Il Rinascimento: cos'è e quali sono le sue caratteristiche

È forse uno dei periodi artistici più noti nella storia dell'arte. Il Rinascimento è famoso nel mondo, soprattutto attraverso i suoi artisti più importanti. Nomi come Brunelleschi, Botticelli, Raffaello, Leonardo o Michelangelo sono probabilmente tra i più pronunciati tra gli interessati all'arte universale.

Sappiamo davvero cosa ha rappresentato il Rinascimento, al di là dei luoghi comuni che si trascinano da secoli? In questo articolo cercheremo di approfondire la realtà di questo movimento che non fu solo artistico, ma anche filosofico e sociale.

Cos'è il Rinascimento?

Come con la maggior parte delle nomenclature, la parola "Rinascimento" non è entrata in uso fino a diversi secoli dopo il tempo a cui si riferisce. Specifica, Fu lo scrittore francese Honoré de Balzac che, nel 1829, introdusse per primo il termine nel suo romanzo Il Bal de Sceau. Balzac fa riferimento alla cultura iniziata in Italia nel Trecento e che prende a modello i modelli classici. Anni dopo, lo storico Jules Michelet consacrò il termine "Rinascimento" nella sua opera il Rinascimento (1855).

Possiamo intendere il “Rinascimento” come il movimento culturale iniziato in Italia (e, nello specifico, a Firenze) attraverso inizio del XV secolo e ampliato fino alla fine del XVI, e che presuppone un recupero dei modelli del Antichità. Tuttavia, è importante notare che questi modelli classici esistevano per tutto il Medioevo. Ciò che rende “diverso” il Rinascimento è la piena consapevolezza che avevano i suoi artisti di vivere una renovatio, cioè il “risveglio” di questi antichi modelli.

Generalmente, Gli intellettuali e gli artisti del Rinascimento si vedono come i resuscitatori della "vera arte", che consideravano perduti durante i lunghi secoli di "letargo" medievale. Giorgio Vasari, uno dei più importanti teorici del Cinquecento, considera l'arte del Medioevo come "l'infanzia" del arte, mentre il Quattrocento (cioè il Quattrocento italiano) rappresenterebbe la sua "giovinezza", la prima presa di consapevolezza. Infine, il Cinquecento (XVI secolo) sarà la maturità dell'arte, con nomi importanti come Leonardo, Michelangelo e Raffaello.

Ma... Il Rinascimento è stato un autentico recupero di quest'antica arte? Abbiamo già commentato che, nel Medioevo, i classici non furono dimenticati. Non solo in campo filosofico, dove troviamo una forte presenza di Platone (ad esempio, nella scuola di Chartres) e Aristotele (nel pensiero di San Tommaso d'Aquino), ma anche nelle arti plastica.

Infatti, nella scultura e nell'architettura medievali troviamo motivi presi dall'antichità, che sono la testimonianza vivente che il Medioevo non rappresentò in alcun modo una rottura con i tempi classico. Tuttavia, gli intellettuali e gli artisti del Rinascimento la pensavano così. Non a caso il Vasari definì l'arte dei secoli medievali "mostruosa e barbarica", concetto che, per inciso, rimase valido fino al XIX secolo inoltrato.

COSÌ, il Rinascimento presuppone un "risveglio" in duplice senso. Innanzitutto perché, come abbiamo già accennato, sono stati i primi ad accorgersi di riconvertire questa classica ristrutturazione in una rottura radicale con la tradizione medievale, uguale o più radicale di quello che era stato verso il tempo il Medioevo classico; Secondo, perché, effettivamente, avviene il passaggio da una società teocentrica a una società umanista, fatto che, di fatto, suppone la vera rottura con il medioevo.

• Articolo correlato: "Le 5 età della Storia (e le loro caratteristiche)"

La “rottura” con la tradizione

La rottura che il Rinascimento ha saputo vivere non può essere strettamente considerata tale. Innanzitutto perché abbiamo già visto che durante il Medioevo i classici non furono dimenticati. E, in secondo luogo, e questo non è meno importante, perché durante il Rinascimento continuarono a essere usati risorse medievali, come la tipologia di alcuni edifici, l'iconografia e alcuni procedimenti tecnici.

Per tutte queste ragioni, possiamo concludere che il Rinascimento non fu affatto la rottura radicale che gli stessi rinascimentisti consideravano. Sostiene infatti, nella sua opera, lo storico Johan Huizinga Autunno del Medioevo, che gli ultimi secoli medievali hanno rappresentato la preparazione della scena rinascimentale, e non ne hanno in alcun modo significato l'antitesi. E, da parte sua, lo storico dell'arte Erwin Panofsky ha già parlato di varie “rinascite”. Quindi lo capiamo quello che è stato definito il “Rinascimento” non è altro che un'altra delle grandi trappole della storiografia europea illuminata, la stessa che ha etichettato di “Medioevo” i dieci secoli successivi alla caduta dell'Impero Romano.

In ogni caso, c'è una serie di fattori che configurano un chiaro contesto in cui si colloca questa "rottura". Abbiamo già commentato che alla fine del XIV secolo ci fu un passaggio da una società teocentrica a un pensiero umanista. Il progressivo declino del mondo rurale, iniziato già in pieno Medioevo, così come il conseguente aumento delle città, contribuiscono in modo fondamentale ad accelerare questo cambiamento di mentalità.

Il nuovo gruppo sociale che emerge nelle città, la borghesia, giocherà un ruolo fondamentale in tutto questo processo.O. Mercanti urbani e banchieri costituiscono una potente oligarchia che controlla le città e agisce, allo stesso tempo, come potenti mecenati. Così, dal XIV secolo, gli artisti saranno sotto la protezione di queste importanti figure, e lo è Attraverso questa congiunzione di forze, alcune delle più importanti opere d'arte del storia. Basti citare la potente famiglia dei Medici, a Firenze.

Così, se il Rinascimento rappresenta una vera rottura con il mondo immediatamente precedente, è nella concezione dell'artista e nel rapporto che intrattiene con i suoi committenti. L'artista ha continuato ad essere uno strumento nelle mani dei suoi mecenati, ma questi utilizzano i loro protetti con un chiaro scopo di differenziazione e propaganda politica. Ad ogni uomo potente viene assegnato uno stile che lo rappresenta: gli Sforza a Milano, Giulio II a Roma, i Medici a Firenze. Inoltre, il collezionismo di opere d'arte diventa anche simbolo di status e potere.

D'altra parte, il mestiere meccanico medievale degli artisti si dissolve in una concezione molto più intellettuale dell'arte e dei suoi processi. I trattati d'arte, come il celebre De Pictura (1435) di Leon Battista Alberti, aiutano enormemente a considera l'artista molto più di un mero artigiano, supponendo che abbia bisogno di alcune qualità intellettuali per svolgere il suo lavoro. Come conseguenza di questa nuova considerazione, gli artisti cominciano a ritrarsi nelle loro opere e cominciano a firmarle.

• Potresti essere interessato a: "Le 8 branche delle discipline umanistiche (e cosa studia ciascuna di esse)"

Un nuovo linguaggio figurativo: la prospettiva

I cambiamenti avvenuti durante il Rinascimento furono, più che plastici, filosofico-letterari. Attraverso una rivalutazione della filosofia antica, si pongono le basi per la creazione di un nuovo sistema formale., che si manifesta, successivamente, in varie correnti artistiche. I modelli dell'Antichità si impongono come unico specchio in cui gli uomini del Rinascimento si guardano e cercano il loro ideale estetico.

Ma dove cercare vecchi modelli in pittura? Perché, così come scultori e architetti hanno esempi da cui trarre ispirazione, così non è il caso della pittura. Nel XV secolo Pompei ed Ercolano non erano ancora state scoperte, il che rendeva estremamente difficile la scoperta il compito di trovare modelli pittorici dell'antichità su cui basare il nuovo linguaggio figurativo. A tal fine contribuì la scoperta, nel 1480, della Domus Aurea di Nerone, a Roma, i cui affreschi contribuirono a stabilire, seppur tardivamente, alcuni modelli pittorici che servissero da modelli ai pittori Rinascimento.

Ne sono un esempio le "grottesche", ornamenti pittorici basati su decorazioni vegetali, figure umane e animali fantastici, tra gli altri, che decoravano le pareti del palazzo di Nerone. Tuttavia, l'eccentricità di queste decorazioni valse loro aspre critiche da parte di trattatisti come Giorgio Vasari.

Fu proprio Vasari a porre le basi di ciò che considerava la "buona pittura" che, in fondo, doveva basarsi su armonia e proporzione e, soprattutto, su una corretta prospettiva. È probabilmente quest'ultimo concetto che più preoccupava gli artisti del Rinascimento; realizzare, come diceva l'Alberti, una "finestra" attraverso la quale si intravede una sezione di spazio. In Italia la prospettiva nelle rappresentazioni pittoriche era stata raggiunta intorno al 1422: gli affreschi della Cappella Brancacci, opera di Masaccio, ne sono una buona prova.

Gli italiani del Quattrocento riuscirono a padroneggiare la prospettiva allontanandosi dalla pluralità di punti di vista che avevano utilizzato i pittori del Trecento. Invece hanno reso possibile quella “finestra” di cui parlava Alberti l'esatta prospettiva matematica, che fa convergere tutte le linee della composizione in un unico punto di fuga. In questa impresa fu determinante l'apporto dell'architetto Filippo Brunelleschi. Tuttavia, non è meno vero che, nelle Fiandre, i primitivi fiamminghi arrivarono a una soluzione altrettanto valida con un processo diverso.

Pittura fiamminga del XV secolo, tra cui Jan van Eyck e Roger van der Weyden, rappresentava un cambiamento radicale dalle forme gotiche come lo era la pittura rinascimentale in Italia. Nel caso dei fiamminghi, la prospettiva è stata raggiunta attraverso un'osservazione attenta e assolutamente empirica della realtà.

Il risultato del flamenco fu così sorprendente e unico che il suo stile si diffuse in tutta Europa, al punto che territori come L'Inghilterra, l'Austria o la penisola iberica presero come riferimento i modelli fiamminghi, più che quelli rinascimentali da cui emersero Italia. Gli stessi artisti del Quattrocento italiano ammirarono profondamente questi innovatori delle Fiandre, e sono molti gli scambi artistici che avvengono tra le due latitudini europee. Basti pensare che Bartolommeo Fazio, umanista genovese del XV secolo, definisce Jan van Eyck "il principale pittore della nostra epoca".

Tutto è iniziato a Firenze

Se c'è un luogo che viene in mente quando si parla di Rinascimento, è Firenze.. È in questa città che si sviluppa l'umanesimo, corrente culturale e di pensiero che rivendica la capacità dell'essere umano di conoscere se stesso e il mondo che lo circonda. Ma mettiamoci nel contesto.

Nel 1402 le truppe milanesi guidate da Gian Galeazzo Visconti avanzano verso Firenze e minacciano la pace e la prosperità che da anni regnavano nella Repubblica Fiorentina. L'attacco a Milano si ripete negli anni '20 del XV secolo; una seconda minaccia che viene fermata solo grazie all'alleanza tra Firenze e la città di Venezia (1425). Queste continue rivendicazioni militari non fanno che ravvivare i valori repubblicani, che i fiorentini brandiscono contro quella che era considerata una dittatura principesca. Mecenati e artisti iniziarono così a cercare un linguaggio plastico che riflettesse questi ideali repubblicani.

• Articolo correlato: "Cosa sono le 7 Belle Arti? Una sintesi delle sue caratteristiche"

Ghiberti e Masaccio, i grandi restauratori plastici

Nel 1401 si tenne a Firenze un concorso per trovare un artista che realizzasse le seconde porte del suo Battistero. Il vincitore è stato Lorenzo Ghiberti; La sua prima opera nel Battistero, sebbene sia considerata il "manifesto" dell'arte rinascimentale, conserva ancora molta influenza dalle forme del cosiddetto Gotico internazionale. Bisognerà attendere la seconda opera del Ghiberti sul Battistero (la terza porta, realizzata tra il 1425 e il 1452), quando si apprezzerà, questa volta senza dubbio, la clamorosa comparsa di un nuovo linguaggio plastico che, tra le altre soluzioni, prevede l'introduzione della prospettiva regolando le scale delle figure rappresentate.

Se l'opera del Ghiberti per il Battistero rappresenta un'innovazione nella scultura, quella di Masaccio (1401-1427) è nel campo della pittura. Gli affreschi che l'artista realizzò per la Cappella Brancacci, nella chiesa fiorentina di Santa Maria del Carmine, rappresentano una vera rivoluzione. Tra questi, il magnifico Il tributo a Cesare, il cui realismo e la forza delle sue figure devono aver significato una vera rivelazione per i suoi contemporanei. Allo stesso modo, l'ardita prospettiva architettonica contenuta nel suo affresco La Trinità, in Santa Maria Novella, sembra aprire uno squarcio nel muro della chiesa. È la “finestra” di cui parla Alberti; Masaccio l'ha finalmente reso realtà.

Brunelleschi e la cupola impossibile

Fin dalla metà del XIV secolo i fiorentini vollero dotare la loro cattedrale di una cupola che la rendesse la più grande della cristianità.. Tuttavia, l'entità del progetto aveva congelato le ansie degli architetti: bisognava salvare ben 43 metri di diametro, misure praticamente uguali a quelle del Pantheon di Roma. Nessuno, da allora, era mai riuscito a innalzare una simile cupola.

I lavori iniziarono finalmente nel 1420, la Commissione fu sedotta dall'audace piano di Brunelleschi, che mirava a innalzare il struttura colossale senza l'ausilio di impalcature o falsi lavori (dalla base della cupola, sarebbe stata sollevata mediante listelli orizzontale). Il progetto è durato 16 anni (un tempo ridicolo se si tiene conto delle dimensioni dell'azienda). Nel 1436, e secondo le stesse parole dell'Alberti, la cupola di Firenze "ricoprì con la sua ombra tutta la Toscana". Dal Pantheon, cioè dall'epoca romana, non era stato realizzato nulla di simile. La cupola del Brunelleschi è un vero punto di riferimento nell'architettura rinascimentale.

• Potresti essere interessato a: "Esiste un'arte oggettivamente migliore di un'altra?"

Gli altri centri rinascimentali

Firenze fu il centro indiscusso da cui si irradiarono l'umanesimo e il nuovo linguaggio rinascimentale, ma ci sono stati altri centri italiani che hanno preso queste idee e le hanno fatte proprie, al fine di creare un propria versione. Vediamoli di seguito.

Rimini, guidata da Segismundo Malatesta, utilizzò la nuova espressione artistica come base della sua propaganda ufficiale. La rinascita della corte malatestiana si fonda essenzialmente sullo spirito cavalleresco e sulla conoscenza dei classici. Uno degli esempi del Rinascimento a Rimini è la chiesa di San Francesco, opera di Leon Battista Alberti. Inoltre Malatesta attirò alla sua corte anche il pittore Piero della Francesca.

Venezia era una città con alle spalle una grande carica orientale, che fin dal Medioevo rappresentò il punto di confluenza tra il mondo europeo e quello bizantino. In quanto tale, il Rinascimento veneziano prende ancora modelli bizantini e li fonde con un vocabolario architettonico e decorativo romano.

Da parte sua, Federico de Montefeltro progetta un immenso programma per attrarre talenti alla sua corte di Urbino, tra cui l'insigne Piero della Francesca, i cui ritratti del Duca e della Duchessa di Urbino in rigoroso profilo, emulando monete romane, sono abbastanza famosi. In generale, l'iconografia combina elementi cristiani e mitologici, cosa altrimenti comune nell'arte rinascimentale.

Finalmente, a Mantova, Ludovico Gonzaga attinge al suo gusto per l'antichità classica per riformare la città. Per questo conta, tra gli altri, con Leon Battista Alberti (Chiesa di San Andrés) e Andrea Mantegna (affreschi nella camera degli sposi). La considerazione degli artisti nel Rinascimento implica che abbiano uno status molto più elevato di quello che avevano nei secoli precedenti. Così, Mantegna ordinò la costruzione del suo palazzo a Mantova, che segue i modelli tipici dell'architettura rinascimentale e la cui geometria segue i precetti dell'architetto romano Vitruvio, il riferimento dello scrittore di architettura del epoca.