Arte Rococò: definizione, caratteristiche, opere e artisti
Il rococò era un movimento artistico europeo di origine francese che si caratterizzava per il suo stile allegro e per i capelli gustati per decorazioni eccessive. Si è manifestato nella pittura, nell'architettura, nelle arti decorative e nella scultura.
L'arte rococò si sviluppò all'inizio del XVIII secolo, periodo di transizione tra arte barocca e neoclassica. Ora è condiviso come barocco o interessante per la profusione di dettagli, la differenza è data o sostituisce la sua solennità e dramma per prazer e intrattenimento.
Tale era il desiderio di intrattenimento che, secondo il ricercatore Michael Levey, il rococò non rispettava né la Chiesa né lo Stato. Amore, sensualità e vita quotidiana erano argomenti più interessanti delle glorie spirituali.
La parola rococó indica il thermos rocaille, una sorta di decorazione da giardino basata sull'uso delle conchiglie o del sesso, molto in voga in Italia e in Francia nel XVII secolo. Entrambi o l'uso di questi motivi come semelhança us efeitos alcançados levaram that o fosse termo rococò applicato a questo stile.
Caratteristiche dell'arte rococò
Contrariamente all'arte barocca, l'arte rococò è caratterizzata dall'essere allegro, celebrare la vita, dare spazio all'umorismo, alla grazia e al mite erotismo. Si può dire che fu, di fatto, l'espressione di una classe sociale che fuggiva dal tedio attraverso un'arte entusiasta, senza pretese trascendenti o didattiche.
Personaggio divertente e festoso
L'arte rococò era prima di tutto uno stile che cercava di esprimere grazia e gioia. Fosse ricamate o rococò ornate nella decorazione, la sua atmosfera cercava di essere luminosa e mostrare entusiasmo.
umorismo e malizia
L'arte rococò è l'espressione di un'élite che si diverte. Per questo motivo hanno una grande dose di umorismo e malizia che sopprime ogni tentativo di solitudine. By isso, o rococò também expressa o relaxamento da label.
Argomenti senza pretese moralistiche o didattiche
I temi preferiti del rococò erano le avventure sentimentali, i pranzi pastorali, i divertimenti dell'oziosa élite e la vita domestica. Ma, nonostante l'aspetto zuccherino di due temi, hanno una connessione con l'esperienza. I temi religiosi, mitologici o storici non appaiono fuori dall'ordinario, ma fuori dall'esistenza sono spogliati della loro solitudine.
Ficaram per dopo cene moralizzanti, didattiche o cene di potere. Ogni argomento passa il filtro della grazia, della pratica e della vita quotidiana.
erotismo velato
L'arte si nutre di un velato erotismo, sia nelle sue forme che nei suoi temi. Per alcuni artisti, la mitologia era un nascondiglio per giustificare o sviluppare il proprio erotismo, in modo da non subire le critiche delle élite intellettuali.
Oppure il rococò era un'arte attenta ai dettagli e agli ornamenti eccessivi. Artisti, designer e architetti arricchiranno la decorazione delle opere con elementi tanto esuberanti quanto fantasiosi. Non sono sorpreso di trovare elementi delle culture orientali come la fauna, la flora e tutti i tipi di motivi.
Uso di tonalità pastello e bianco
Uno dei modi che gli artisti rococò hanno trovato per tracciare grazia e divertimento è stato quello di cambiare una tavolozza dai toni terrosi e scuri ai toni pastello e bianchi. Veniva applicato sia nella pittura che nella decorazione architettonica, con grazia e sensualità.
Un'arte liberata svolge la sua funzione di propaganda
O rococò libertou l'arte del suo ruolo propagandistico. L'arte non era più al servizio delle cause ecclesiastiche o assolutiste, ma era anche influenzata dalla libertà tematica e stilistica. L'arte non doveva più essere né veicolo di una “verità”, doveva essere seria.
Un dipinto rococò
La pittura rococò rappresentò un trionfo del rubenismo sul poussinismo.
Il rubenismo si riferisce alla corrente di pittori coloristi ispirati al pittore barocco fiammingo Pedro Pablo Rubens (1577-1640), che spesso prevaleva o prevaleva.
O poussinismo si riferisce alla corrente che privilegiava o trascurava gli altri, influenzata dal pittore francese Nicolás Poussin (1594-1665). Oppure il colorismo era caratteristico di due pittori rococò.
Il suo carattere placido e aggraziato contrastava con il dramma del barocco. In Francia, la vita di corte iniziò a ruotare attorno all'intrattenimento e alle banalità, come le relazioni amorose, i giochi o la vita di tutti i giorni, il tutto riflesso nella pittura.
Questo spirito allegro permeò rapidamente le corti europee, ma ogni paese o si adattava alle sue particolarità.
Pittori Rococò
Antoine Watteau (1684-1721). Watteau era un pittore di una città fiamminga che era stata annessa alla Francia. Fu il primo artista a cedere alle preoccupazioni dell'élite oziosa. Ma era anche quello che deu “humanidade” aos personagens. Tra le sue opere più importanti ci sono Peregrinação à ilha de Cythera (1717), A escalado do amor (1717); Festa Veneziana (1719).
Jean-Baptiste-Simeon Chardin (1699-1779). Fu un pittore francese autonomo, grazie alle risorse economiche della moglie. Era particolarmente interessato a rappresentare la vita domestica. Tra le sue opere più importanti ci sono O menino do pião (1737), A jovem governanta (1740) e A bênção.
Francois Boucher (1703-1770). Pittore francese che lavorò sotto o sotto il patrocinio della marchesa de Pompadour, favorita del re Luigi XV. Trattò con grande esuberanza molti temi mitologici, pastorali e idilliaci. Tra le sue opere più importanti ricordiamo Ritratto di Madame de Pompadour (1759); Giovane donna distesa (1752) e Diana nel bagno (1742).
Jean Honoré Fragonard (1732-1806). Fu un pittore francese che creò edonismo, erotismo, esuberanza e un'atmosfera intima, i segni più rappresentativi della sua pittura. Tra le sue opere più importanti ci sono The Swing (1767), The Blind Hen (1769), The Lock (1779), The Stolen Kiss (1788).
Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Pittore italiano ampiamente riconosciuto in Europa, tema sviluppato o religioso. Ho anche eseguito temi mitologici e quotidiani. Alcune delle sue opere più note sono: Traduzione della Santa Casa di Loreto (1743-1745), Affreschi da Residenza di Würzburg (1752-1753), Giovinezza con papagaio (1760) e Affreschi nel Palazzo Reale di Madrid ( 1762). -1766).
William Hogarth (1697-1764). Pittore inglese che mise in pratica le chiare risorse e i nuclei del rococò, ma ridicolizzò le convenzioni sociali, principalmente quelle dell'élite. Tra le sue opere più note ci sono: Le quattro volte del giorno (1736), La carriera di una prostituta (1732) e Il matrimonio a-la-mode (c. 1743).
Thomas Gainsborough (1727-1788). Pittore inglese caratterizzato dal ritrarre persone in atteggiamenti aggraziati. Si concentrò su una piccola aristocrazia locale. Ha evidenziato il suo interesse per il paesaggio, che usa sempre come sfondo per i suoi dipinti. I loro lavori includono: Mr. e Mrs. Andrews (1749), The Blue Boy (1770) e il dottor Ralph Schomberg.
Architettura Rococò
L'architettura rococò è caratterizzata dall'essere austera nelle finiture esterne, molto più ricca ed esuberante nella decorazione interna. Gli spazi interni sono più piccoli e trattati con maggiore intimità, grazie all'utilizzo di forme delicate e morbide.
La decorazione degli interni si distingue per ingegno e fantasia. Le rondelle dorate erano all'ordine del giorno, al servizio di forme curve con motivi floreali, conchiglie e sinuosità di ogni genere. Poiché i core erano sempre luminosi e allegri.
L'architetto francese Germain Boffrand fu responsabile dell'introduzione del rococó in Francia e fu posto soprattutto al servizio dell'ordine monarchico, avendo sviluppato progetti religiosi. Ha partecipato a progetti come Place Vendôme a Parigi, o Conservatorio di Versailles, o Hotel de Soubise a Parigi e/o Château de Lunéville.
L'estetica rococò era molto apprezzata in Austria e negli stati tedeschi che facevano parte del Sacro Romano Impero, sia nell'architettura religiosa che in quella civile.
Gli esempi includono la Basilica Vierzehnheiligen di Johann Balthasar Neumann e l'Abbazia di Ottobeuren in Baviera. In Prussia spicca la costruzione del Palácio Sanssouci a Potsdam sotto la direzione di Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff.
In Spagna, la preminenza del barocco e la mancanza di scambi artistici principalmente con Francia e Germania, renderanno difficile la diffusione dello stile rococò.
Ad esempio, la decorazione della sagrestia de La Cartuja de Granada, iniziata probabilmente da Hurtado Izquierdo e proseguita da José de Bada. Per riferirsi a fermo o Trasparente della Cattedrale di Toledo, di Narciso Tomé. Infine, la facciata del Palacio del Marqués de Dos Aguas, progettata da Hipólito Rovira.
Mobili rococò
In questo periodo fu allevato in uno stile chiamato Luigi XV, attento al gusto estetico dominante a corte. Questo stile tortuoso è una moda internazionale.
Una marcenaria era caratterizzata dall'uso della vernice e del bronzo marchetaria. I motivi più utilizzati sono floreali.
Allo stesso modo, ti stai muovendo per essere proiettato per rimanere indisturbato da due nomi in tribunale, cosa che all'epoca non era usuale. Isso trouxe con se o desenvolvimento da arte dos móveis stufati.
scultura rococò
Sia la scultura autonoma che la scultura al servizio dell'architettura hanno un ruolo non rococò. Una delle sue differenze più notevoli fu la riduzione delle dimensioni colossali del barocco.
Oppure il rococò ha anche cercato di accentuare la morbidezza e la delicatezza non il trattamento di trame e movimenti. Per gli scultori interessati o interessati al marmo, la porcellana era ampiamente utilizzata.
Sculture in gesso e legno anche foram feitas. Quanto colorare, quando applicare, manteniamo le tonnellate di pasta per illuminare o ambiente. Tra i più importanti scultori rococò troviamo Antonio Corradini e Étienne-Maurice Falconet.
Antonio Corradini (1688-1752). Fu uno scultore italiano che lavorò al servizio della corte di Carlo VI. Era noto per il modo in cui trattava i vestiti, principalmente o per l'effetto delle trasparenze. Alcuni dei suoi lavori più commentati sono: A Mulher Veiled (The Faith) e Modesty, chiamato anche A true velato.
Étienne-Maurice Falconet (francese, 1716 - 1791). Fu uno dei due protetti della marchesa de Pompadour. Alcuni ricercatori danno o studiano l'arte come figura di transizione al neoclassicismo. Tra le sue opere: Cupido minaccioso (1757) e Pigmalião e Galatea (1763).
Contesto storico rococò
Il barocco ha dominato l'estetica occidentale dalla metà del XVI secolo fino al XVII secolo. Erano tempi di guerre di religione e di consolidamento dell'assolutismo.
In Francia, negli ultimi anni del regno di Luigi XIV, si raggiunse la stabilità intorno all'assenza di cerimonie barocche. Então, o Rei Sol ci ha visto nominare una minaccia. Alla fine del suo regno, ha espropriato la nobiltà del suo potere, rendendoti un'élite inattiva.
Tre eventi foram fondamentalis no impulso do rococò:
- alla morte del re Luigi XIV;
- l'influenza della favorita di re Luigi XV, la marchesa de Pompadour;
- o scambio di artisti tra le diverse corti europee.
O rei è morto. Vivo o Re!
Alla morte di Luigi XIV, si trasferì dalla corte di Versailles a Parigi, mentre Luigi XV attendeva la data della sua ascesa al trono.
A Parigi i nomi entreranno in contatto con le più potenti élite economiche e funzionari del tesoro. Alcuni anni fa, le forme dell'etichetta si stavano allentando, secondo il ricercatore Stephen Richard Jones nel suo libro Introduzione alla storia dell'arte: il diciassettesimo secolo.
Ora che i nomi erano inattivi e compresi, era necessario mantenere l'interesse della corte e fornire nuove occupazioni. A poco a poco una risposta si troverà nell'art. Jones afferma che:
L'arte rococò serviva solo a deliziare una società ricca, davvero oziosa, per la quale o solo peccato doveva aborrire.
Quando il giovane Luigi XV si insediò, rinnovò le idee di clientelismo nelle mani del settore privato.
Uno dei più importanti mecenati dell'epoca fu l'amante del re, Jeanne-Antoine Poisson, marchesa di Pompadour, nota come protettrice delle arti.
Ha anche creato un mercato che, ispirato dall'artista Watteau, si interessava alla vita domestica, all'erotismo, alla celebrazione della vita e al prazer.
Più che altro gli interessavano le relazioni amorose, o il miglior antidoto alla noia. Questo momento dà testimonianza alla storia della mobilità degli artisti tra i paesi come mai prima d'ora. Una nuova arte - che ha lasciato dietro di sé la trascendenza del barocco - ha aperto la strada a gran parte dell'Europa.
Declino
A metà del 18° secolo, pensatori illuministi come Voltaire proclamarono comuni il dominio della ragione e la misura del paese.
Oppure il rococò sembrava un eccesso inaccettabile. Accusato di essere superfluo, senão immorale o rococò, fu associato al declino del regime di Antigo.
Sotto l'influenza dell'Illuminismo, o dell'architetto Jacques François Blodel insieme a voci che squalificarono lo stile artistico dell'Antigo Regime. Ele então propone una modernizzazione dell'arte che accompagnerebbe il crescente repubblicanesimo non il dibattito politico.
Come tempo o disegno, ha trionfato sul nocciolo, sotto il comando del pensiero filosofico e politico, l'arte si è rivolta all'accademismo, alla moralizzazione e alla propaganda di Stato. Assim nato all'arte neoclassica.
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Riferimenti:
- Levey, Michael (1998): Dal rococò alla rivoluzione: le principali tendenze nella pittura del diciottesimo secolo. Barcellona: Edições Destino.
- Jones, Stephen Richard (1985): Un'introduzione alla storia dell'arte: il diciottesimo secolo. Barcellona: Editoriale Gustavo Gili / Circolo dei lettori / Università di Cambridge.
