7 principaux artistes de la renaissance et leurs œuvres exceptionnelles
Ou la renaissance, qui du XIVe siècle au XVIIe siècle, fut une période de grande effervescence culturelle en Europe et une scène de grands maîtres de l'art, tels que Léonard de Vinci, Michel-Ange, Raphaël et Titien.
Ou le rôle des artistes de la Renaissance est essentiel pour les valeurs et les idées de l'époque (comme valorização do homem e da ciência) fossem transmis au public d'une manière impressionnante et harmonieux.
Pour cela, ils utilisent des ressources telles que la symétrie, l'équilibre, la perspective et une inspiration non idéale de la beauté classique de la culture gréco-romaine.
1. Léonard de Vinci (1452-1519)
Léonard de Vinci peut être considéré comme l'artiste italien de la Renaissance le plus célèbre. Foi ou qui est chama de polymat, une personne avec des compétences et des connaissances diverses dans divers domaines de l'art et de la science.
Sua recherche des cheveux avec des connaissances scientifiques et la création d'œuvres d'art d'une extrême beauté et perfection ou J'ai élevé mon statut de génie, étant le même difficile de comprendre à quel point c'était une taille exceptionnelle possível.
J'étais apprenti chez un artiste connu nommé Andrea del Verrochio, où il a appris les techniques de peinture et de sculpture, la perspective et la composition chromatique.
Da Vinci a le siège de la connaissance et cherche des réponses à vos questions de manière pratique, en explorant par des expériences, pas seulement par des moyens académiques.
Assim, cherchant à mieux comprendre le corps humain, diffuse davantage la trinta corpos (y compris mener des études sur ou la croissance des fœtus non utérins), ou que j'ai permis de dépeindre avec perfeição pour figure humaine
Il a mené de nombreuses recherches dans des domaines tels que l'ingénierie, l'architecture, l'urbanisme, l'hydraulique, les mathématiques, la géologie et la chimie. En attendant, il y a certains arts qui se sont le plus démarqués.
Ses élèves ambitionnent d'acquérir plus d'informations et de maîtrise de la nature afin de pouvoir exercer leur art de manière plus cohérente.
Dessa forma, ou artiste ganhou énorme projeção e reconhecimento na renascença, époque pois nessa à La valorisation de la raison, de la science et de l'être humain était manifeste, ou se montrait dans son travail.
Da Vinci est mort en 1519, en France, à l'âge de 67 ans. On peut dire que c'était un génie incompris, malgré l'immense reconnaissance.
La Joconde (La Joconde, à l'origine), date de 1503 et est l'œuvre la plus célèbre de Léonard de Vinci, intégrant la collection du Museu do Louvre, na França. Une toile, de dimensions réduites (77 x 56 cm), expose une image d'une région de moça da de Florença.
Ou une œuvre impressionnante par son réalisme, son harmonie et son atmosphère mystérieuse. Un jeune homme a une feição assez intrigante qui n'a jamais été étudiée par de nombreux chercheurs, soucieux de rechercher quelles seraient les émotions affichées sur le tissu.
Une femme est représentée avec une harmonie et un équilibre extrêmes, symbolisant le même temps ou l'énigme de l'existence humaine. Pour cette raison, cela est considéré comme une œuvre majeure de l'art de la Renaissance, étant donné qu'à aucune période ces caractéristiques n'ont été très appréciées.
Une technique utilisée par l'artiste foi o sfumato (développé par lui), dans lequel la lumière ne se dégrade que légèrement, conférant une plus grande fidélité à l'effet de profondeur. Plus tard, cette méthode sera également utilisée par d'autres artistes.
2. Michel-Ange Buonarroti (1475-1564)
O italien Michelangelo Buonarroti é também um dos maiores nomes do renascimento no Cinquantecentto, dernière phase de Renascença, ou couru à partir de 1500.
En tant qu'artiste important pour cette période, vous pouvez traduire dans son art toute la sensibilité et l'habileté dans la représentation de l'être humain.
Ou une évidence selon les mots de Giorgio Vasari, un autre artiste de l'époque :
L'idée de cette maison extraordinaire était le comportement du corps humain et ses proportions parfaites, une diversité prodigieuse de ses attitudes et une totalité de personnes et d'exaltation de l'âme.
Sa carrière artistique cameçou cedo. À l'âge de treize ans, il est apprenti du maître Domenico Ghirlandaio, qui lui transmet les connaissances techniques de la peinture et du design frais. Pendant ce temps, un artiste curieux cherche l'inspiration même dans d'autres noms, comme Giotto, Massaccio et Donatello.
Michel-Ange, comme de Vinci, s'est également consacré à la recherche sur l'anatomie humaine, à l'analyse des cadavres et au démêlage de leurs observations. Une connaissance approfondie du corps, reproduisant avec perfection des dessins et des sculptures de personnes sous des angles inhabituels.
Il a produit des œuvres dans divers langages artistiques, tels que la peinture, la sculpture et l'architecture, étant considéré comme si talentueux qu'il s'appelait O Divino.
Michel-Ange a eu une vie longue et défaillante en 1564, 88 ans. Sa tombe se trouve dans l'Igreja da Santa Cruz de Florença, en Italie.
Certaines œuvres majeures se distinguent et qui témoignent de l'habileté de Michel-Ange dans la représentation de figures humaines et Pietà.
La sculpture a été réalisée en 1499 en marbre avec des dimensions de 174 x 195 cm, que l'on peut voir dans la basilique de São Pedro, pas au Vatican.
Ici, au dîner exposé au moment où Maria était sûr de filho Jesus, já sem vida, we braços. Les corps sont représentés comme exatidão.
L'artiste a réussi à transformer le marbre rigide en représentations de muscles, de regards et d'expressions faciales d'une manière impressionnante et harmonieuse.
Outra caractéristique notable ne fonctionne pas sur la composition en format pyramidal, courant dans les œuvres en renaissance.
Par isso, une œuvre est l'une des plus connues, et du côté de David et deux fruits frais Capela Sistina, devenue une icône de la culture de la Renaissance feita pelas mãos do mestre.
3. Raphaël Sanzio (1483-1520)
Rafael Sanzio était un artiste qui a démontré son talent alors qu'il étudiait encore dans le bureau du célèbre maître Pietro Perugino, dans la région italienne de l'Ombrie.
En tant qu'artiste qui a développé avec beaucoup de succès, certaines caractéristiques de la peinture de la Renaissance, comme ou l'équilibre des formes, des noyaux et de la composition, je vends la symétrie un point important à être travaillé.
Vers 1504, il visita Florença, où Michel-Ange et De Vinci avaient provoqué de grandes transformations artistiques. Rafael, porém, n'a pas été intimidé, et a puisé dans ses connaissances en peinture.
L'artiste était connu pour peindre de nombreuses images de Virgem Maria (comme Madonas). Ces toiles ont une nature et une spontanéité, ainsi que la personnalité du peintre.
À ce moment-là, Raphaël est invité à se rendre à Rome et réalise de nombreux travaux pour le Vatican, à la demande du pape Jules II, puis de Léon X.
Rafael Sanzio est décédé en 1520, à l'âge de 37 ans, pas le jour de son anniversaire, le 6 avril.
Certaines des œuvres qui se démarquent le plus dans sa production é A l'Ecole d'Athènes (1509-1511). Ou panneau de 770 x 550 cm, il a été commandé et retrouvé au Palais du Vatican.
Un dîner montre un local où diverses personnalités d'intellectualité et de philosophie sont présentes grega, comme Platão e Aristóteles, ou qui témoigne de la valorisation de la culture classique actuelle non Renaissance.
Un autre point important de ce travail est la manière dont l'environnement a été exposé, dépeignant de grands domaines de perspective et de profondeur.
Pour en savoir plus sur l'artiste, lisez: Rafael Sanzio: œuvres principales et biographie.
4. Donatello (1386? -1466)
Donatello, dont le nom était Donato di Niccoló di Betto Bardi, était un artiste de la région de Florença, considéré comme l'un des deux sculpteurs les plus célèbres de son temps.
Je suis également responsable d'importantes transformations artistiques de la période Quatrocentto (Seculum XV), pois afastava-se donne des caractéristiques de l'art gothique, pas du comum médiéval.
À travers plusieurs œuvres, il est possible d'observer l'énorme sens imaginatif de Donatello, ainsi que son capacité à transmettre l'idée de mouvement à la sculpture, puisqu'elle reste ferme et vigoureux.
Il fit de nombreuses statues de saints et de figures bibliques, les insérant dans une atmosphère humaine, comme il était propre à la renaissance.
Travailler avec des matériaux tels que le marbre et le bronze, produisant des œuvres qui excellent principalement dans la représentation du corps humain et de deux gestes.
Il conquit sa reconstitution de son vivant et morreu en 1466 à Florença, où il est enterré.
Certaines de ses œuvres, plus que vous ne le remarquerez David, feita em bronze entre 1444 et 1446. Une peça représente un passage biblique dans lequel David exécute le géant Golias.
Il s'agit de la première œuvre exposant des nudez depois d'une période millénaire, inspirée de l'art gréco-romain classique. Dans l'œuvre, David est dépeint comme un jeune homme qui porte une épée et une pierre tous les quelques jours et est à la tête de ses années inimitables.
Donatello utilise une ressource statutaire appelée contre-poste, qui consiste à placer la figure appuyée dans un deux pés, enquanto ou poids et équilibré, et non le reste du corps. Un tel artefact garantit une plus grande harmonie et naturel à la sculpture.
5. Sandro Boticelli (1446-1510)
Le florentin Sandro Boticelli était un artiste important du XVe siècle qui réussit à transmettre une aura harmonieuse et gracieuse sur ses toiles.
A travers la représentation de dîners bibliques ou mythologiques, le peintre révèle son idéal de beauté, inspiré de la culture classique de l'Antiquité.
Ainsi les figures représentées ont la beauté des divinités combinée à une certaine mélancolie.
Ou naissance de Vénus (Nascita di Venere) Il y a certains tissus où nous pouvons voir ces caractéristiques, étant peut-être un point culminant majeur de Boticcelli.
L'œuvre a été conçue en 1484, mesurant 172,5 x 278,5 cm et intègre la collection de la Galleria degli Uffizi, en Italie. Nela est représentée au dîner mythologique de l'émergence de l'amour, Vênus, qui émerge d'une coquille en cuivre de son sexe à poils.
O oeuvre était une commande d'un riche mécène de la famille Médicis et expose le jeune homme dans une position sereine, Être reçu comme une chuva de fleurs par des entités ailées et une fille qui offre un manteau de cor-de-rosa.
Nous ne pouvons observer aucun carré gracieux et léger, qui est révélé par de jeunes et belles figures. Beleza est présent pour que vous ne remarquiez aucun défaut en termes de composition corporelle, comme un poisson allongé et des épaules légèrement tombantes de la figure principale.
6. Titien (1485-1576)
Titien était deux peintres établis de la Renaissance vénitienne. Sa ville d'origine est le Cadore, mais aussi un enfant qui a grandi à Veneza avec l'apprentissage séparé de la peinture.
Il a eu une grande renommée au cours de sa vie, devenant un art d'un mélange de noyaux avec la même compétence que son contemporain Michel-Ange connaissait ou méritait.
Il a utilisé les noyaux avec sagesse, réalisant à travers eux une composition cohérente et harmonieuse.
Aliás, la composition de l'œuvre de Titien est quelque chose à percevoir comme une rupture dans l'art qui a été produit. O peintre est arrivé à insérer les éléments en nous d'une manière surprenante et inhabituelle.
J'ai également été récompensé pendant des années par ses portraits et sa capacité à transmettre la sensation de vivacité des gens, exhibés comme des olhares expressifs et puissants.
Sa vie fut longue, mourant en 1576 à Veneza, en Italie, victime de la peste qui ravagea l'Europe à un moment.
A assunção da Virgem C'est l'une de ses œuvres remarquables, il est dit que Titien initie un costume plus indépendant d'influence d'autres maîtres, tels que Giorgione, sa grande référence.
Un grand panneau a été peint dans la basilique Santa Maria Gloriosa dei Frai en 1518 et expose la Vierge Marie montant à l'âge des apôtres pour m'observer.
A la lumière de la banha à dîner est d'une beauté céleste et toute composition et feita de manière à diriger ou olhar le public de bas en haut.
7. Tintoret (1518-1594)
Jacopo Robusti est devenu connu sous le nom de Tintoret et était un peintre du deuxième but du XVe siècle, d'un mouvement connu sous le nom de maniérisme.
L'artiste perçoit une manière dont les formes et les noyaux ont été présentés à cette époque, avec simplicité et beauté, mais toujours vus, avec beaucoup d'émotion.
En même temps, ils apportent une charge plus dramatique et expressive aux dîners qu'ils se proposent de représenter, dans leur majorité biblique et mythologique.
Il a utilisé pour les deux, des ressources telles qu'un contraste marqué entre la lumière et l'ombre, des gestes et des mouvements excentriques et des cœurs moins tendres. Son objectif était de créer de la tension et de l'émotion non par le spectateur, sans se soucier excessivement de la technique.
Em Dernière ceia nous pouvons voir le style du Tintoret d'une manière évidente. L'œuvre montre le dîner biblique dans lequel Jésus fait la dernière référence à la compagnie de ses disciples et date de 1594, la dernière année de sa vie.
Cette composition a de grandes dimensions de 3,65 m x 5,69 m, située à Veneza, dans la basilique de San Giorgio Maggiore.
Les couleurs utilisées comme cheveux du peintre sont sombres et révèlent une atmosphère sombre, mystique et dramatique. On peut dire que la palette de couleurs est un élément essentiel pour comprendre l'image.
Além disso, car les personnages présentent une aura lumineuse autour de leur corps, sur tout Jésus, ou qui offre un grand contraste et un impact visuel. La table ceia est placée en diagonale, retraçant un usage inhabituel de la perspective traditionnelle.
Les éléments qui sont montrés ne pourront pas être retrouvés plus tard, pas un mouvement que je vois suivre, ni baroque.
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Références bibliographiques:
- GOMBRICH, E. H. Une histoire donne l'art. Rio de Janeiro: LTC - Livres techniques et scientifiques.
- PROENÇA, Graça. Histoire des arts. São Paulo: Editora Ática.
