Sistema Stanislavski: cos'è, caratteristiche e come si usa nella recitazione

Dicono che le parole preferite di Stanislavski ai suoi allievi di recitazione fossero "Non ti credo, non mi convinci". Il suo modo di vedere e capire come dovrebbero agire gli artisti di teatro era esigente ma anche meticoloso. Tanto che è diventato il suo metodo: il sistema Stanislavskij.

Il suo approccio sistematico alla recitazione non solo ha rivoluzionato il modo in cui la recitazione è stata eseguita La Russia del suo tempo, ma riuscì anche a varcare i confini cambiando la direzione del teatro occidentale.

Questo metodo è stato fondamentale per realizzare commedie, serie e film come li conosciamo oggi, e poi scopriremo perché.

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Cos'è il sistema Stanislavskij?

Konstantin Sergeevich Alekseyev (Mosca 1863 - 1938), meglio conosciuto come Stanislavski, è stato un prolifico attore, regista e insegnante di teatro russo Noto per essere l'autore di uno dei metodi più importanti per la storia delle arti performative: il sistema Stanislavski. Il prodotto di molti anni di sforzi, il suo metodo aveva lo scopo di consentire agli attori di controllare gli aspetti dei più intangibili e comportamento umano incontrollabile sul palco, come emozioni e ispirazione artistico.

Stanislavski ha studiato cosa hanno fatto gli attori che, naturalmente, sono riusciti a entrare nel personaggio. Sulla base delle sue osservazioni ed esperienze, questo regista russo ha creato un sistema che ogni attore, sia principiante come veterani della professione, potrebbero applicare nei loro lavori ottenendo un più pulito, reale e naturale. Questo metodo era così rivoluzionario al momento della sua comparsa che ha segnato un prima e un dopo nel mondo della recitazione, stabilendo standard che delimitassero la linea tra una performance convincente di un artificiale e una cattiva rappresentato.

Questo metodo è stato formulato in un momento in cui le arti performative della sua terra natale, la Russia, erano caratterizzate da cliché convenzionali e stereotipati. Gli attori hanno agito in modo artificiale, persino istrionico. Le commedie erano avvolte da un'aura di falsa emotività e poca preparazione da parte degli attori, così poco che scoprirono cosa avevano da dire anche quando erano già in scena. Poco o niente è stato guardato agli script in cui è uscito ciò che avrebbero dovuto memorizzare.

Stanislavski ha svolto una ricerca meticolosa per far lavorare i suoi attori fin dall'inizio con qualcosa che percepissero come reale., persone, elementi e oggetti visti non come semplici elementi di una scena, ma parti di una scena reale, mondana, parte della vita stessa. Le persone non sono attori della nostra vita, ma noi ne siamo parte, le viviamo più che le recitiamo.

Per far entrare l'attore nella scena che sta rappresentando, Stanislavski difende l'uso della memoria emotiva. L'attore o l'attrice deve ricordare un'esperienza personale simile a quella che stanno cercando di rappresentare, aiutandoli a sentirsi più immersi e coinvolti in ciò che stanno cercando di rappresentare in scena. Dovresti cercare una situazione nella tua storia di vita in cui hai sentito un'emozione analoga a quella del tuo personaggio.

Ma questo non si ottiene solo evocando emozioni sincere. È necessario anche un piccolo supporto esterno, modificare il nostro aspetto e il nostro comportamento per dare vita al personaggio che si intende rappresentare o, meglio, far vivere. Truccarsi, vestirsi, camminare, insomma comportarsi come il personaggio fin dagli atti fisici esterni aiutano a scatenare l'emozione cercata, seguendo il principio che se cominci a piangere, finisci per essere triste.

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I principi del sistema Stanislavskij

Il sistema Stanislavski è piuttosto complesso e non si può dire che sia statico proprio a causa di quanto si è evoluto da quando è stato concettualizzato all'inizio del XX secolo. Tuttavia, è possibile evidenziare alcuni dei suoi principi più importanti, che hanno contribuito a segnare un prima e dopo nel modo in cui gli artisti di teatro e, in seguito, i film e le serie hanno rappresentato la loro caratteri:

1. Concentrazione sul personaggio

L'attore deve rispondere al immaginazioneimparando a pensare come il personaggio, concentrandosi sull'essere ciò che sta interpretando.

2. Senso di verità

Con un senso di verità potremmo dire che una delle idee di questo metodo è quella di differenziare tra l'organico e l'artificiale. Stanislavski credeva fermamente che ci fossero leggi naturali da seguire nelle arti dello spettacolo, che, se rispettata, differenziava un'opera buona, naturale e armoniosa, da una cattiva, artificiosa e eccessiva.

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3. Agire secondo le circostanze date

L'attore deve essere abile nell'uso e nella gestione delle circostanze che sono riportate nel testo, ma mediante la verità e ricorrendo a mezzi organici. si tratta di attenersi al copione ma liberarsi rappresentando la propria emotività, rimanendo fedele a ciò che appare nella sceneggiatura ma facendo in modo che la performance abbia personalità e naturalezza.

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4. Il metodo fisico

Stanislavski vide che molti dei suoi allievi avevano profonde tensioni emotive e problemi mentali. Attraverso il suo metodo, poteva aiutare a rimuovere la tensione fisica ed emotiva dagli attori, rendendoli Rilasseranno i muscoli durante l'esecuzione delle presentazioni e agiranno in modo molto più libero.

In aggiunta a ciò, il regista russo ha attribuito un'importanza straordinaria al fattore fisico che non solo è servito a rilassare ma anche a mettere in scena in modo più accurato. È per questo che il tuo sistema è stato anche conosciuto come metodo di azione fisica grazie alla sua grande enfasi sul rilassamento dei muscoli durante l'esecuzione della performance.

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5. Aree di attenzione

Le sfere dell'attenzione è ciò che Stanislavskij intendeva per lavorare sulle sensazioni. L'attore deve scoprire la base sensoriale dell'opera. Nel tuo compito è imparare a memorizzare e ricordare le sensazioni che prova il tuo personaggio, sensazioni che modulano il loro stato d'animo e il loro modo di comportarsi con gli altri personaggi della commedia e con i pubblico.

6. Comunicazione e contatto

L'attore deve poter interagire con gli altri personaggi in modo spontaneo, senza violare il contenuto del libro ma che non sembri qualcosa di forzato o artificiosamente preparato. La comunicazione e il contatto con gli altri attori è essenziale durante le prove e le esibizioni finali.

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7. Ruoli segmentati in unità e obiettivi

Gli artisti devono imparare a dividere il ruolo o il ruolo dei loro protagonisti in unità sensibili che possono lavorare separatamente. È compito dell'attore e dell'attrice definire ogni unità del ruolo, sentendolo come un proprio desiderio. piuttosto che intenderla come un'idea letteraria che nasce dal libretto del regista.

8. Creatività nell'agire e nel pensare

Non puoi essere un attore senza essere creativo. La creatività si manifesta sia in uno stato d'animo creativo che nel modo di agire.

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9. Lavora con il testo dello script

Questo principio può sembrare ovvio, poiché è difficile rappresentare un'opera in modo affidabile ignorando completamente ciò che dice nel libretto. Tuttavia, in Russia all'inizio del secolo scorso questo non era così scontato da alcuni artisti russi, dal momento che che in molte occasioni è successo che le sceneggiature non fossero lette e si fidassero che avrebbero detto loro le loro frasi mentre recitavano.

L'attore deve rispettare ciò che mette nella sceneggiatura, memorizzando e interiorizzando le sue battute, ma non imparandolo a "vomitarlo" al momento della recita. L'attore deve scoprire il significato sociale, politico e artistico del testo, comprendere le idee che il regista ha immortalato nella sceneggiatura dello spettacolo. Come artista, l'attore o l'attrice deve servire come mezzo per affidare questi valori e visioni al pubblico che è venuto a vedere l'opera.

L'importanza del sistema Stanislavski oggi

Il sistema Stanislavski si è evoluto nel tempo. All'inizio, ciò che gli attori e le attrici dovevano fare era trovare la verità sul personaggio, trattarlo come un'entità reale. Tuttavia, con il passare del tempo la pratica di trovare nella propria esperienza le risorse che gli permettono di sentire ciò che sente il suo carattere è stata incorporata in ogni situazione.

Oggi si capisce che l'attore non deve solo capire cosa succede al suo personaggio dentro il lavoro, ma deve anche conoscere la situazione vitale in cui si trova e in quali circostanze si trova circondare. Sapendo questo e vivendolo nella propria carne, l'attore sarà in grado di reagire nello stesso modo in cui ci si aspetterebbe che lo faccia il suo personaggio, rendendo la performance il più naturale possibile.

Questo è andato un po' oltre, raggiungendo il fatto attuale che molti artisti vivono giorno per giorno come pensano che farebbe il loro personaggio. per esempio che il suo personaggio è un contadino che vive in campagna, perché poi l'attore va in una fattoria per una stagione e vive come se quella fosse la sua professione nella vita reale. Con il passare degli anni, diverse scuole di interpretazione hanno aggiunto alcune pratiche al sistema Stanislavski, diventando nel tempo in quello che nel mondo della recitazione è conosciuto come "il metodo".