Lo stagno delle ninfee di MONET

I giardini di Monet nella loro casa di Giverny hanno avuto una grande influenza sul movimento impressionista Perché non è solo un luogo di ispirazione per il pittore, ma anche un punto di incontro per altri impressionisti come Cézanne, Renoir, Sisley, Pissarro, Matisse e John Singer Sargent.

In questa lezione di unPROFESOR.com ti offriamo il commento e analisi di Lo stagno delle ninfe, una delle opere chiave dell'ultima fase pittorica di Claude Monet.

Indice

1. Contesto storico di The Water Lily Pond
2. Commento da Lo stagno ninfeo
3. Analisi del lavoro

“Un paesaggio non ti entra sotto la pelle in un giorno. E poi all'improvviso ho avuto la rivelazione di quanto fosse bello il mio laghetto. Ho preso la mia tavolozza. Da allora non ho quasi più avuto un altro argomento".

Queste erano le parole di Claude Monet al romanziere Marc anziano nel 1924 quando si parlava del giardino in cui si trovava questo stagno di ninfee o ninfee.

Claude Monet (Parigi, 1840 – Giverny, 1926), maestro dell'impressionismo, si ritirò a Giverny nel 1883 in questa piccola città dell'Alta Normandia, ma non sarebbe stato così fino al 1890, anno in cui acquistò la casa che aveva preso in affitto, che poté realizzare a proprie spese i giardini gusto. Nei suoi giardini c'era un laghetto formato dall'acqua il torrente Ru, deviazione di uno degli affluenti della Senna. La sua intenzione era quella di avere un luogo di riposo e relax e un motivo per dipingere. Per fare questo, ha installato una passerella stile giapponese sopra lo stagno. A quel tempo, 1895, aveva già realizzato tre tele prima di procedere con la piantagione di ninfee.

Nel 1899 tornò ad esibirsi 18 diverse vedute del ponte sul laghetto e delle ninfee. Una serie che realizzò nell'estate del 1899, esponendole al Galleria Durand-Ruel a Parigi nel 1900, e di cui fa parte.

Lo stagno è diventato un rifugio per il pittore per la sua vecchiaia, fuggendo dal trambusto di città moderne come Parigi o Londra e dalla controversa e difficile situazione che stava attraversando la Francia all'apice del cosiddetto caso Dreyfus. Una specie di Eden nel suo stile Giardino Argenteuil negli anni '70 del XIX.

Seguendo i precetti dell'impressionismo, Monet mostrò una enorme fascino per gli effetti di luce, vapore e nebbia sui paesaggi. Una preoccupazione che lo ha portato a dipingere all'aperto e con pennellate velocissime. In questo caso, Lo stagno delle ninfe (1899), mostra uno stagno con ninfee e un ponte giapponese dipinto con macchie colorate e in cui Monet ha catturato i riflessi in un'ora del giorno in cui il sole splende più forte.

La tabella presenta un formato verticale, insolito nella serie a cui appartiene, ma che permette di apprezzare il rapporto tra vegetazione acquatica, acqua e terra, sottolineando il risalto dei gigli e del ponte. Due realtà offerte dal contrasto tra la spiccata verticalità delle barre che sostengono la rampa del ponte e l'immagine fluida delle ninfee che si espandono orizzontalmente oltre il piano del immagine.

Tieni presente che Monet dipinto l'intera serie da uno studio improvvisato e sempre nello stesso punto di osservazione. Usava anche una barca a remi per legarsi al ponte per dipingere il ponte con una vista frontale da lì.

Una volta terminate le opere, Monet le ha ritoccate prima di esporle, mettendo in risalto colore e forma. Così, nelle tele del 1899, il pittore si concentrò maggiormente su toni verdastri, mentre in quelle del 1900 Monet optò più per toni più caldi.

E ora passiamo all'analisi di Lo stagno delle ninfe conoscere gli aspetti più tecnici di quest'opera d'arte di Monet, autore di altri dipinti emblematici come Donna con ombrello.

Il colore, le trame e la luce

Come abbiamo già notato, Monet stabilì tonalità fresche, in particolare verdi, azzurri e viola, in contrasto con i gialli e riflettendo il calore della plafoniera. Le forme naturali sono organizzate in modo complesso e con textures molto marcate per ricreare le forme organiche e naturali delle ninfee.

Per fare questo, Monet ha usato la spatola e un pigmento denso e pastoso, oltre a usare tratti spessi, veloci, indefiniti e senza definire i contorni. Un modo di dipingere che offre una sensazione di dinamismo e movimento, avvicinandosi molto all'astrazione per il suo modo libero di catturare il paesaggio.

Un'altra delle caratteristiche tipiche dell'impressionismo è il gioco con la luce e il colore. Così, le forme si compongono nell'occhio per prendere una certa distanza, essendo così un lavoro figurativo. UN pittura all'aperto che mostra la luce zenitale e naturale, raggiungendo profondità grazie alle differenze di illuminazione, cioè più scure in primo piano e più chiare sullo sfondo.

Composizione

Per la realizzazione di quest'opera, Monet è stato ispirato dalla collezione di xilografie giapponesi ukijo-e con immagini di ponti. Alcune incisioni che il pittore raccolse a partire dal 1860, trasformando tutto in giapponese la moda, in particolare l'arte, alla fine del XIX secolo, periodo in cui Monet le realizzava serie.

Una nozione che sarebbe potuta arrivare al pittore attraverso la serie di stampe di paesaggi giapponesi come la celebre Trentasei vedute del Monte Katsushika Hokusai. Nello specifico, Monet possedeva nove incisioni della serie e tre volumi di Cento vedute del Monte Fuji da Hokusai facevano parte della lunga lista di libri e articoli sull'arte e la cultura giapponese che riempiva la sua biblioteca.

Anche l'appiattimento dell'immagine con il motivo del ponte e la sua vista contenuta sono considerati un ispirazione nelle composizioni degli artisti giapponesi Hiroshige e Hokusai.

Inoltre Monet, che aveva realizzato il suo giardino per fini estetici e per hobby, intendeva costruire un'area di meditazione con tutti i dipinti dedicati a questo laghetto di ninfee. Questo dipinto di The Ninfeas Pond è stato trovato dal 1929 nel Metropolitan Museum of Art di New York, STATI UNITI D'AMERICA.

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• Tobien, Felicitas (2016). Claude Monet. Editori
• Monet, Claudio (2012). Il dipinto dal giardino. Libri Casimiro
• Mirbeau, Octave (2011), Claude Monet e Giverny. Josè J. di Olañeta