A reneszánsz: mi ez és mik a jellemzői

A művészettörténet talán egyik legismertebb művészeti korszaka. A reneszánsz világhírű, különösen a legfontosabb művészei révén. Az olyan nevek, mint Brunelleschi, Botticelli, Raphael, Leonardo vagy Michelangelo, valószínűleg az egyetemes művészet iránt érdeklődők közül a leghangsúlyosabbak közé tartoznak.

Valóban tudjuk, mit jelentett a reneszánsz az évszázadok óta húzódó kliséken túl? Ebben a cikkben megpróbálunk elmélyülni ennek a mozgalomnak a valóságában, amely nemcsak művészi, hanem filozófiai és társadalmi is volt.

Mi a reneszánsz?

Mint a legtöbb nómenklatúra esetében, a „reneszánsz” szót csak néhány évszázaddal az után az idő után kezdték használni, amelyre utal. Különleges, Honoré de Balzac francia író volt az, aki 1829-ben először vezette be a kifejezést regényében. A Bal de Sceau. Balzac arra a kultúrára utal, amely Olaszországban kezdődött a 14. században, és amely a klasszikus modelleket veszi útmutatóul. Évekkel később Jules Michelet történész megszentelte munkájában a "reneszánsz" kifejezést a reneszánsz (1855).

A „reneszánsz” alatt azt a kulturális mozgalmat értjük, amely Olaszországban (és különösen Firenzében) kezdődött. század eleje, és a 16. század végéig bővült, és amely a 15. századi modellek helyreállítását feltételezi. Antikvitás. Fontos azonban megjegyezni, hogy ezek a klasszikus modellek az egész középkorban léteztek. A reneszánszt az teszi „másabbá”, hogy művészei teljesen tudatában voltak annak, hogy renovatio-t éltek, vagyis ezeknek az ősi modelleknek a „felébredését”.

Általában, A reneszánsz értelmiségiek és művészek az „igazi művészet” újraélesztőinek tekintik magukat., amelyet elveszettnek tartottak a középkori „letargia” hosszú évszázadai során. Giorgio Vasari, a 16. század egyik legjelentősebb teoretikusa a középkor művészetét „csecsemőkorának” tartja. a művészet, míg a Quattrocento (vagyis az itáliai XV. század) az ő „fiatalságát” képviselné, a tudatosság. Végül a Cinquecento (16. század) a művészet érettsége, olyan fontos nevekkel, mint Leonardo, Michelangelo és Raphael.

De... Vajon a reneszánsz az ősi művészet hiteles fellendülése volt? Azt már megjegyeztük, hogy a középkorban a klasszikusokat nem felejtették el. Nemcsak a filozófiai területen, ahol Platón erős jelenléte (például az iskolában) Chartres) és Arisztotelész (Aquinói Szent Tamás gondolatában), de a művészetekben is műanyag.

Valóban, a középkori szobrászatban és építészetben találunk ókorból vett motívumokat, élő tanúbizonyság arról, hogy a középkor semmiképpen sem jelentett szakítást a korral klasszikus. A reneszánsz értelmiségiek és művészek azonban így érezték. Nem hiába nevezte Vasari a középkori évszázadok művészetét "szörnyűnek és barbárnak", ez a fogalom egyébként egészen a 19. századig érvényes maradt.

Így, a reneszánsz kettős értelemben feltételezi az „ébredést”.. Először is azért, mert, mint már említettük, ők értesültek elsőként ennek a klasszikus felújításnak az átalakításáról gyökeresen szakítva a középkori hagyománnyal, ugyanolyan vagy radikálisabb, mint amilyen a középkor volt akkoriban klasszikus; Másodszor azért, mert gyakorlatilag megtörténik az átmenet a teocentrikus társadalomból a humanista társadalomba, ez a tény de facto a középkorral való valódi szakítást feltételezi.

• Kapcsolódó cikk: "A történelem 5 kora (és jellemzőik)"

A „szakítás” a hagyományokkal

Az a szakadás, amelyről a reneszánsz tudatában volt, nem tekinthető szigorúan annak. Mindenekelőtt azért, mert már láttuk, hogy a középkorban a klasszikusok nem merültek feledésbe. Másodszor, és ez nem kevésbé fontos, mert a reneszánsz idején továbbra is használták középkori források, mint például egyes épületek tipológiája, ikonográfiája és egyes eljárások technikusok.

Mindezek miatt arra a következtetésre juthatunk, hogy a reneszánsz korántsem volt az a radikális törés, amelyet maguk a reneszánszosok gondoltak. Valójában Johan Huizinga történész állítja munkájában A középkor ősze, hogy az utolsó középkori évszázadok a reneszánsz korszak előkészítését jelentették, és semmiképpen sem annak ellentétét. És a maga részéről Erwin Panofsky művészettörténész már beszélt különféle „reneszánszokról”. Tehát megértjük amit „reneszánsznak” neveztek, az nem más, mint a felvilágosult európai történetírás egyik nagy csapdája., ugyanaz, amely a Római Birodalom bukását követő tíz évszázadot „középkor”-nak nevezte.

Mindenesetre van egy sor olyan tényező, amely világos kontextust konfigurál, amelyben ez a „szakadás” található. Korábban már megjegyeztük, hogy a tizennegyedik század végén a teocentrikus társadalomból a humanista gondolkodásba való átmenet történt. A vidéki világ már a középkor közepén megkezdődött fokozatos hanyatlása, valamint a a városok ebből következő felemelkedése alapvetően hozzájárul e változás felgyorsításához gondolkodásmód.

Ebben az egész folyamatban alapvető szerepet fog játszani a városokban megjelenő új társadalmi csoport, a burzsoázia.bármelyik. A városi kereskedők és bankárok egy erőteljes oligarchiát alkotnak, amely irányítja a városokat, és ugyanakkor hatalmas patrónusként is fellép. Így a tizennegyedik századtól a művészek ezeknek a fontos alakoknak a védelme alatt állnak, és az is Az erők ezen együttállása révén a legfontosabb műalkotások közül néhány a történelem. Csak meg kell említeni a nagyhatalmú Medici családot, Firenzében.

Ha tehát a reneszánsz valódi szakítást jelent a közvetlenül megelőző világgal, az a művész koncepciójában és a megbízóival fenntartott kapcsolatában rejlik. A művész továbbra is eszköz volt mecénásai kezében, de védenceiket egyértelműen megkülönböztetési és politikai propaganda céllal használják. Minden nagyhatalmú férfit az őt képviselő stílussal jutalmaznak: a Sforza Milánóban, II. Julius Rómában, a Medici Firenzében. Emellett a műalkotások gyűjtése a státusz és a hatalom szimbólumává is válik.

Másrészt a középkori mechanikus művészkereskedelem feloldódik egy sokkal intellektuálisabb művészetfelfogásban és folyamataiban. A művészetről szóló értekezések, mint például Leon Battista Alberti híres De Picturája (1435), óriási segítséget nyújtanak tekintsd a művészt többnek puszta iparosnál, feltételezve, hogy munkája elvégzéséhez szüksége van bizonyos intellektuális tulajdonságokra. Ennek az új megfontolásnak a következményeként a művészek elkezdik önmagukat ábrázolni műveikben, és elkezdik dedikálni azokat.

• Érdekelheti: "A bölcsészettudomány 8 ága (és amit mindegyik tanulmányoz)"

Egy új képi nyelv: perspektíva

A reneszánsz során bekövetkezett változások nem plasztikusak, hanem filozófiai-irodalmiak voltak. Az ókori filozófia átértékelése révén megteremtődik az alapja egy új formális rendszer létrehozásának., amely később a különböző művészeti irányzatokban nyilvánul meg. Az ókor modelljei az egyetlen tükör, amelyben a reneszánsz emberei magukba néznek és esztétikai ideáljukat keresik.

De hol keressünk régi modelleket a festészetben? Mert ahogy a szobrászoknak és építészeknek is vannak példák, amelyekből ihletet meríthetnek, ez nem igaz a festészetre sem. A tizenötödik században Pompeiit és Herculaneumot még nem fedezték fel, ami rendkívül megnehezítette az a feladat, hogy az ókorból olyan képi modelleket találjanak, amelyekre az új nyelvet alapozzák átvitt. Ennek érdekében segített 1480-ban felfedezni a római Nero Domus Aurea-t, amelynek freskói segítettek hozzon létre, bár megkésve, néhány képi modellt, amelyek mintául szolgálnának a festők számára reneszánsz.

Ilyenek például a „groteszkek”, növényi díszítésekre, emberalakokra és fantasztikus állatokra épülő képi díszek, többek között, amelyek Nero palotájának falait díszítették. E dekorációk különcsége azonban éles kritikát váltott ki az olyan értekezésíróktól, mint Giorgio Vasari.

Pontosan Vasari volt az, aki lefektette annak az alapjait, amit gondolt a "jó festészet", amelynek alapvetően a harmónián és az arányon, és mindenekelőtt a helyes perspektíván kellett alapulnia. Valószínűleg ez az utolsó koncepció foglalkoztatta leginkább a reneszánsz művészeket; hogy – ahogy Alberti mondta – egy „ablakot” hozzunk létre, amelyen keresztül bepillanthatunk a tér egy szakaszába. Olaszországban a képi ábrázolások perspektívája 1422 körül alakult ki: a Brancacci-kápolna Masaccio freskói jól bizonyítják ezt.

A Quattrocento olaszjainak sikerült elsajátítaniuk a perspektívát azáltal, hogy eltávolodtak attól a sokféle nézőponttól, amelyet a trecentói festők használtak. Ehelyett lehetővé tették azt az „ablakot”, amelyről Alberti beszélt a pontos matematikai perspektíva, ami miatt a kompozíció összes vonala egyetlen eltűnési pontban konvergál. Ebben a vállalkozásban Filippo Brunelleschi építész közreműködése kulcsfontosságú volt. Nem kevésbé igaz azonban, hogy Flandriában a flamand primitívek más eljárással jutottak ugyanilyen érvényes megoldásra.

A 15. századi flamand festészet, köztük Jan van Eyck és Roger van der Weyden, olyan gyökeres változást jelentett a gótikus formákhoz képest, mint a reneszánsz festészet Olaszországban. A flamandok esetében a perspektíva a valóság gondos és abszolút empirikus megfigyelésével valósult meg.

A flamenco eredménye annyira meglepő és egyedi volt, hogy stílusa Európa-szerte elterjedt, odáig, hogy az olyan területek, mint pl Anglia, Ausztria vagy az Ibériai-félsziget inkább a flamand modelleket vette referenciaként, mint a reneszánsz modelleket, amelyek a későbbiekben keletkeztek. Olaszország. Maguk az olasz Quattrocento művészei is mélyen csodálták ezeket a flandriai újítókat, és számos művészeti csere zajlik a két európai szélesség között. Elég, ha csak annyit mondunk, hogy Bartolommeo Fazio, a 15. századi genovai humanista Jan van Eycket "korunk vezető festőjének" nevezi.

Minden Firenzében kezdődött

Ha valami hely jut eszünkbe, amikor a reneszánszról beszélünk, az természetesen Firenze.. Ebben a városban fejlődik ki a humanizmus, egy kulturális áramlat és gondolat, amely igazolja az ember azon képességét, hogy megismerje önmagát és az őt körülvevő világot. De helyezzük magunkat kontextusba.

1402-ben a milánói csapatok Gian Galeazzo Visconti vezetésével Firenze felé nyomulnak, és veszélyeztetik a Firenzei Köztársaságban évek óta uralkodó békét és jólétet. A Milánó elleni támadás a 15. század 20-as éveiben megismétlődik; a második fenyegetés, amely csak a Firenze és Velence városa közötti szövetségnek köszönhetően szűnt meg (1425). Ezek a folyamatos katonai követelések csak felélesztik a köztársasági értékeket, amelyeket a firenzeiek a fejedelmi diktatúrának tekintettek. A mecénások és a művészek tehát elkezdtek keresni egy olyan plasztikus nyelvet, amely tükrözi ezeket a köztársasági eszméket.

• Kapcsolódó cikk: "Mi az a 7 képzőművészet? Jellemzőinek összefoglalása"

Ghiberti és Masaccio, a nagy műanyagfelújítók

1401-ben Firenzében versenyt rendeztek, hogy találjanak egy művészt, aki elkészítse keresztelőkápolnája második ajtaját. A győztes Lorenzo Ghiberti lett; Első alkotása a keresztelőkápolnában, bár a reneszánsz művészet "kiáltványának" számít, még mindig nagy hatást gyakorol az úgynevezett nemzetközi gótika formáira. Csak Ghiberti második, a keresztelőkápolnáról szóló művében (a harmadik ajtók, 1425 és 1452 között készült) fog értékelni, ezúttal kétségtelenül. egy új plasztikus nyelv hangzatos megjelenése amely a többi megoldás mellett magában foglalja a perspektíva bevezetését az ábrázolt ábrák léptékének szabályozásával.

Ha Ghiberti alkotása a keresztelőkápolnának a szobrászat újítását jelenti, Masaccio (1401-1427) munkája a festészet területén. A freskók, amelyeket a művész a Brancacci-kápolna számára készített a firenzei Santa Maria del Carmine templomban, igazi forradalmat képviselnek. Köztük a csodálatos A tisztelgés Caesar előtt, akinek realizmusa és figuráinak erőteljessége bizonyára igazi kinyilatkoztatást jelentett kortársai számára. Ugyanígy a Szentháromság című freskójának merész építészeti perspektívája, a Santa Maria Novella-ban, mintha lyukat nyitna a templom falán. Ez az az „ablak”, amelyről Alberti beszél; Masaccio végre valósággá vált.

Brunelleschi és a lehetetlen kupola

A 14. század közepe óta a firenzeiek olyan kupolával akarták ellátni katedrálisukat, amely a legnagyobb a kereszténységben.. A projekt nagysága azonban lefagyasztotta az építészek aggodalmát: nem kevesebb, mint 43 méter átmérőjűt kellett megmenteni, ami gyakorlatilag megegyezik a római Pantheon méreteivel. Azóta senkinek sem sikerült ilyen kupolát emelnie.

A munka végül 1420-ban kezdődött, a Bizottságot elcsábította Brunelleschi merész terve, amely a kolosszális szerkezet állványzat vagy álmunka nélkül (a kupola aljából szalagokkal emelnék ki vízszintes). A projekt 16 évig tartott (nevetséges idő, ha figyelembe vesszük a cég nagyságát). 1436-ban – Alberti saját szavai szerint – Firenze kupolája „árnyékával egész Toszkánát beborította”. A Pantheon, vagyis a római idők óta semmi hasonlót nem sikerült elérni. Brunelleschi kupolája igazi mérföldkő a reneszánsz építészetben.

• Érdekelheti: "Létezik-e tárgyilagosan jobb művészet a másiknál?"

A többi reneszánsz központ

Firenze volt az a vitathatatlan központ, ahonnan a humanizmus és az új reneszánsz nyelv sugárzott, de voltak más olasz központok, amelyek átvették ezeket az ötleteket, és magukévá tették őket, hogy megteremtsék a saját verzió. Lássuk őket lent.

Rimini, Segismundo Malatesta vezetésével, az új művészi kifejezést használta hivatalos propagandája alapjául. A Malatesta udvar reneszánsza alapvetően a klasszikusok lovagi szellemén és tudásán alapult. A reneszánsz egyik példája Riminiben a San Francesco templom, Leon Battista Alberti alkotása. Emellett Malatesta Piero della Francesca festőt is udvarába vonzotta.

Velence egy nagy keleti terhelést rejtő város volt, amely a középkor óta az európai és a bizánci világ találkozási pontja volt. Mint ilyen, a velencei reneszánsz még mindig a bizánci modelleket veszi, és egy római építészeti és dekorációs szókinccsel ötvözi őket.

a maga részéről Federico de Montefeltro egy hatalmas programot tervez, hogy tehetségeket vonzzon Urbino-i udvarába, köztük az előkelő Piero della Francesca, akinek Urbino hercegét és hercegnőjét ábrázoló, szigorú profilú, római érméket utánzó portréi elég híresek. Általánosságban elmondható, hogy az ikonográfia keresztény és mitológiai elemeket ötvöz, ami egyébként gyakori a reneszánsz művészetben.

Végül, Mantovában Ludovico Gonzaga a klasszikus ókor iránti ízlésére támaszkodik a város megreformálásához. Ehhez számít többek között Leon Battista Alberti (San Andrés templom) és Andrea Mantegna (freskók a házastársak kamrájában). A reneszánsz művészekre való odafigyelés azt jelenti, hogy sokkal magasabb státuszúak, mint a korábbi évszázadokban. Így Mantegna elrendelte mantovai palotájának felépítését, amely a reneszánsz építészet jellegzetes modelljeit követi, ill. amelynek geometriája a római építész, Vitruvio előírásait követi, az építészeti író referenciáját. korszak.