étaient eux qui décidaient de la durée de la vie d'une personne. Dans l'inventaire des biens du fils de Goya réalisé au XIXe siècle, le tableau est décrit comme Atropos, faisant allusion au nom du Grim Reaper qui est chargé de couper le fil de la vie.

Comme le reste des appels peintures noires, le chromatisme de cette œuvre est lugubre et sombre, basé sur des tons grisâtres, brunâtres et noirs. Les trois Parques sont suspendus dans les airs, comme en lévitation, et au centre du groupe, un quatrième personnage aux mains liées attire notre attention. Un homme dont ils décident la vie ?

8. Le rêveur (les ruines d'Oybin)de Caspar David Friedrich (1835)

Pendant le romantisme, le temps passe de quelque chose de menaçant à quelque chose de beau. L'artiste romantique est l'artiste nostalgique par excellence; il se sent à l'aise parmi les vestiges d'un temple ou d'un château, et imagine pour eux un passé idéalisé qui n'a rien à voir avec la réalité.

Friedrich était l'un des plus grands artistes dans l'art de peindre les vestiges du passé.. Nous le corroborons avec l'œuvre susmentionnée, où l'on voit un homme assis sur les restes de ce qui semble être une cathédrale gothique. Par l'interstice des arcs de ce qui reste de la fenêtre, on voit un beau coucher de soleil (ou lever de soleil), qui enveloppe la toile d'une lumière particulière. Friedrich capture la pureté de la religion et de la spiritualité des temps reculés et exalte accessoirement le passé de la nation allemande. L'homme, le rêveur du titre, est un parfait exemple de sentiment romantique.

9. Nature morte à la bougie renverséede Max Beckman (1930)

Malgré le fait que le moment de splendeur de la vanité C'était, comme nous l'avons déjà commenté, le baroque, la raison du passage du temps et de la fugacité de la vie n'a pas été oubliée dans la peinture ultérieure. Pas même au XXe siècle, comme cette œuvre de Max Beckmann, datée de 1930 et qui nous montre un vanité avec un langage d'avant-garde.

Trois bougies reposent sur une table. Deux d'entre eux sont toujours en fonction; le troisième a été abattu et s'est éteint. Le miroir situé contre le mur reflète de manière troublante le feu des deux survivants: volonté de vouloir prolonger la vie contre toute loi naturelle? La composition hétéroclite produit un effet claustrophobe qui accentue le sentiment d'agitation et de désespoir.

10. La persistence de la mémoirede Salvador Dali (1931)

Les célèbres horloges fondues de Dalí trouvent leur expression maximale dans cette œuvre. Pour reprendre les mots du génie lui-même, ils sont le "camembert du temps", par rapport à leur consistance flasque, comme du fromage fondu.

La toile (en couverture) fait partie de la célèbre méthode, établie par Dalí, qu'il qualifiait lui-même de "critique paranoïaque", à travers lesquels l'artiste capte des visions et des jeux optiques qui trompent et confondent le spectateur. Dans le tableau qui nous concerne, le temps a perdu tout sens: réalité et rêve se mêlent, comme dans un rêve. Disséminées dans le paysage, mornes comme dans un cauchemar, des horloges à moitié usées apparaissent; sur la gauche, les fourmis affluent vers la seule horloge qui semble garder sa forme. Au centre du tableau, un visage étrange aux longs cils semble symboliser le déclin de la mort. Dans Persistencia de la memoria, le temps est bouleversé et acquiert un nouveau sens.