Luis Buñuel: principaux films et étapes du génie du cinéma espagnol

Luis Buñuel a été l'un des cinéastes les plus particuliers de la scène cinématographique. Son langage filmique et sa manière d'appréhender le cinéma ont servi de référence aux grands réalisateurs à travers l'histoire.

Dans presque toute la filmographie du réalisateur aragonais, vous pouvez voir des traits de sa personnalité. Son cinéma parle d'une personne anticonformiste avec son temps et très critique des conventions bourgeois et religieux, ce qui l'a même conduit à quitter son pays natal et à lutter contre la censure des moment.

Son travail vise à ouvrir les yeux d'un spectateur conformiste, remettant en cause l'ordre social établi et mettant à l'honneur des questions telles que la société, la famille. la religion, la bourgeoisie ou la politique, tout cela sans manquer d'allusions au monde des rêves et au monde intérieur de l'individu, thèmes qui ont toujours été obsédé.

Il ne fait aucun doute que le cinéma de Luis Buñuel a marqué une grande étape dans l'histoire du cinéma. Le réalisateur a utilisé l'art cinématographique comme une sorte de toile sur laquelle il a capturé toutes les préoccupations qui se sont produites dans son monde intérieur.

Buñuel a fait quelque chose que très peu de cinéastes de l'époque pouvaient accomplir: faire en sorte que les générations futures héritera de leur cinéma et, malgré le temps qui passe, qu'il parvient à continuer à émouvoir les consciences et à faire réfléchir.

1. Scène surréaliste

Au milieu des années 1920, Buñuel se rend à Paris. Il y partage des idées avec différents artistes de l'époque et, sans le vouloir, entretient son premier contact avec le courant surréaliste lorsqu'il rencontre André Breton.

Plus tard, il fait partie du groupe surréaliste, avec lequel il sympathise et porte le courant à son expression maximale dans le médium cinématographique avec le film Un chien andalou (1929).

Un chien andalou (1929)

Il s'agit de votre début en tant que réalisateur qui a écrit avec Salvador Dalí. Il est considéré comme l'une des plus grandes œuvres surréalistes de l'histoire du cinéma. En 1929, il est créé à Paris au Etude des Ursulines et a causé une grande controverse pour les critiques de l'époque.

C'est un film qui invite le spectateur à entrer dans le monde des rêves, laissant de côté la réalité. Elle va au-delà de là où nos sens ou notre raison nous guident. L'irréalité règne, ouvrant la porte à un récit illogique. Ce qui le rend ouvert à différentes interprétations.

Dès le premier instant, le film est déjà choquant. Un homme (Buñuel) apparaît sur un balcon en train d'affûter un rasoir et, ensuite, on voit comment il coupe l'œil d'une femme. C'est l'une des scènes les plus célèbres du film.

A partir de ce moment, le film est plongé dans un authentique jeu de plans qui, bien que apparemment ils ne veulent rien dire, ils parviennent à générer des sensations chez le spectateur grâce à un magnifique montage.

Dans la plupart des cas, il l'utilise enchaîné. Un exemple frappant est celui où des fourmis émergent de la main du cavalier et se transforment soudainement en poils des aisselles d'une femme, puis en hérisson.

Il rompt aussi avec la linéarité grâce à l'utilisation incohérente d'intertitres qui, plutôt que de guider le spectateur, tromper: « Il était une fois », « Huit ans après », « Vers trois heures du matin », « Seize ans avant » et « En printemps".

Au fil des ans, différentes interprétations du film ont été tirées, bien qu'aucune ne soit totalement exacte. Buñuel lui-même l'a décrit :

Le film n'est rien de plus qu'un appel public à l'assassinat.

La réalité est que, bien qu'il n'ait jamais réussi à expliquer la raison de ce film, il y a des éléments sous-jacents qui vont maintenir tout au long de sa carrière, comme, par exemple, son obsession de la mort, le monde des rêves et la subconscient.

Cependant, même si toute analyse du film peut être valable, Un chien andalou essaie de laisser une impression sur le récepteur de sorte que lorsqu'il se souvient du film, il n'essaye pas de rechercher une intrigue, mais essaie plutôt de décrire les émotions qu'il a vécues lors de son visionnage.

L'age d'Or (1930)

Au début des années 30, Buñuel crée son deuxième film surréaliste, cette fois avec le son et la langue française. C'est une œuvre inédite et unique qui a été financée par le Vicomte de Noailles, membre de l'aristocratie. Le lancement du film a entraîné le scandale et l'interdiction de sa projection par le gouvernement français.

Buñuel y révèle une critique des coutumes et traditions de la société bourgeoise de l'époque. Le réalisateur lui-même a décrit le film comme :

L'instinct sexuel et le sens de la mort forment l'essence de ce film. C'est un film romantique fait avec une frénésie surréaliste.

C'est la lutte de deux amants pour continuer leur amour passionné dans une société dominée par des règles. Il ne fait aucun doute que le film est une exaltation de l'amour fou, absolument gratuit et est surtout une plainte contre tous ces facteurs qui interrompent son développement, généralement les conventions de la société bourgeois.

La narration, qui commence par un documentaire sur la vie des scorpions, attire l'attention dès le premier instant. Peut-être que l'inclusion d'images enregistrées en 1912 n'est pas accidentelle, si l'on tient compte du fait que Buñuel vivait obsédé par les insectes.

Plus tard, des criminels tentent de s'échapper de leur cabane pendant qu'un groupe d'évêques effectue une sorte de rituel devant la mer et finalement ils apparaissent morts sur la plage.

Un groupe de personnes arrive dans un bateau pour vénérer les âmes des évêques. La cérémonie est interrompue par le bruit des amants, un homme et une femme, qui laissent libre cours à leur amour sur la plage. L'homme est finalement arrêté.

A partir de ce moment, le film tourne autour de la femme, qui vit dans une maison aisée et essaie de satisfaire ses désirs sexuels face à l'obstacle de la société qui l'entoure.

Son analyse la plus critique vient avec l'insertion de plans restés dans la mémoire des spectateurs. Par exemple, l'image des évêques momifiés, le protagoniste suçant le gros orteil d'une statue ou une vache perchée sur un élégant lit bourgeois.

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2. Étape de la deuxième République espagnole

Le scandale provoqué par Âge d'or, fait comprendre à Holywood que Buñuel pourrait être "une mine d'or" pour l'industrie cinématographique. C'est pourquoi, en 1931, il traverse l'Atlantique attiré par une offre de Metro Goldwyn Mayer. Ils entendent l'introduire dans le système cinématographique là-bas; Cependant, les différentes moqueries et grossièretés de Buñuel envers des postes élevés dans l'industrie le ramènent en Espagne.

Terre sans pain (1933)

Peu de temps après son retour, il tourne le documentaire Terre sans pain avec l'argent d'un lot de loterie. Il vise à refléter la vie de Las Hurdes (Estrémadure), où la situation était vraiment dramatique, bien que Buñuel l'exagère un peu plus.

Le film montre des images de la région comme un voix off il commente ce qui y apparaît. Il commence par une infographie de situation, dans laquelle une carte de l'Europe apparaît et se rapproche progressivement en Zoom et il indique le point exact dont il va parler. Tandis qu'une voix raconte :

Dans certaines parties de l'Europe, il existe des foyers de civilisation presque paléolithique. En Espagne, à 100 km de Salamanque, haut lieu de culture, Las Hurdes est isolée du monde par des montagnes d'accès difficile (...)

Le film est comme la propre promenade de Buñuel à travers la région, le spectateur voit ce que ses yeux voient. Essayez d'enseigner la vie des gens là-bas d'une manière "neutre". Il montre la pauvreté, la maladie, les enfants et la malnutrition.

Le ton exagéré du narrateur est frappant lorsqu'il décrit ce qu'il voit, parfois suspect d'être réel. Un exemple clair est lorsqu'il décrit une femme avec un goitre qui, selon le narrateur, a 32 ans, bien que cela semble incroyable.

Ce que Buñuel entend avec ce film, c'est provoquer au point de mettre une population à l'honneur qui vit dans des conditions misérables, malgré sa proximité avec des lieux évolués et cultivé.

D'autre part, le réalisateur veut faire connaître l'Espagne la plus rurale et rétrograde de l'époque, à une époque de développement supposé, oubliée des politiques et des dirigeants.

En outre, cela montre l'hypocrisie de l'Église, lorsqu'elle compare un lieu chrétien dans lequel les paysans vivent dans des maisons détériorées avec la richesse qu'il possède.

Enfin, le gouvernement républicain a interdit le film, estimant qu'il donnait une mauvaise image de l'Espagne. Cependant, cela n'a pas empêché Buñuel de le commercialiser plus tard au-delà des frontières.

3. Stade de l'exil: Mexique

Avec le début de la guerre civile, Buñuel, qui était resté fidèle au camp républicain, dut s'exiler. Il émigre d'abord en France, où il réside un temps, puis il retourne à Hollywood. Après un séjour en Amérique du Nord, il se rend au Mexique avec l'intention de filmer une adaptation cinématographique de l'œuvre. La maison de Bernarda Alba de Lorca et, bien que ce ne fut pas finalement fait, il décida de s'y installer.

C'est en 1949, au Mexique, qu'il décide de reprendre sa carrière de réalisateur, qu'il avait laissée stagner avec le début de la guerre. Dans cette période sont tournés certains des films les plus importants de la filmographie de Buñuel. Parmi eux se trouvent :

Les oubliés (1950)

Dans ce film, le réalisateur révèle une fois de plus sa préoccupation pour les problèmes sociaux. Comme pour le documentaire Terre sans pain, Il commence par souligner que sous l'ombre de la richesse des grandes villes se trouvent les quartiers les plus pauvres et les plus défavorisés.

Cette fois, au lieu de poser les yeux sur son pays d'origine, il réfléchit aux bidonvilles de Mexico. Et cela revient à focaliser l'attention sur la population la plus vulnérable: les enfants.

L'intrigue tourne autour de Jaibo, un adolescent qui s'échappe d'une maison de correction et retourne dans son quartier. Quelques jours plus tard, il commet un meurtre devant son ami Pedro, un garçon qui essaie d'être bon. À partir de cet événement, Jaibo égare Pedro et leurs destins sont tronqués.

Ce film est un hymne à la dure réalité. La cruauté avec laquelle des problèmes tels que le machisme et l'alcoolisme sont présents dans la société qu'il reflète est surprenante.

En revanche, la vision que les enfants ont de l'école est remarquable, c'est pour eux comme une punition. Lorsque Pedro va à l'école pour apprendre un métier, il pense qu'il va perdre sa liberté, assimilant l'école à une prison.

Elle révèle aussi l'ignorance de la population, qui reste attachée aux croyances populaires. Par exemple, une femme malade pense qu'elle va être guérie par un pigeon.

Le cinéaste ne manque pas non plus l'occasion d'explorer le monde des rêves et le fait à travers le personnage de Pedro. La technique de ralentissement qu'il utilise pour décrire le monde onirique de l'enfant, où il montre les préoccupations du personnage, est frappante.

Ce que Buñuel et Luis Alcoza, scénaristes du film, entendent montrer dans ce récit, c'est l'hypocrisie qui existe entre les deux faces d'une même pièce. D'une part, l'évolution et la richesse du centre d'une grande ville, avec une population aisée. De l'autre, une périphérie pauvre où prévalent le crime, la pauvreté et l'involution, des problèmes qui restent dans l'ombre du système politique.

Avec un estomac plein, nous sommes tous mieux.

La réaction après la première du film à Mexico n'a pas été du tout amicale. Bien qu'elle soit plus tard reconnue au Festival de Cannes et nommée Mémoire du monde par l'Unesco.

Il (1952)

Il s'agit d'un film tourné en 1952 d'après le livre du même nom de l'écrivain espagnol Mercedes Pinto. Il raconte l'histoire de Francisco, un homme de haute naissance qui est obsédé par l'amour de Gloria, la petite amie de son ami.

Finalement, les amants finissent par se marier et leur mariage se transforme en enfer à cause de la jalousie et des obsessions du protagoniste.

Dans ce mélodrame, deux ingrédients fondamentaux apparaissent également dans les films de Buñuel: l'église et la haute société. C'est dans un environnement ecclésiastique que commence la narration, lors de la célébration du Jeudi Saint. Là, les protagonistes vont se rencontrer, tous deux de la classe aisée.

Bientôt l'un des concepts fondamentaux qui gagnera en importance lors du visionnage du film apparaît: la paranoïa. Comme s'il s'agissait d'une étude sur un animal rationnel, le réalisateur « décortique » l'esprit du personnage principal. Et c'est que, en tant que spectateurs, nous sommes témoins de la " Le voyage de Francisco vers le délire à travers la réalité subjective et la recherche de sa propre perception de la réalité.

Vous pouvez également voir une confusion entre les concepts d'amour et d'obsession. Il y a une nette soumission de la part de Gloria envers son mari au début, voire une sorte de "tolérance toxique" envers son comportement.

Petit à petit, Francisco commence à croire que tout ce qui se passe joue contre lui et pense que sa femme Elle est infidèle à tout homme qui l'approche, allant même jusqu'à la maltraiter physiquement et psychologiquement.

D'autre part, on peut observer comment la société de l'époque justifie ce comportement de l'homme envers la femme lorsque Francisco manipule sa belle-mère et le prêtre avec ses délires. Celles-ci impliquent que la jeune femme doit satisfaire les caprices de son mari. Le prêtre qualifie même son comportement de « léger ».

Buñuel ne laisse pas non plus de côté son obsession pour les animaux qui, bien qu'ils n'apparaissent pas explicitement, Ils le font à travers le discours du protagoniste alors qu'il est sur la tour du Clocher. Dans ce document, il assimile les humains à des vers.

Il c'est peut-être l'un des films les plus personnels de la filmographie du réalisateur ou du moins c'est ainsi qu'il l'a montré à l'occasion, assurant que "c'est peut-être le film où j'ai le plus mis. Il y a quelque chose de moi dans le protagoniste."

C'est, sans aucun doute, une critique de la mentalité de la société de l'époque, fondée sur des conventions et des croyances ancrées dans les idées religieuses. Un film qui, même s'il n'a pas eu autant d'impact que les autres films du réalisateur, ne laisse personne indifférent.

Essai d'un crime (1955)

Essai d'un crime C'est aussi une adaptation d'un roman, cette fois de l'écrivain mexicain Rodolfo Usigli. Cette histoire, à la clé de l'humour noir, tourne autour du personnage d'Archibaldo, un enfant gâté issu d'une famille aisée, qui vit obsédé par la boîte à musique de sa mère.

Sa gouvernante lui raconte une histoire liée à la boîte, dans laquelle il avoue qu'elle a le pouvoir d'exaucer des vœux. De cette façon, l'enfant veut que sa nounou meure et elle est victime d'un coup de feu.

A partir de ce moment, tout ce qui arrivera à Archibaldo, en tant qu'adulte, tournera autour de cet événement, puisqu'il pense que ses souhaits ont été accordés par la case et plaide coupable, devant un juge, de la vague de crimes qu'il aurait lui-même déchaîné.

Le film commence par contextualiser l'histoire de la révolution mexicaine comme un voix off, celui du protagoniste adulte, décrit son enfance et comment, depuis un événement qui s'est produit à cette époque, sa vie a été conditionnée depuis. À ce moment-là, il nous présente l'élément catalyseur de l'histoire: la boîte à musique.

Cet objet va déclencher un changement dans sa vie d'enfant, avec le meurtre de sa nounou, et plus tard à l'âge adulte lorsqu'il récupère la boîte chez un antiquaire. Il est intéressant de voir comment leur son va enchaîner les événements du passé et du présent.

L'utilisation d'une structure circulaire fait démarrer le film à partir d'une scène, quand Archibaldo avoue ses crimes allégués devant un juge après la mort d'une religieuse, et y revenir vers la fin de la film. Le reste de l'histoire est raconté à travers flash-back.

Le rôle joué par l'imaginaire du personnage est fondamental, la fine ligne qui existe entre le désir du protagoniste et la coïncidence des événements, qui aboutissent finalement à une « histoire de fou ".

Archibaldo désigne l'objet comme le coupable d'avoir réveillé son instinct criminel jusqu'à ce que, finalement, il se débarrasse de la boîte en la jetant dans un lac, comme s'il était ainsi débarrassé de sa psychopathie.

Comme dans d'autres films de cette période buñuelienne, une critique sévère est faite de la société bourgeoise, presque tous les personnages sont liés à cette classe sociale, et aussi à l'Église.

Viridiana (1962)

Basé sur le roman Halma de Galdós, ce film était une trêve à l'exil de Buñuel. Bien qu'il s'agisse d'une coproduction hispano-mexicaine, le réalisateur s'est rendu dans son pays natal pour le tourner.

Finalement, il a suscité de vives critiques de la part du Vatican, qui l'a qualifié de blasphématoire, et le régime franquiste l'a interdit pendant quinze ans en Espagne.

Le film raconte l'histoire de Viridiana, une novice qui quitte le couvent pour rendre visite à son oncle Don Jaime, un riche propriétaire terrien.

Bientôt, l'homme tente de violer la jeune femme, fantasmant sur la grande ressemblance qu'ils ont avec sa défunte épouse.

Bien qu'il se repente finalement et n'exécute pas l'acte, il finit par se suicider prisonnier de sa conscience.

Après cet événement, Viridiana hérite des biens de son oncle et, bien qu'elle ne retourne pas au couvent, elle décide de prêcher le bien en accueillant un groupe de mendiants dans la maison. Mais sa charité finit par le conduire au mal.

À une certaine occasion, Buñuel lui-même a qualifié le personnage principal de :

Viridiana est une sorte de Quichotte avec une jupe.

D'une certaine manière, on peut voir Viridiana comme un personnage faible et passif qui, au début du film, se déplace en fonction des décisions des autres. Mais, petit à petit, la protagoniste évolue au gré des événements qui lui arrivent et devient finalement un personnage plus mature et moins influent.

Une fois de plus l'église est un élément à juger dans ce film. Tout au long de celui-ci, différentes représentations du monde ecclésiastique apparaissent. La représentation maximale est donnée par la main de Viridiana, une religieuse potentielle et croyante. D'autres éléments religieux qui apparaissent sont: la couronne de pointes et un couteau en forme de crucifix. Bien que l'un des moments les plus significatifs soit peut-être lorsqu'on essaie de cloner la peinture de Le dernier repas par Léonard de Vinci.

Ce travail de Buñuel met également en évidence l'amélioration de l'esthétique photographique. Par rapport aux films précédents, les images de celui-ci sont plus nettes et plus soignées.

Viridiana ce n'était pas seulement un film d'un autre réalisateur. Bien qu'il s'agisse d'une tentative infructueuse de re-tourner dans son pays et d'un sujet de vives critiques, c'était aussi l'un des films les plus vénérés du réalisateur lorsqu'il est devenu le gagnant du Palmier d'or au Festival de Cannes.

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L'ange exterminateur (1962)

Après une brève période en Espagne, Buñuel retourne au Mexique pour continuer à tourner des films. En 1962, il crée L'ange exterminateur, dans lequel il enquête à nouveau sur la vie bourgeoise.

L'intrigue tourne autour d'une réunion de la haute bourgeoisie qui s'est tenue dans le luxueux manoir du couple Nóbile. Après un long dîner, au moment de rentrer chez eux, les invités découvrent que, pour des raisons inconnues, ils ne peuvent pas quitter la pièce. Ils y passent plusieurs jours et la situation passe d'un dîner luxueux à un combat pour la survie.

Le surréalisme règne en maître dans ce film où le spectateur, comme les personnages, se demande: pourquoi ne peuvent-ils pas sortir de chez eux ?

Personne ne le sait, ni le spectateur ni les personnages. L'élément catalyseur qui soulève des soupçons sur ce qui a pu se passer est la fuite soudaine des serviteurs du manoir Nóbile. Cependant, le mystère ne sera jamais découvert.

La plupart des discours se déroulent au même endroit, ce qui donne au spectateur l'impression qu'il a perdu son notion de temps si ce n'est pour les dialogues, le changement d'apparence des personnages, ou l'horloge qui apparaît en arrière-plan en compté occasions.

Une lecture anti-bourgeoise peut être extraite du film, elle montre le vrai visage de la classe aisée.

Au début de l'histoire, lorsque la fête commence, ils se cachent tous derrière une façade d'hypocrisie et ont des conversations sans substance entre eux mais, comme dans un télé réalité En cause, peu à peu chacun d'entre eux montre sa personnalité.

On découvre que lorsqu'ils sont soumis à une situation "extrême", ce sont encore des animaux avec un instinct de survie. C'est alors qu'ils se dépouillent d'ornements et de richesses pour montrer qu'ils ne sont plus que n'importe qui d'autre.

4. Dernière étape: France

La dernière phase de sa carrière cinématographique se déroule en France. Là, il a déménagé et a eu plus de ressources et de moyens pour enregistrer certaines des œuvres qui l'ont conduit au sommet du septième art.

Belle de jour (1967)

Belle de jour Il est basé sur le roman Belle de Jour 1928 par l'écrivain Joseph Kessel. Il s'agit d'une critique claire mais subtile de la haute société contemporaine, où le surréalisme typique du cinéma buñuelien est à nouveau retrouvé.

L'histoire raconte la vie de Séverine, une jeune fille mariée à un médecin et incapable d'avoir des relations en raison d'un traumatisme infantile. C'est pourquoi il décide de se transformer pour quelques heures en Belle de Jour, une prostituée, et mène une double vie en secret bien que, finalement, elle soit découverte par un ami de son mari.

Une jeune Catherine Deneuve incarne Séverine, personnage ambigu et distant avec qui il s'avère difficile à comprendre, qui vit dans un environnement bourgeois dans lequel la froideur des relations se montre personnel. Un jour, elle décide de quitter cette « vie ennuyeuse » pour devenir, pour quelques heures, une autre femme dans un bordel.

À travers le protagoniste, Buñuel explore à nouveau le monde de la fantaisie à travers des scènes qui font partie du monde imaginaire du personnage, même si cela soulève des doutes chez le spectateur quant à leur réalité ou non, entre ce qui est fantasme ou réalité. C'est drôle comme presque toujours dans les fantasmes de Séverine elle est humiliée par son mari.

D'autre part, le thème traité dans le film implique la mise au jour de nombreux sujets tabous à l'époque, comme la prostitution, ici ramenée au royaume de la haute société. Bien qu'il le traite d'une manière très subtile.

C'est peut-être l'un des films les plus techniques du réalisateur, compte tenu du traitement des couleurs en photographie et de l'utilisation de cadres attrayants. L'esthétique du film dénote la maturité cinématographique du cinéaste dans sa dernière étape.

Malgré la controverse suscitée par le thème audacieux du film, il lui a valu de remporter le Lion d'or à la Mostra de Venise.

Le charme discret de la bourgeoisie (1972)

Le charme discret de la bourgeoisie C'est l'un des derniers films de Buñuel et celui qui l'a conduit à être le premier réalisateur espagnol à remporter l'Oscar dans la catégorie du meilleur film étranger.

Il y revient, pour avoir la bourgeoisie française en toile de fond. Entre comédie et absurdité, l'intrigue s'articule autour de six personnages, trois couples, qui, pour des raisons différentes, voient leurs intentions d'aller dîner tronquées.

Ce film innovant et révolutionnaire à l'époque pourrait parfaitement avoir l'attribut de "intemporel", puisque son argument pourrait être extrapolé au présent, il continue d'impacter le spectateur Aujourd'hui.

Comme dans le film L'ange exterminateur, fait une radiographie de la bourgeoisie dans son ensemble. Il la dépeint comme une classe sociale qui essaie toujours de maintenir la forme, l'élégance et les bonnes manières, même dans les situations les plus absurdes.

C'est un film amusant dans lequel il ne focalise pas l'attention sur un seul personnage, mais ouvre plutôt la voie à un rôle choral ambigu et sans évolution des individus.

Le rôle principal du groupe se reflète également dans la technique, ce qui justifie le peu d'utilisation des gros plans, donnant prédominance à des cadres plus larges dans lesquels les acteurs eux-mêmes développent une magnifique « chorégraphie » au sein du même.

Buñuel ne laisse pas non plus derrière lui le monde des rêves et la difficulté de distinguer le monde du rêve du monde réel. Il prend des risques et va plus loin, présentant même des rêves dans un autre rêve.

Ce bijou cinématographique, baigné d'ironie et de satire, laisse la porte ouverte au spectateur à différentes interprétations, et son visionnage ne laisse personne indifférent.

Brève biographie de Luis Buñuel

Luis Buñuel est un cinéaste espagnol né en février 1900 dans une petite ville aragonaise. Il y a passé son enfance et a ensuite déménagé à Saragosse où il a étudié avec ses frères dans les écoles religieuses.

Quand il a étudié au lycée, il a découvert le livre L'origine des espèces (1859) par Darwin, ce qui l'amène à changer sa conception de la religion. A ce stade, naît également son intérêt pour l'entomologie, qui, avec le fait religieux, deviendra l'une de ses grandes obsessions et conditionnera son travail cinématographique.

En 1917, il s'installe à Madrid avec l'idée d'étudier le génie agricole, bien qu'il n'ait finalement pas réussi à accéder à la faculté. Dans la capitale, il vit dans "The Student Residence", centre Krausista, où il rencontre certains des artistes d'avant-garde les plus en vue de l'époque, les soi-disant La génération des 27: Ramón Gómez de la Serna, Rafael Alberti, Federico García Lorca et Salvador Dalí, avec qui il entretient une amitié étroite.

Il a passé sept ans au centre étudiant et a changé d'études à différentes reprises, jusqu'à finalement s'inscrire en philosophie et lettres. Son passage dans la capitale a conditionné sa carrière puisque, grâce à son intérêt pour l'avant-garde, il a forgé les bases qui expliqueraient sa manière d'appréhender le cinéma.

Filmographie complète de Buñuel

• Un chien andalou, 1929
• L'age d'Or, 1930
• Las Hurdes, 1933
• Grand Casino, 1947
• Le grand crâne, 1949
• Les oubliés, 1950
• Suzanne, 1951
• La fille de la tromperie, 1951
• Une femme sans amour, 1952
• Montée au ciel, 1952
• La brute, 1953
• Il, 1953
• Illusion voyage en tram, 1954
• Robinson Crusoë, 1954
• Essai d'un crime, 1955
• La rivière et la mort, 1955
• C'est l'aurore, 1956
• Mort dans le jardin, 1956
• Nazarin, 1959
• L'ambitieux, 1959
• La jeune, 1960
• Viridiana, 1961
• L'ange exterminateur, 1962
• Journal d'une serveuse, 1964
• Simon du désert, 1965
• Belle de jour, 1967
• La voie Lactée, 1969
• Tristana, 1970
• Le charme discret de la bourgeoisie, 1972
• Le fantôme de la liberté, 1974
• Ce sombre objet de désir, 1977