6 caractéristiques principales du Pop Art

À pop de l'art, aussi appelé de pop Art, un mouvement artistique qui a émergé au Royaume-Uni et aux États-Unis dans les années 1950, atteignant son essor dans les années 1960.

C'est un cadre pour le passage de la modernité à la post-modernité dans la culture occidentale, combattu par Lawrence Alloway, un critique d'art anglais, qui a créé le pop art en 1956.

1. Une esthétique das massas

Le pop art était un élément central qui cherchait à se rapprocher de l'art de la vie quotidienne, en utilisant l'esthétique de la culture de masse comme principal support.

Les artistes britanniques et nord-américains qui répondent tentent de travailler à partir d'éléments qui nous trouvent des comportements et des costumes, façonnés par l'industrialisation croissante. La vie ne doit pas être séparée de l'art, diront-ils.

De plus, les artistes du pop art recherchent la culture au quotidien pour s'inspirer du processus créatif. Diverses œuvres feitas ness context étaient des objets produits à grande échelle, des images qui imitent des photographies de revues dans les magazines, utilisation de la technique de la sérigraphie, fragments d'histoires en quadriinhos, images de célébrités et publicité.

2. Objets communs comme art

On peut dire que cette période palpitante des arts a été marquée par la montée de l'utilisation d'objets communs et quotidiens dans la catégorie des objets d'art.

Conserves, cruches réfrigérantes et autres éléments « bananes » estampés de grands tableaux, retraçant une culture massifiée qui imprègne les années 60.

Un couple de meias n'est pas moins approprié pour une peinture que l'huile sur toile.

Robert Rochenberg

3. Utilisation d'images de célébrités

De même, comme les artistes utilisent des images d'objets du quotidien, ils utiliseront également des images de célébrités dans leurs œuvres.

Dessa forma, des photographies de stars du cinéma et de la musique ont été reproduites à grande échelle, généralement en utilisant une technique industrielle de sérigraphie.

L'intention était de créer un parallèle entre les objets et les personnes qui étaient très "consommés" par la population. Aucun cas, cette consommation passe par la télévision et le cinéma.

A titre d'exemple, nous avons des œuvres emblématiques d'Andy Warhol, dans lesquelles il reproduit la figure de Marilyn Monroe, Elvis Presley et Michael Jackson.

C'est aussi une critique de sa propre industrie culturelle, qui crée des mythes et des « idoles » contemporains.

4. Opposition à l'abstractionnisme

Ou mouvement qui précède le pop art foi ou l'abstractionnisme. J'ai attaché qu'au milieu des années 50, de jeunes artistes comme Jasper Johns et Robert Rauschenberg ont commencé à critiquer ou abîme entre l'art et la vie et l'externalisation qui ne s'identifie pas comme un style abstrait dans voga.

Ils ont reconnu que l'art devait être plus proche de la ville commune, et non enveloppé dans une atmosphère incompréhensible, comme l'art abstrait était ou est le cas.

5. Critique sociale

Au sein de la société da, les éleveurs da pop ArtNous critiquerons notre propre société: o une consommation excessive, o un comportement capitaliste semi-limité, ou des habitudes quotidiennes déchaînées en Amérique du Nord.

En attendant, ils ont utilisé précisément deux éléments que nous avons critiqués pour créer leur art, créant ainsi une production qui s'oppose à la consommation, mais qui se nourrit.

6. Noyaux vibrants

Les œuvres réalisées en hauteur pourront gagner des contours avec de nombreuses couleurs vives, fluorescentes et une certaine luminosité. Un exemple classique est Une banane, consacrée par Andy Warhol et transformée en couche disco du groupe de rock Le métro de velours.

Un autre exemple de la valeur que les abonnés donnent pop Art davam ao brilho foi a criação da obra Mickey la souris, également par Andy Warhol. Nela ou l'artiste a choisi de faire un fond de teint avec des diamants pour provoquer un effet d'illumination à peça :

uvres et artistes da pop Art

1. Qu'est-ce qui rend les maisons d'aujourd'hui si différentes, si attrayantes ? (1956), de Richard Hamilton

Richard Hamilton a été ingénieur et gestionnaire de l'expertise technique pendant des années. Mais à un certain moment de sa carrière, il choisit de mettre son savoir-faire au service de productions plus créatives.

Un collagem de Richard Hamilton (qui en portugais pourrait se traduire par Ou qu'est-ce qui rend les maisons de feuilles différentes, si attrayantes?) a été présenté à la Whitechapel Gallery de Londres. O work fez partie de la célèbre exposition C'est demain.

L'artiste anglais Richard Hamilton faisait partie de l'ère d'un groupe chamado Groupe indépendant (IG), formé en 1952 dans la capitale anglaise. Les critiques considéraient Colagem comme uma das primiras fonctionne vraiment caractéristique da pop Art.

Uma curiosidade: Richard Hamilton aussi assinou a capa do Album blanc, album des Beatles.

2. soupe Campbell (1962), par Andy Warhol

Andy Warhol a conçu et travaillé comme illustrateur pour des magazines importants tels que Vogue, Harper's Bazaar et New Yorker. Vous êtes également annonceur et vous vous intéressez toujours aux éléments de la culture de masse.

Warhol a utilisé plusieurs de ses œuvres avec la technique de la sérigraphie pour représenter la produção em série fazendo une critique de l'impressonalité de l'objet massifié. Pas d'ensemble intitulé Boîtes de soupe Campbell's Nous avons trouvé une réunion de 32 tissus, chacun peint en hommage à 32 variétés de soupes offertes par la compagnie Campbell sur le marché nord-américain.

3. Diptyque Marilyn (1962), par Andy Warhol

Warhol était aussi un cinéaste et un passionné de cinéma. Seu travaille dans les arts plastiques aussi procurou dépeindre les idoles populaires nord-américaines sous un nouvel angle.

Serious travaille en tant qu'artiste plasticien en tant que personnages principaux, icônes et personnalités publiques telles que Marilyn Monroe, Michael Jackson, Elvis Presley, Marlon Brando et Eizabeth Taylor.

Warhol cherchait réinventer les images consacrées J'utilise surtout la reproduction mécanique, l'application de couleurs fortes et vives sur des portraits qui font partie de l'imagerie populaire collective.

4. Baiser V (1964) de Roy Lichtenstein

Lichtenstein savait très bien quand il s'agissait de son art qui cherchait à mettre en valeur les histoires dans les champs. Seu trabalho met également des publicités, du commerce et des coupes au jour le jour.

L'artiste nord-américain fez utilise aussi profondément technique pontilhiste. A son fameux drap Baiser V Il existe deux exemples d'utilisation de cette technique.

5. Hey Allons faire un tour (1961), par James Rosenquist

Rosenquist foi um dos maiores nomes da pop Art de Nova Iorque. Le début de sa carrière dans l'expressionnisme abstrait, plus un logo précis à couvrir pour la création de lettres publicitaires pour pouvoir survivre.

Ou futur artiste, dans un moment de réflexion, un parallèle entre ces deux activités :

Rosenquist privilégie ses œuvres collagènes feitas de références très différentes du quotidien tels que des illustrations de nourriture, des pièces de voiture, des publicités, des publicités politiques.

6. Drapeau (1955), par Jasper Johns

O peintre nord-américain foi um dos pioneiros da pop Art e développé ou seu travaille principalement à partir de cartes, de drapeaux, d'alvos et d'algarismes.

Acabou, par isso, se faisant connaître comme artiste d'une certaine manière nationaliste. Jasper était l'un des deux principaux responsables de la culture nord-américaine en Europe.

Ou éleveur fez utiliser da iconographie classique, simples, et de symboles qui pourraient atteindre tous les peuples, les pois appartenant ou l'imagerie collective. Comme décor du temps, Johns a investi dans l'utilisation d'objets réels sur des tissus tels que des canettes, des épingles et des balais.

Une curiosité: Jasper Johns utilisait une technique de peinture qui consistait à diluer de l'encre dans de la cire chaude.

À pop Art Pas de Brésil

Nous ne vivions pas au Brésil pendant la période du fossé militaire (qui a commencé après le coup d'État de 1964). Rondava ou la moitié de la censure, en raison de la production artistique a tendance à être plus contenu. Il convient toutefois de noter « Opinião 65 », un événement organisé au Musée d'Art Moderne qui rassemble 17 artistes brésiliens et 13 artistes étrangers.

Les meilleurs noms de l'art brésilien en hauteur sont: José Roberto Aguilar, Wesley Duke Lee, Luiz Paulo Baravelli, Claudio Tozzi, Carlos Farjado et Antonio Henrique Amaral.

Un grand petit moment fort de l'époque, pour l'instant, était controversé et peu compris. Parangolépar Hélio Oiticica.

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