Pop Art: artisti in primo piano e le loro opere

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In questa lezione di un INSEGNANTE, Pop Art: artisti in primo piano e le loro opere, ci dedicheremo ai suoi creatori, ai creatori del movimento visivo più innovativo e significativo del XX secolo che, come già abbiamo notato in precedenza, hanno creato immagini registrate nell'immaginario collettivo come la rappresentazione molto visiva di a epoca.

Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, tra l'altro, hanno raggiunto ciò che pochi anni prima era impossibile, democratizzare l'arte. Tale era la portata della sua diffusione che le sue creazioni hanno raggiunto la Luna e per questo, e tanti altri meriti, in questa lezione dedicheremo ad esse tutta la nostra attenzione.

Indice

1. Richard Hamilton (1922 - 2011)
2. Jasper John (1930)
3. Robert Rauschenberg (1925 - 2008)
4. Roy Lichtenstein (1923-1997)
5. Tom Wesselman (1931 - 2004)
6. Claës Oldenburg (1929)
7. David Hockney (1939)
8. Allen Jones (1937)
9. Andy Warhol

Iniziamo parlando degli artisti di spicco della Pop Art e delle loro opere parlando di Richard Hamilton. Era un artista e designer britannico considerato dalla stragrande maggioranza degli studiosi come

"Popolare, concepito per le masse; effimero, con soluzioni a breve termine, sacrificabile, facilmente dimenticabile; basso costo, prodotto in serie; giovane, rivolto ai giovani; spiritoso; sexy; ingannevole; glamour... grandi affari...".

Inoltre, Hamilton ha creato per la mostra Questo è domani (1956) quello che molti considerano il primo lavoro totalmente Pop, Proprio quello che rende le case di oggi così diverse. Così attraente? (1956).

In esso, Hamilton ha realizzato un fotomontaggio in cui è stata mostrata la cultura materialista appena arrivata. Con questo cerco di contrapporre le icone "pop" ad una volontà di riflessione da parte dello spettatore (cosa molto tipica della Pop Art britannica, che non avrebbe un posto così esplicito in quella americana).

Allo stesso modo, vediamo per la prima volta la presenza del termine "pop", coniato dallo stesso artista un anno dopo.

Jasper Johns intendeva per la Pop Art negli USA, quello che R. Hamilton nel Regno Unito. Artista insaziabile e irrequieto, ben noti sono i suoi motivi di bandiere americane, numeri e lettere, ed è che su di lui ricade il merito di aver introdotto in terre americane alcuni immagini puramente popolari. Come ha affermato il gallerista Leo Castelli, "Jasper Johns deve essere considerato il primo artista veramente americano".

In opere come Bandiera (1954) si nota il suo talento artistico nel prendere un simbolo dell'identità americana così forte e che, tuttavia, ci si pone con ironia. Allo stesso tempo, avvalendosi (e sfoggiando) le tecniche dell'Espressionismo astratto, si fa beffe del suo movimento predecessore.

Robert Rauschenberg è una figura ponte tra Neo-Dada e Pop Art. Sebbene il suo lavoro rientri nel secondo, il suo lavoro sorprende per il molteplici influenze che l'osservatore può apprezzare. Il più significativo, senza dubbio, il suo passione per l'arte marginale, che di solito incorpora nei suoi collage.

La caratteristica più caratteristica delle sue opere è che sembrano voler evidenziare il scarto del mondo materialista intorno a te. In opere come Monogramma (1955) o Piano Coca-Cola (1955), Raushenberg non rappresenta ciò che è nuovo, ma ciò che è già usato e consumato, creando un dibattito meno ironico e più serio rispetto ai suoi colleghi.

Ma è risaputo che il genio di Rauschenberg si distinse nel 1953 con l'opera Il disegno di Kooning è stato cancellato, quando un giovanissimo Rauschenberg chiese all'allora Dio della pittura contemporanea, Kooning, di cancellare uno dei suoi disegni preferiti. Forse, proprio per quel genio, un suo disegno (insieme a quelli di Warhol o di Oldenburg) è presumibilmente sulla Luna.

Roy Lichtenstein è, insieme ad Andy Warhol, il Artista pop per eccellenza. Nonostante fosse un artista iniziato all'espressionismo astratto, intorno al 1958 la sua carriera virò verso la figurazione attraverso l'incorporazione di immagini tratte dall'universo del i fumetti. Anni dopo, la sua intera produzione consisteva in icone dei fumetti e della televisione.

amante di Picasso, nella sua produzione si nota un forte influenza del cubismo e della tecnica del collage, anche se questo è stato risolto solo nel quadro teorico, poiché le opere di Lichtenstein erano sempre opere riprodotte a mano seguendo, sì, la tecnica di Benday delle arti grafiche.

Alcune delle sue opere più famose sono Bacio V (1964), Piccolo grande Pittura (1965), Camera di Arlesles (1992) o la danza (1974), tutti attualmente considerati un eccezionale valore mercantile. Ed è che negli anni possiamo vedere come le opere di Lichtenstein raggiungano lo status di ciò che imitano, un oggetto di consumo.

Immagine: Saatchi Art

Tom Wesselman è stato un altro degli artisti di spicco della Pop Art e delle sue opere. Era un notevole artista pop americano, il cui leitmotiv era il nudo. Ma non un nudo qualsiasi, ma il nudo americano, che consisteva nella presentazione di vari nudi femminili carichi di erotismo e incorniciati in scene, spesso domestiche, che erano incastonate nelle sue tele.

Claes Oldenburg è stato responsabile della materializzazione del concetto di oggetto come monumento creando repliche su larga scala di diversi oggetti di uso quotidiano. In opere come Spoonbridge e Cherry (1985-86), Gratuito (1991) oTorsolo di mela (1990) osserviamo pezzi di sculture morbide che sono state rinforzate da fibra con poliestere.

A sua volta, il posizionamento premuroso delle sculture di Oldenburg rappresenta l'appropriazione di oggetti da consumo sullo spazio pubblico, una metafora, forse, di come questi abbiano finito per colonizzare tutti i nostri ambiti.

Immagine: ArtPeople. Netto

Curioso è il caso di David Hockney, artista che, nonostante rifiutando costantemente di essere considerato un artista pop, È considerato uno dei grandi del movimento. Originario dell'Inghilterra, si è trasferito in California alla fine degli anni '50 alla ricerca di un ambiente più rilassato e liberale.

È proprio questo ambiente spensierato che possiamo visualizzare in opere come il famoso Il più grande splash (1967), dove attraverso superfici piane realizzate con acrilici, Hockney ci presenta l'immediatezza del momento su una soleggiata terrazza della California. La bellezza del suo lavoro sta nell'anonimato intrinseco, così come nei suoi impassibili piani quasi astratti.

Essere Allen Jones Membro fondatore della Pop Art britannica quando si partecipa alla mostra Giovani Contemporanei (1961), il suo lavoro continua a sorprendere per la sua alta capacità di scioccare lo spettatore, soprattutto in relazione all'insieme scultoreo in fibra di vetro Appendiabiti, tavolo e sedia (1969). In esso Jones crea un set di mobili antropomorfi e sostiene attraverso a figurativismo radicale alla materializzazione del sottomissione sessuale delle donne.

Questa rappresentazione trasgredisce i limiti di ciò che è politicamente corretto per svelare il dibattito su fino a che punto può spingersi la libertà dell'arte quando si tratta di ruoli di identità sessuale. Era, è e forse continua ad essere, soprattutto per occhi inesperti, un'opera molto complessa; sicuramente è per questo che Stanley Kubrick ha deciso di usarli nel suo film anche controverso Un'Arancia Meccanica (1971).

Andy Warhol è l'artista Pop per eccellenza, l'artista che ha trasformato il suo nome in un marchio al livello e alla somiglianza di quelle icone che ha rappresentato nelle sue opere. Artista e prodotto in sé, Andy Warhol ha coltivato una miriade di tecniche artistiche che spaziavano dalle più convenzionali, come la pittura o la scultura, a quelle più tipiche del loro tempo, come gli audiovisivi o le arti grafica.

Come molti suoi colleghi, attraverso l'uso delle nuove tecniche di riproduzione che il suo tempo gli aveva regalato, cercò di creare opere a lui estranee. Tuttavia, questa superficialità è spesso offuscata dal gioco ironico dei suoi pezzi. Ad esempio, nel tuo SErie di Mao 1972 prende in giro il leader comunista usando ripetizioni e colori.

Questa stessa strategia sarà usata ripetutamente nei suoi iconici Marylins Monroes o Lizs Taylors, anche se con loro notiamo un trattamento più affettuoso e ammirato. Warhol ha riprodotto ciò che desiderava e che finalmente, dopo il suo La fabbrica o la creazione della rivista Colloquio, tra tanti, tanti altri, ci riuscì.

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