Apakah ada seni yang secara objektif lebih baik dari yang lain?

Kita semua tahu bahwa seni, seperti banyak hal lainnya, bersifat subjektif. Namun, Apakah ada seni yang secara objektif lebih baik dari yang lain? Bisakah kita menemukan gaya artistik atau waktu di mana manifestasi artistiknya, secara objektif, lebih baik dari yang lain?

Kami mengusulkan perjalanan melalui sejarah seni untuk mengungkap apakah memang ada seni yang secara objektif lebih baik dari yang lain.

• Artikel terkait: "8 cabang Humaniora (dan apa yang dipelajari masing-masing)"

Apakah ada seni yang secara objektif lebih baik?

Selama beberapa periode sejarah hal ini pasti dipercaya. Itulah sebabnya, selama Renaisans, penulis seperti Vasari meremehkan seni Gotik dan menamakannya seni "biadab" (seni Gotik, dari situlah namanya berasal). Barok juga merupakan salah satu gaya yang banyak dicerca dengan munculnya Revolusi Prancis dan klasisisme. Tapi apa alasan untuk pertimbangan ini?

Alasannya tidak lain adalah perubahan mentalitas dan, oleh karena itu, munculnya prasangka. Pada masa Vasari, Renaisans telah mengambil alih seni, jadi segala sesuatu yang tidak sesuai dengan visi "klasik" dianggap seni kecil yang kurang berkembang. Hal yang sama terjadi berabad-abad kemudian dengan Baroque dan, khususnya, Rococo. Kaum revolusioner Prancis melihat yang terakhir sebagai seni bangsawan dan karena itu seni yang harus dihancurkan.

Jadi Sejauh mana evaluasi artistik tunduk pada prasangka?

• Anda mungkin tertarik pada: "10 cabang Filsafat (dan pemikir utamanya)"

Tapi apa sebenarnya seni itu?

Di sini kita perlu memperkenalkan klarifikasi. Apa itu seni? Definisi yang beragam sekaligus kompleks (dan rumit). Royal Spanish Academy menawarkan berbagai definisi kata tersebut. Diantaranya adalah sebagai berikut: "Kapasitas, kemampuan melakukan sesuatu", dan "Manifestasi aktivitas melalui mana apa yang nyata ditafsirkan atau apa yang dibayangkan ditangkap dengan plastik, linguistik atau bersuara". Kami percaya bahwa, dalam pengertian kedua, RAE telah tepat sasaran. Mari kita lihat baik-baik: "... melalui mana yang nyata ditafsirkan atau yang dibayangkan ditangkap." Jelas: seni memiliki dua jalur: representasi realitas (terkadang secara tegas, seperti yang akan kita lihat nanti) atau perwujudan konsep transenden. Selain itu, kita harus menambahkan bahwa kedua hal tersebut tidak bertentangan satu sama lain, meskipun keduanya membuat kita percaya demikian.

Sementara itu, tokoh terkemuka E. H Gombrich, dalam karyanya yang terkenal sejarah seni, memulai pengantarnya dengan menegaskan bahwa: “Seni itu tidak benar-benar ada. Hanya ada artis. Ini dulunya adalah orang-orang yang mengambil tanah berwarna dan secara kasar menggambar bentuk bison di dinding gua; hari ini, mereka membeli warna dan menggambar tanda untuk stasiun kereta bawah tanah”. Dan kemudian, dia menambahkan: “Tidak ada salahnya menyebut semua kegiatan ini sebagai seni, selama kita memperhitungkannya kata seperti itu dapat berarti banyak hal yang berbeda, di waktu dan tempat yang berbeda, dan selama kita perhatikan bahwa Seni, yang ditulis kata dengan huruf kapital A, tidak ada, karena Seni dengan huruf kapital A pada dasarnya adalah hantu dan idola…”.

Dengan kata lain, bagi sejarawan bergengsi, jika hanya seniman yang ada dan, oleh karena itu, tidak ada cita-cita seni (Seni dengan huruf kapital yang berkomentar), maka artinya memang tidak ada gaya artistik atau era yang lebih baik atau lebih buruk dari yang lain. Untuk melakukan perjalanan singkat ini, akan sangat membantu jika mengandalkan contoh-contoh konkret; dengan cara ini akan lebih mudah untuk memahami apa yang dimaksud Gombrich dengan pernyataan seperti itu.

• Artikel terkait: "Apakah 7 Seni Rupa itu? Ringkasan karakteristiknya"

Komposisi, bentuk, perspektif

Mari kita ambil bison yang dikomentari Gombrich sebagai contoh. Anda semua pasti ingat lukisan prasejarah yang khas, yang dibuat di bawah perlindungan gua. Mari kita ajukan pertanyaan. Apakah representasi ini realistis? Jangan ragu untuk menjawab, karena jawabannya adalah "tidak".

Artis yang melukis bison tidak bermaksud untuk menggambarkan bison yang sebenarnya, dengan volumenya, perspektifnya, dan detailnya yang realistis. Memang, tidak ada perspektif sama sekali; gambarnya benar-benar datar (walaupun, dalam beberapa contoh, upaya nyata pada realisme dapat dicatat). Bagaimanapun, hasilnya sama: hewan yang digambarkan di dinding atau langit-langit gua mewakili sebuah ide, konsep, bukan bison sungguhan.

Mari kita bandingkan bison prasejarah dengan lukisan abad ke-19; Misalnya, Doa Angelus di lapangan, oleh pelukis Ignacio Díaz Olano dari Vitoria.

Kami akan mengamati bahwa, di atas kanvas, pelukis telah membuat representasi yang cermat, praktis fotografis, dari anatomi dua lembu. Volumenya sempurna, perspektifnya memadai; kami memiliki sensasi hadir dalam adegan, seolah-olah kami adalah bagian dari instan yang diwakili. Singkatnya: Díaz Olano menangkap sebagian dari realitas.

Pada titik ini, kami mengajukan pertanyaan. Apakah tim Díaz Olano secara objektif lebih baik? Dari segi resolusi, gambar, perspektif dan teknik, tentu iya. Perspektif, volume, nada lukisan yang realistis; mereka tidak ada hubungannya dengan sosok datar, dalam warna-warna netral, yang kami lihat di dinding gua. Sekarang, apakah ini berarti bahwa karya Díaz Olano secara objektif lebih baik, secara umum, daripada bison prasejarah? Jawabannya, dalam hal ini, tidak diragukan lagi adalah “tidak”.

• Anda mungkin tertarik pada: "10 cabang Filsafat (dan pemikir utamanya)"

Ekspresi, konsep, ide

Mari kita ambil contoh lain yang akan mengilustrasikan dengan baik apa yang kita maksud. Dan itu tidak lain adalah Eksekusi 3 Mei, dari Goya.

Bagus. Sekarang bandingkan dengan adegan pengambilan gambar lainnya: Eksekusi Torrijos dan teman-temannya di pantai Malagaoleh Antonio Gisbert.

Mari kita mulai dengan yang kedua. Di dalam Torrijo, semuanya sempurna. Sekali lagi, komposisinya tidak salah; maupun perspektif, maupun volume, maupun gambar, maupun teknik. Secara formal, ini adalah gambaran yang sempurna. Selain itu, Gisbert juga memperkenalkan ekspresi ke dalam karyanya: jika kita cermati, setiap wajah dari mereka yang akan mati mengungkapkan perasaan yang berbeda, mulai dari rasa takut yang paling menyiksa hingga yang paling luar biasa.

Mari kita pergi sekarang ke eksekusi Goya. Bisakah kita mengatakan bahwa, secara formal, Torrijos lebih baik diselesaikan? Nah, meski berbicara tentang Goya, jawabannya sekali lagi adalah “ya”. Kanvas Gisbert adalah snapshot fotografiMengabadikan momen nyata dalam hidup. Sekali lagi, dan seperti malaikat oleh Díaz Olano, sepertinya kami berada di pantai, bersama Torrijos dan rekan-rekannya. Padahal, yang paling menarik dari lukisan itu adalah seolah-olah kita adalah bagian dari kelompok narapidana yang menunggu giliran untuk mati, mengingat titik di mana pandangan pemirsa berada. Adapun wajah, tidak ada lagi yang bisa dikatakan; Gisbert mencatat potret asli para korban, dan juga bertemu dengan kerabat almarhum untuk dengan setia menciptakan kembali ciri-ciri dari mereka yang dieksekusi.

Sekarang, jika kita melihat lukisan Goya, kita akan melihat bahwa wajah-wajah itu tidak dapat dikenali. Pertama-tama, orang Prancis (para algojo) menyembunyikan wajah mereka, seolah-olah malu. Selain itu, sebagian besar dari mereka yang ditembak menutupi wajah mereka dengan tangan. Beberapa yang menunjukkan wajah mereka bagi kami tampak seperti Karnaval atau topeng mimpi buruk daripada manusia. Tidak ada faksi individual; Goya melukis teror dalam bentuknya yang paling murni.

Mari kita pergi ke pertanyaan. Apakah ini berarti lukisan Gisbert secara objektif lebih baik daripada lukisan Goya? Tentu saja tidak. Dan karena? Sebab, sederhananya, niat Gisbert saat menjalankannya Torrijo tidak sama dengan milik Goya ketika dia melukisnya eksekusi. Yang pertama ingin menunjukkan realitas yang sempurna, sedangkan yang kedua dia mengungkapkan kemarahan dan frustrasinya melalui kuas. Gisbert tidak mengalami regu tembak Torrijos; terlebih lagi, dia melukis gambar itu beberapa dekade kemudian. Goya benar-benar menjalani hari-hari yang menentukan di bulan Mei itu.

• Artikel terkait: "Apa itu kreativitas? Apakah kita semua "calon jenius"?"

Pemberat akademisi

Dimulai pada abad ke-18 dan, terutama, pada abad ke-19, seni akademis (seperti lukisan Torrijo) dianggap sebagai puncak lukisan dan patung. Komposisi yang sempurna, resolusi perspektif yang mulus, proporsi yang tepat antar karakter... karya ilmiah sebenarnya tidak memiliki kesalahan formal untuk ditunjukkan.

Namun, tidak kalah benarnya bahwa selama abad ke-19 ekspresi dan gagasan itu dilupakan. Dengan kata lain, "apa" diencerkan, dan hanya "bagaimana" yang tersisa. Sangat bertentangan dengan apa yang pernah menjadi "seni" lain dalam sejarah, di mana yang menang di atas segalanya adalah konsep, ide yang diwakili. Inilah salah satu alasan mengapa, antara lain, seni abad pertengahan sangat dibenci sejak abad ke-18; gaya konseptual dan transendennya tidak sesuai dengan akademisisme yang berlaku.

Jika kita ingin menilai sebuah karya seni dengan benar, kita harus ingat bahwa dalam apresiasi kita membawa pemberat Akademisi. Dan berhati-hatilah, karena kami tidak bermaksud bahwa seni akademis itu buruk, sebaliknya; tetapi memang benar selama bertahun-tahun kita telah diajari bahwa satu-satunya seni yang "baik" adalah salah satu yang menghormati pedoman formal perspektif, volume dan komposisi, antara lain hal-hal. Dan ini tentu saja membuat kita kehilangan arah dan kita tidak dalam posisi untuk menilai "kesenian" lain yang tentu saja memiliki nilai pada dirinya sendiri.

Karena pedoman yang dibutuhkan untuk menilai sebuah karya tidak hanya yang telah didiktekan Akademi kepada kita selama berabad-abad. Ada yang lain, seperti ekspresif, perasaan dan ide yang, di sisi lain, adalah seni yang mendikte waktu dan budaya lain. Haruskah kita percaya bahwa Romanesque Madonna and Child "lebih buruk" daripada Venus oleh Praxiteles? Tentu saja tidak. Mereka adalah putri dari dua konsep dan dua dunia yang sangat, sangat berbeda.

Namun, dan seperti segala sesuatu yang berkaitan dengan seni, keputusan ada di tangan masing-masing. Dalam artikel ini kami hanya mengusulkan tampilan yang berbeda dan, yang terpenting, cocok untuk setiap karya tertentu; tampilan yang mempertimbangkan konteks, kemungkinan teknis, dan kepribadian penulis.