Impressionnisme: caractéristiques, œuvres et artistes les plus importants

Le mouvement impressionniste représente un tournant dans l'histoire de la peinture occidentale. Bien qu'il ne puisse pas être qualifié d'art d'avant-garde, on peut dire que l'impressionnisme a ouvert la voie à ce que certains experts appellent « La volonté différenciatrice du style » chez les artistes qui, enfin, ont rendu possible la germination de l'esprit d'avant-garde (Pierre Francastel).

Vers 1867, le peintre Edouard Manet expose ses toiles scandaleuses à la salle des Rejetés à Paris Olympie Oui Déjeuner sur l'herbe, car le jury ne l'a pas trouvée digne du Salon Officiel, comme l'œuvre de près de trois mille artistes.

D'autres artistes comme Claude Monet, Edgar Degas ou Pierre-Auguste Renoir avaient également été systématiquement rejetés. Ils avaient tous quelque chose en commun: ils étaient convaincus qu'ils avaient quelque chose de nouveau à montrer et que leur point de vue était précieux. Mais que proposaient-ils et qu'est-ce qui les rendait si importants ?

Un nouveau look

Des artistes tels que Monet, Renoir, Berthe Morisot, Guillaumin, Degas, Sisley ou Pissarro, parmi tant d'autres, partageaient des valeurs et des principes plastiques communs. Pour commencer, ils proposaient un art citoyen par excellence.

Alors que l'industrialisation avançait et que les villes européennes se modernisaient, les juges du Salon Officiel de Paris ils étaient encore attachés à des thèmes pré-modernes: les paysages pastoraux, le monde végétal, les grandes mythologies historiques, etc.

Les impressionnistes, d'autre part, ont reconnu la ville moderne comme un paysage, car ils ont compris que les changements historiques affectaient également la fonction de l'art.

Par exemple, si avant les gens devaient avoir beaucoup d'argent et de temps pour commander un portrait, maintenant, avec l'invention du photographie, qui était possible en quelques minutes et à très faible coût, avec l'avantage que l'image pouvait être jouer.

Ces artistes insatisfaits se demandaient: un art qui « documente » à peine le monde des idées anciennes et dont le langage n'évolue pas sera-t-il encore viable? Un art qui se borne à représenter la nature à la perfection sera-t-il utile? Représenter, c'est photographier! Bien sûr, l'art peut faire bien plus que cela! C'est une question de point de vue, diront-ils.

Tout d'abord, les impressionnistes ont profité du fait que la photographie était en noir et blanc. Plus tard, certaines avancées industrielles ont facilité certaines transformations dans les modes de production de l'art. Par exemple, grâce à l'industrialisation, les artistes ont pu avoir des peintures à l'huile dans des tubes, leur permettant de sortir peindre sans craindre que la peinture ne se dessèche.

En travaillant tranquillement à l'air libre, ils ont jeté leur dévolu sur la représentation de phénomènes lumineux magnifiques mais instantanés qui nécessitaient de la vitesse pour attrapez-les sur la toile: un coucher de soleil, le reflet de la lumière sur l'eau, la façon dont l'éclairage change la couleur des choses, etc.

Ainsi, ils commencent à développer une nouvelle technique qui deviendra une véritable école picturale, centrée sur la lumière et la couleur. Voyons quelles sont ces techniques et caractéristiques qui définissent l'impressionnisme.

Caractéristiques de l'impressionnisme

Les impressionnistes considéraient la réalité comme un devenir constant et non comme être terminer. Pour ces artistes, les choses ne sont pas ils sont; simplement, les choses semble être.

Par conséquent, ils se sont ouverts à la perception sensorielle de l'instant, de l'instant unique qui devait être enregistré immédiatement et rapidement. Parmi les éléments caractéristiques de l'impressionnisme nous avons :

La lumière comme intérêt fondamental

Les impressionnistes ont établi comme point fondamental l'étude de la lumière à travers la technique picturale. Ils ont compris que les couleurs n'étaient pas une propriété des objets, mais le résultat de la réfraction de la lumière sur la matière.

Jusqu'à présent, la lumière avait été étudiée dans l'art comme symbole de divinité ou de connaissance (art gothique), ou comme élément plastique pour obtenir des volumes définis et des représentations réalistes et naturalistes (Renaissance, classicisme).

Les impressionnistes font de la lumière elle-même le centre d'intérêt et se concentrent donc sur la représentation de ses effets. C'est-à-dire qu'ils étudient la lumière en tant que phénomène: son comportement, son évolution dans l'instant, la façon dont elle interagit avec les objets. Ainsi, toutes les techniques et caractéristiques qu'ils ont développées suivent cette fondation. Cela sera évident dans les points suivants.

Nouveaux cadres et points de vue

De nombreux artistes impressionnistes ont exploré des angles, des perspectives et des cadrages jamais vus auparavant dans la peinture. La photographie suivait alors l'esthétique classique de la Renaissance, mais il est vrai que de nouvelles approches et angles commençaient déjà à émerger. Séduits par ces possibilités, les impressionnistes rompent avec les cadrages classiques, frontaux et symétriques, et optent pour des angles de peinture inattendus.

De plus, les impressionnistes se sont intéressés aux moments qui passent inaperçus ou aux scènes qui restent cachées aux yeux des spectateurs, comme cet exemple d'Edgar Degas. Dans l'image ci-dessus, nous voyons comment Degas représente une répétition de ballet sur scène depuis la fosse d'orchestre, comme l'accuse le riso d'une contrebasse dans le coin inférieur gauche.

Abandon du dessin correct

Un dessin parfaitement tracé devient peu pratique pour les impressionnistes. Beaucoup d'entre eux vont éliminer le trait et projeter les volumes des formes en les coloriant directement, ce qui révèle une grande maîtrise.

D'autres, comme Tolouse-Lautrec ou Edgar Degas, continueront à utiliser la ligne, mais ce ne sera plus une ligne définie et nette, mais plutôt avec un rythme un peu nerveux, avec des révisions et des impressions soudaines.

Superposer les couleurs sur la toile

Désormais, les impressionnistes ne sont pas obligés de mélanger les couleurs sur la palette. En fait, beaucoup se libèrent de ce passage et sortent à l'air libre à la recherche de phénomènes lumineux. Influencés par les théories optiques, les impressionnistes mélangent les couleurs directement sur la toile.

Ils le font en utilisant deux techniques: soit ils mélangent une couleur sur l'autre, soit ils ont une couleur primaire. côte à côte de sorte que, vue à distance, la vibration entre les deux génère la perception de la couleur secondaire. Cela demande une certaine complicité du spectateur.

Voir également Claude Monet et ses oeuvres.

Coups de pinceau, coups de pinceau et points

Si le but est de superposer les couleurs le plus rapidement possible pour capter l'effet fugace de la lumière, mieux vaut économiser sur les détails. Ainsi, les impressionnistes préféreront coups de pinceau directs, plusieurs fois avec coups épais ou avec coups de pinceau. Ils utiliseront également la superposition de points pour créer une pâte avec du volume.

Absence de finitions et suppression de détails au profit de l'ensemble

Les phénomènes lumineux étant circonstanciels et brefs, les peintres impressionnistes doivent supprimer les détails, si admirés dans l'art du passé, pour favoriser l'observation de l'ensemble.

Toutes ces techniques font que le travail manque de finitions fines; les lignes sont laissées ouvertes, les textures poreuses, et les lignes, lorsqu'elles existent, décousues ou revues.

Il y a là aussi un jeu psychologique: la perception s'achève dans le cerveau du spectateur qui, malgré de ces détails, il parvient à enregistrer dans son cerveau une image délimitée, chaque fois qu'il regarde l'œuvre dans son ensemble.

Sujets occasionnels ou sans importance

L'art antérieur à l'impressionnisme, et même d'autres mouvements parallèles, insistaient sur la représentation d'un contenu transcendant comme justification de la valeur du travail artistique. Chaque femme nue était une Vénus, jamais une femme simple. La mort devait être héroïque ou transcendante; le paysage, un rêve d'autrefois; sentiments personnels, un drapeau à défendre; la pauvreté, un enjeu à dénoncer.

Les impressionnistes laissent ce monde derrière eux et reconnaissent la réalité qu'ils ont sous le nez: pour l'impressionnisme, une femme nue était une femme nue.

Par exemple, Olympie C'était un tableau de Manet inspiré du célèbre Vénus d'Urbino, peint par Titien au XVIe siècle, mais les attributs de Vénus ont été échangés contre les attributs d'une prostituée. Et quel scandale! Cela lui a presque coûté la censure des tableaux Olympie Oui Déjeuner sur l'herbe à Manet.

De plus, la ville, déjà modifiée par le paysage industriel, devient aussi digne d'être représentée, ainsi que tout ce qu'elle contient: les gens, les les gares, les fêtes, les repas, la vie de bohème, le parc, les répétitions, la fosse d'orchestre, les courses hippiques, les jeux d'argent, les boulevard…

Mais en réalité, ils ne le font pas pour honorer eux-mêmes ces problèmes. Ils le font pour entériner l'importance de l'art et du langage plastique en matière de représentation. Tout sujet pour eux est une excuse pour une bonne peinture. Ce n'est pas le thème qui fait l'importance d'une œuvre: c'est la manière de la représenter. Avec cela, les impressionnistes avancent sur la voie de l'autonomie de l'art.

Des rejetés aux impressionnistes: origine du terme

Les artistes qui peignaient de cette manière partageaient entre eux nombre de leurs réflexions et se sentaient faire partie d'un collectif. Ils privilégiaient l'originalité à la perfection. De plus, ils exigeaient un spectateur audacieux, complice, prêt à partager un nouveau point de vue.

Mais cette génération des soi-disant « impressionnistes » a dû faire face au rejet, étant la première à remettre ouvertement en question le tradition picturale fondée sur le respect de dessin défini, la profondeur spatiale, les clair-obscur et certainement le sujets transcendants (historiques, mythologiques, religieux, littéraires et portraits de grandes personnalités).

Bien sûr, il y avait des thèmes un peu plus légers au 19ème siècle. La tradition des scènes de coutumes, des natures mortes, des paysages pastoraux et marins est longue. Mais à cette époque, pour qu'une œuvre puisse entrer au Grand Salon Officiel de Paris, il fallait qu'elle corresponde aux grands thèmes et aux valeurs plastiques actuelles.

La salle officielle existait depuis le XVIIIe siècle et était la plate-forme la plus importante pour promouvoir la consécration des artistes. Tous ont concouru pour mériter d'apparaître dans la salle. Mais les impressionnistes ont été systématiquement rejetés.

En 1863, le jury du Salon Officiel de Paris avait rejeté un tel nombre d'œuvres qu'un scandale était généré. Devant les plaintes des artistes, qui voulaient que le public parle, le gouvernement français a subventionné une Salle des Rejetés, à laquelle Manet a participé. La catastrophe était telle que le gouvernement n'a plus jamais répliqué l'initiative.

Inspirés par Manet, les nouveaux talents décident de former une société anonyme de peintres, sculpteurs et graveurs, et enfin, en 1874, ils organisent leur propre salle des rejetés. L'exposition s'est tenue dans un espace offert par le photographe Nadar et de nombreuses personnes sont venues par curiosité, mais sans foi.

En effet, le critique Louis Leroy était venu, et s'est particulièrement étonné du tableau de Claude Monet intitulé Impression du soleil levant. Il a ensuite publié une critique dans la presse qui disait :

« En regardant le travail, j'ai pensé que mes lunettes étaient sales. Que représente cette toile..., la peinture n'avait ni raison ni tort... Impression! Bien sûr qu'elle produit une impression... le papier peint à l'état embryonnaire est plus réalisé que cette marine..."

Mécontents, mais avec ruse et élégance, les artistes novices ont assumé la disqualification comme nom du mouvement. Impressionnistes! Oui, nous le serons, et avec grand honneur: impressionnistes !

Et ce qui était d'abord un rejet, est devenu tôt ou tard la plus longue standing ovation de l'art moderne. L'intérêt pour l'impressionnisme atteint un tel degré qu'aujourd'hui ce mouvement aussi éphémère que le couchers de soleil qu'il a peints, possède ses propres musées à Paris: le musée d'Orsay et le musée de la Orangerie.

Mais méfiez-vous! Il est vrai que le mouvement n'a pas duré longtemps, mais son influence est présente dans l'art de la postérité, aussi bien dans l'art européen que dans l'art latino-américain.

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Grands artistes impressionnistes

Nombreux sont les artistes qui donnent le ton au mouvement impressionniste. Dans cette section, nous citerons quelques-uns des plus importants, et qui ont participé à la première exposition :

Edouard Manet (1832-1883)

C'était vraiment un peintre de transition qui n'était jamais tout à fait à l'aise d'être placé dans le mouvement impressionniste, ou du moins pas au début. Cependant, il fut une inspiration fondamentale pour les jeunes peintres, surtout depuis son exposition dans la salle des Rejetés. Parmi ses œuvres célèbres, se démarquer Petit déjeuner sur l'herbe, Olympie Oui Un bar aux Folies Bergère.

Claude Monet (1840-1926)

Le nom du mouvement impressionniste est indirectement dû à Monet. Il a pu réaliser un développement fin et merveilleux des effets de lumière dans toutes sortes de surfaces, telles que sur les nénuphars, l'eau, les atmosphères nuageuses et les textures de la végétation. Parmi ses œuvres les plus importantes, se distingue Impression du soleil levant et la série de nénuphars.

Voir également Claude Monet et ses œuvres: caractéristiques, analyse et sens.

Camille Pissarro (1830-1903)

Il est devenu obsédé par la mise en évidence de la façon dont la lumière transformait n'importe quel paysage en une réalité totalement nouvelle sous les yeux du spectateur. Influencé par ses voyages dans les Caraïbes, où il étudie les effets de lumière sur les côtes du Venezuela, Pissarro a peint ses peintures comme s'il s'agissait d'instantanés, capturant les multiples visages d'une même réalité. Parmi ses œuvres les plus importantes, la série des Boulevard de Montmartre Oui Coucher de soleil à Éragny.

Edgar Degas (1834-1917)

Ce peintre est bien connu pour le développement systématique de sujets tels que les danseurs, les musiciens et les chevaux. En plus de très bien capter les effets de lumière, comme tout impressionniste, Degas s'intéressait beaucoup aux plans innovants et aux instants instantanés ou fugaces. Pour cette raison, il n'a pas accordé d'importance aux « poses », mais aux torsions du corps écartées par la tradition pour « manque d'élégance »: une femme attachant ses chaussures pendant que ses genoux sortent de travers, au moment où un savon tombe dans la baignoire et qu'il faut le soulever, etc. Parmi ses œuvres figurent: Cours de danse Oui Absinthe.

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Berthe Morisot (1841-1895)

C'était une femme éminente dans le mouvement, ce qui n'était pas facile à son époque. Elle réussit à exposer au Salon de Paris en 1864, mais elle rejoint rapidement le mouvement impressionniste. Edourad Manet fut son ami personnel à partir de 1868, date à partir de laquelle Morisot devint un thème récurrent dans sa peinture.

Dès 1873, déjà touché par le style impressionniste, il est rejeté par le jury du salon officiel. C'est ainsi qu'il rejoint la grande exposition du groupe qui donne à chacun la projection professionnelle tant attendue. Parmi ses peintures les plus célèbres, on peut citer Le berceau Oui Eugène Manet sur l'île de Wight.

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

Son style est marqué par la porosité de sa ligne. Il crée des atmosphères aux taches indéfinies, sans contours nets, où les couleurs s'entremêlent et les plans ne se distinguent pas, comme si tout était tissé et tenu par chaque élément. Les scènes qui dépeignent la vie bourgeoise de son temps, les déjeuners, les fêtes, les promenades sont célèbres. Renoir est célèbre pour ses œuvres Danse au moulin de la Galette Oui Le déjeuner des rameurs.

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Autres noms d'importance vitale

Toute liste est généralement injuste. Nombreux sont les noms de peintres impressionnistes fondamentaux dans le développement du mouvement. Nous ne pouvons pas tous les développer, mais au moins pouvons-nous enregistrer tous les noms qui ont participé à la première exposition qui a donné l'impulsion au mouvement.

Outre Manet, Monet, Renoir, Morisot, Pissarro et Degas, dans la première exposition impressionniste on retrouve Alfred Sisley, Paul Cézanne, Gustave Colin, Louis Debras, Armand Guillaumin, Louis Latouche, Ludovic-Napoléon Lepic, Stanislas Lépine, Zacharie Astruc, Antoine-Ferdinand Attendu, Édouard Béliard, Eugène Boudin, Félix Bracquemond, Édouard Brandon, Pierre-Isidore Bureau, Adolphe-Félix Cals, Jean-Baptiste-Léopold Levert, Alfred Meyer, Auguste de Moulins, Mulot-Durivage, Joseph de Nittis, Auguste-Louis-Marie Ottin, Léon-Auguste Ottin, Léopold Robert et Henri Rouart.

Dès lors, bien d'autres rejoindront le mouvement, prenant un tournant fondamental vers le développement du langage post-impressionniste et d'avant-garde.

Pourquoi l'impressionnisme n'est-il pas un mouvement d'avant-garde ?

Malgré tout ce que l'impressionnisme a révolutionné la technique picturale, il n'est pas considéré à proprement parler un mouvement d'avant-garde, même s'il est reconnu qu'il a joué un rôle clé dans le développement de des valeurs comme originalité artistique Oui Style personnel.

Indépendamment de toute l'influence qu'il a pu exercer, l'impressionnisme est resté attaché à une concept pivot de toute la tradition picturale occidentale: elle reste un art qui imite le nature un art naturaliste (à ne pas confondre avec le mouvement littéraire et pictural dit du naturalisme).

Cela signifie que l'impressionnisme a continué à appliquer les principes de base de figuration Oui vraisemblance, bien qu'ayant rompu avec le domaine de la ligne, de la profondeur spatiale et du clair-obscur, ainsi que l'obligation de représenter des thèmes transcendantaux.

Avec un langage visuel renouvelé et des thèmes décontractés et modernes, les artistes impressionnistes ont ouvert la porte aux nouvelles générations pour sortir et explorer des idées révolutionnaires. Certes, des post-impressionnistes et des artistes d'avant-garde aux artistes contemporains, le monde a beaucoup à remercier l'impressionnisme.

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