Pop Art: Kiemelt művészek és műveik

Kép: Ki

Ebben a tanári leckében Pop Art: Kiemelt művészek és műveik, dedikáljuk alkotóinak, a huszadik század legeredetibb és legjelentősebb vizuális mozgalmának alkotóinak, akik, mint már korábban megjegyeztük, a kollektív képzeletben rögzített képeket az a nagyon vizuális ábrázolásaként hozták létre korszak.

Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburgtöbbek között elérték azt, ami néhány évvel korábban lehetetlen volt, demokratizálták a művészetet. Ilyen terjedelmű volt a terjesztése, hogy alkotásai eljutottak a Holdra, és emiatt, és annyi más érdem, ebben a leckében minden figyelmünket rájuk fordítjuk.

Index

1. Richard Hamilton (1922 - 2011)
2. Jasper Johns (1930)
3. Robert Rauschenberg (1925 - 2008)
4. Roy Lichtenstein (1923-1997)
5. Tom Wesselman (1931 - 2004)
6. Claes Oldenburg (1929)
7. David Hockney (1939)
8. Allen Jones (1937)
9. Andy Warhol

Kezdjük azzal, hogy a pop art kiemelkedő művészeiről és alkotásaikról Richard Hamiltonról beszélünk. Brit tudós és tervező volt, akit a tudósok túlnyomó többsége úgy vélt

"Népszerű, tömegek számára fogant; elmúló, rövid távú megoldásokkal, fogyasztható, könnyen feledhető; alacsony költség, tömeggyártás; fiatal, fiatalokra irányul; szellemes; szexis; trükkös; elbűvölő... nagyszerű üzlet ...".

Ezen kívül Hamilton alkotott a kiállításhoz Ez holnap (1956), amelyet sokan az első teljesen pop műnek tartanak, Éppen ez teszi a mai otthonokat annyira különbözővé. Tehát vonzó? (1956).

Ebben Hamilton készített egy fotómontázsot, amelyben bemutatták az újonnan érkezett materialista kultúrát. Ezzel megpróbálom szembenézni a "pop" ikonokat a néző elmélkedési akaratával (valami nagyon jellemző a brit pop artra, amelynek az amerikaiban nem lenne ilyen kifejezett helye).

Hasonlóképpen látjuk először a "pop" kifejezés jelenlétét, amelyet ugyanaz a művész egy évvel később hozott létre.

Jasper Johns az USA pop artjának szánt, amit R. Hamilton az Egyesült Királyságban. Telhetetlen és nyugtalan művész, közismert motívumai az amerikai zászlók, számok és betűk, és ez az, hogy rá esik az az érdeme, hogy egyes országokban bevezett néhányat tisztán népszerű képek. Leo Castelli, a galéria tulajdonosa fogalmazott: "Jasper Johns-ot kell az első igazán amerikai művésznek tekinteni."

Olyan művekben, mint Zászló (1954) észrevesszük művészi tehetségét, amikor az amerikai identitás olyan erős szimbólumát veszi, amelyet mindazonáltal iróniával állítanak elénk. Ugyanakkor az absztrakt expresszionizmus technikáit felhasználva (és megmutatva) megcsúfolja előd mozgalmát.

Robert Rauschenberg hídfigura a Neo-Dada és a Pop Art között. Bár munkája a második közé esik, munkája meglepetést okoz a többféle befolyás hogy a megfigyelő értékelni tudja. A legjelentősebb, kétségtelenül az övé szenvedély a marginális művészet iránt, amelyet általában kollázsaiba épít.

A legjellemzőbb műveire az, hogy látszólag ki akarják emelni a a materialista világ pazarlása körülötted. Olyan művekben, mint Monogram (1955) vagy Coca-cola terv (1955), Raushenberg nem az újdonságot képviseli, hanem azt, amit már használnak és fogyasztanak, kevésbé ironikus és komolyabb vitát keltve, mint kollégái.

De köztudott, hogy Rauschenberg zsenialitása 1953-ban kitűnt a művel Kooning rajz törlődött, amikor egy nagyon fiatal Rauschenberg arra kérte a kortárs festészet akkori istenét, Kooningot, hogy törölje le egyik kedvenc rajzát. Talán éppen e zsenialitás miatt feltehetően a Holdon van rajz (Warhol vagy Oldenburg rajzával együtt).

Roy Lichtenstein Andy Warhollal együtt a Pop art par excellence. Annak ellenére, hogy absztrakt expresszionizmusba avatott művész, 1958 körül karrierje a figuráció felé fordult, a kép univerzumából készített képek beépítésével. képregény. Évekkel később egész produkciója a képregények és a televízió ikonjaiból állt.

Szeretője Picasso, gyártásában egy erőset észlelünk a kubizmus és a kollázs technika hatása, bár ezt csak elméleti keretek között oldották meg, mivel Lichtenstein művei mindig voltak kézzel reprodukált művek a technika követése, igen Benday grafikus művészet.

Leghíresebb művei közül néhány Kiss V. (1964), Kicsit nagy Festészet (1965), Arles szoba (1992) vagy a Tánc (1974), jelenleg mindegyiket kiemelkedő merkantilértéknek tekintik. És az, hogy az évek során láthatjuk, hogyan érik el Lichtenstein művei azt a státuszt, amit utánoznak, a fogyasztás tárgyát.

Kép: Saatchi Art

Tom Wesselman a pop art és műveinek egyik kiemelkedő művésze volt. Nevezetes amerikai popművész volt, akinek vezérmotívum akt volt. De nem akármilyen akt, hanem a amerikai akt, amely különféle, erotikával teli női aktok bemutatásából állt és gyakran vázlatokba ágyazott, gyakran otthoni jelenetekbe foglalva.

Claes Oldenburg volt a felelős az objektum mint emlékmű fogalma a különféle mindennapi tárgyak nagyszabású másolatainak elkészítésével. Olyan művekben, mint Spoonbridge és Cherry (1985-86), Ingyenes (1991) vagyAlmacsutka (1990) poliészter szálakkal megerősített puha szobrok darabjait figyeljük meg.

Az oldenburgi szobrok átgondolt helye viszont a tárgyak kisajátítását jelenti fogyasztás a nyilvános téren, talán egy metafora arról, hogy ezek végül miként gyarmatosítják mindannyiunkat hatókörök.

Kép: ArtPeople. Háló

Kíváncsi David Hockney művész esete, aki annak ellenére folyamatosan nem hajlandó popmûvésznek tekinteni, A mozgalom egyik legnagyobbjának tartják. Angliából származott, az 1950-es évek végén Kaliforniába költözött, hogy egy lazább és liberálisabb környezetet keressen.

Pontosan ezt a gondtalan környezetet jeleníthetjük meg olyan művekben, mint a híres A Biggesr Splah (1967), ahol akrillal készített sík felületek segítségével Hockney egy pillanatnyi kaliforniai teraszon tárja elénk a pillanat közvetlenségét. Munkájának szépsége a belső névtelenségben, valamint a szenvtelen, szinte elvont síkokban rejlik.

Lény Allen Jones a brit pop art alapító tagja amikor részt vesz a kiállításon Fiatal kortársak (1961), munkája továbbra is meglepő nagy képesség, hogy sokkolja a nézőt, különös tekintettel az üvegszálas szoboregyüttesre Kalaptartó, asztal és szék (1969). Ebben egy antropomorf bútorkészletet hoz létre, és a radikális figurativizmus a. megvalósulásához a nők szexuális alávetése.

Ez az ábrázolás átlépi annak a határát, ami politikailag korrekt, hogy feltárja azt a vitát, hogy meddig mehet el a művészet szabadsága, amikor a a szexuális identitás szerepei. Különösen a tapasztalatlan szemek számára volt, van és valószínűleg továbbra is nagyon összetett munka; bizonyosan ezért döntött Stanley Kubrick, hogy ezeket szintén vitatott filmjében felhasználja Egy óramű narancs (1971).

Andy Warhol a popművész par excellence, a művész, aki nevét márkává változtatta azon ikonok szintjén és hasonlóságán, amelyeket műveiben képviselt. Művész és termék önmagában Andy Warhol számtalan művészi technikát művelt, amelyek a legtöbben változtak hagyományos, például festészet vagy szobrászat, koruk legjellemzőbbjeihez, például audiovizuális vagy művészeti grafika.

Sok kollégájához hasonlóan, az új reprodukciós technikák alkalmazásával, amelyeket ideje adott neki, megpróbált idegen műveket létrehozni. Ezt a felszínességet azonban gyakran elmosja darabjainak ironikus játéka. Például a SMao erie 1972 ismétlés és színek segítségével gúnyolja a kommunista vezetőt.

Ugyanezt a stratégiát ismételten használják ikonikus Marylins Monroes-jában vagy Lizs Taylors-jában, bár velük együtt egy szeretetteljesebb és csodálatosabb bánásmódot tapasztalunk. Warhol megismételte, amire vágyott, és ezt végül az övé után A gyári vagy a magazin létrehozása Interjú, sok más mellett sikerült is neki.

Ha további hasonló cikkeket szeretne olvasni Pop Art: Kiemelt művészek és műveik, javasoljuk, hogy adja meg a Sztori.