10 opere d'arte sul tempo

Il tempo fugge, dicevano i latini; "il tempo vola". E così è. Al di là delle recenti teorie della relatività, in ogni tempo c'è stato un concetto concreto di tempo. Per gli antichi era qualcosa di ciclico, che tornava sempre al punto di partenza; per gli uomini e le donne medievali era lineare e terminava con la seconda venuta di Cristo.

Per l'epoca barocca fu il grande demolitore del bello e delle cose effimere, da qui la grande profusione di vanità (vanità), opere in cui sono stati introdotti elementi che attestano lo scorrere del tempo e la sua inesorabile distruzione. Per i romantici dell'Ottocento, invece, il tempo è stato il principale costruttore della loro nostalgia; una nostalgia del passato che si traduceva in un gusto per le rovine e la decadenza.

10 famose opere d'arte sul tempo

Difficile scegliere tra tante opere che parlano del tema del tempo; Questo È un concetto molto ricorrente nella storia dell'arte.. Di seguito, presentiamo alcuni dei più rilevanti.

1. mensarial del Pantheon Reale di San Isidoro de León (s. XI)

Il Pantheon Reale dei Re di León è considerato uno dei gioielli più perfetti dell'arte romanica della penisola. Non a caso, è stata chiamata la "Cappella Sistina romanica" per i suoi magnifici affreschi, tra cui un mensarial di alta qualità.

Cosa erano i mensari medievali? Si trattava di calendari il cui ritmo era scandito dalle attività agricole corrispondenti a ciascun mese.. Nel caso del mensario di San Isidoro de León, i mesi si trovano sull'intradosso dell'arco che si trova accanto al Pantokrator. Il mese di gennaio comprende, come è tradizione in queste rappresentazioni, il dio Giano, di origine romana e che segnava l'inizio dell'anno. Nel mese di febbraio, il più freddo di tutti, viene rappresentato un vecchio al riparo dal fuoco. Il mese di aprile, splendore della primavera, è impersonato da un giovane che porta dei fiori tra le mani, e settembre è un contadino che raccoglie l'uva...

Nel Medioevo, il tempo ruotava intorno a Dio. La linea temporale cristiana medievale era finita, poiché il tempo degli uomini sarebbe terminato con la seconda venuta di Cristo. Parallelo a questo tempo lineare, ce n'era anche un altro, ereditato dall'antichità, che vedeva il tempo come qualcosa di ciclico, legato ai cambiamenti della natura e ai cicli della vita.

2. Saturnodi Peter Paul Rubens (1636)

Non puoi capire il tempo nell'arte senza parlare di Saturno. Questo dio era un'antica divinità della penisola italica che fu poi assimilata al dio greco Crono, di cui prese gli attributi. Sebbene Crono non fosse il dio del tempo, la somiglianza tra il suo nome e il nome greco del tempo ha causato un'assimilazione tra i due.

Il mito narra che Crono/Saturno, Timoroso di un oracolo che aveva predetto che uno dei suoi figli lo avrebbe detronizzato, uno a uno divorò tutti i germogli che sua moglie, Rea, gli aveva donato.. Questa leggenda non ha fatto altro che sottolineare il dio come personificazione del tempo, poiché il tempo è inarrestabile e divora agli umani.

Rubens dipinse questa tela per la Torre de la Parada, a Madrid. In esso, raffigura Saturno come un vecchio, anche se con un corpo ancora muscoloso (era un Titano, dopotutto), che strappa la carne dal figlio appena nato. La forte luce teatrale, così tipica del barocco, che illumina entrambi i corpi e li delinea sullo sfondo scuro, dona drammaticità alla scena.

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3. Nell'ictus ocularedi Juan de Valdés Leal (1672)

Questa cupa tela, che è tra le opere d'arte più famose sul tempo, è abbinata al cosiddetto Finis Gloriae Mundi, sempre di Valdés Leal. Entrambi i dipinti si trovano nel coro inferiore dell'Hospital de la Caridad di Siviglia e furono commissionati dall'umanista Miguel Mañara per illustrare i due concetti cardine della mentalità barocca: l' momento della morte ("ricorda che stai per morire") e vanitas (la vanità del mondo).

Entrambi i concetti sono strettamente legati al tempo: da un lato, il memento ci ricorda che passa inesorabilmente e che la morte finisce per arrivare a tutti noi; per quanto riguarda il secondo, ricorda la caducità della vita e che tutto ciò che è bello scompare o si deteriora nel tempo. Nel caso dell'opera in questione, In ictu oculi potrebbe essere tradotto come "in un batter d'occhio", una chiarissima allusione alla natura effimera dell'esistenza.

Nella tela di Valdés Leal vediamo uno scheletro agghiacciante che sorge su un globo terrestre (la morte che domina la terra); nella mano sinistra porta una falce, mentre con la destra spegne il fuoco della candela della vita. Sotto, una montagna di elementi che non possiamo portare con noi con la morte, simbolo che tutto è fugace.

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4. L'ultima goccia (The Jolly Knight)di Judith Leyster (1639)

In una stanza buia, praticamente priva di riferimenti spaziali, la pittrice Judith Leyster colloca due giovani che bevono e fumano allegramente. I loro vestiti sono di colori caldi e stridenti, ei loro volti sono stravolti dall'alcol e dall'euforia. È una scena di festa, vero?

Beh... in realtà no. Perché Leyster colloca, dietro al giovane che siede sulla sinistra, uno scheletro inquietante che viene illuminato dalla fiamma della candela che lui stesso porta con sé. Riguarda la fiamma della vita; la vita del giovane felice che la morte sta per spegnere. Lo scheletro si avvicina al ragazzo e sembra sussurrargli qualcosa. Senza dubbio ti sta avvertendo: il tempo passa e il tuo è contato. Per enfatizzare il suo messaggio, alza la mano destra, dove notiamo una clessidra che scorre...

Judith Leyster, fedele rappresentante del suo tempo, coglie in questa magnifica opera la vanitas barocca, secondo la quale il tempo scorre e nulla sta in piedi. Molto meno giovinezza e piacere...

5. Autoritratti di Rembrandt

Se c'è un artista interessato ai cambiamenti che il tempo ha lasciato sul suo volto, questo è Rembrandt van Rijn (1606-1669). In quarant'anni, l'artista ha realizzato non meno di cento rappresentazioni di se stesso (sebbene la sua identità sia messa in dubbio su alcuni), per cui motivo possiamo accompagnarti sulla traiettoria della tua vita.

Rembrandt realizzò il suo primo autoritratto nel 1628, quando aveva solo ventidue anni. L'artista appare ridente, con una pennellata ancora incerta. Molto meglio è l'autoritratto del 1629, dove si vede il pittore del busto, con un serissimo rictus sul volto. E così via; Possiamo seguire le tracce dei lineamenti del pittore fino al 1669, anno della sua morte, quando dipinse il suo ultimo autoritratto all'età di 63 anni. Una vera testimonianza per i posteri.

6. È ora di fumare un dipintodi William Hogarth (1732)

William Hogarth è uno degli artisti satirici più apprezzati del Settecento inglese. Famosi sono i suoi dipinti e le sue incisioni che criticano i costumi dell'Inghilterra dell'epoca. In questo caso troviamo un'allegoria del passare del tempo e di come distrugge tutto ciò che tocca, arte compresa.

Un vecchio dalla barba lunga e dal corpo muscoloso (personificazione del tempo) sta contemplando un dipinto che poggia sul suo cavalletto. Nella mano sinistra porta la falce, identificata con la morte, la fine e la scomparsa, e con l'altra regge una pipa. Il fumo che ne esce colpisce in pieno la tela, sporcandola e annerendola.

Ovviamente Hogarth riflette sugli effetti che il tempo ha sulle cose. Soprattutto, sui dipinti; In questo senso l'incisione è la satira di una corrente di pensiero del suo tempo, promulgata soprattutto da Addison, che sostenne quel tempo "dipinto" e migliorò l'opera. No, sembra dire Hogarth con questa incisione; il tempo non migliora il lavoro, lo cambia e lo distrugge.

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7. Le Parche (Atropo), di Francisco de Goya (1820-23)

Le Parche erano tre divinità minori della mitologia greca responsabili del tempo e dell'esistenza umana; erano loro a decidere quanto durava la vita di una persona. Nell'inventario dei beni del figlio di Goya realizzato nel XIX secolo, il dipinto è descritto come Atropo, alludendo al nome del Tristo Mietitore incaricato di recidere il filo della vita.

Come il resto delle chiamate vernici nere, il cromatismo di quest'opera è lugubre e oscuro, basato su toni grigiastri, brunastri e neri. Le tre Parche sono sospese nell'aria, come levitanti, e al centro del gruppo, una quarta figura con le mani legate attira la nostra attenzione. Un uomo di cui stanno decidendo la vita?

8. Il sognatore (le rovine di Oybin)di Caspar David Friedrich (1835)

Durante il Romanticismo, il tempo passa dall'essere qualcosa di minaccioso a qualcosa di bello. L'artista romantico è la quintessenza dell'artista nostalgico; si sente a suo agio tra i resti di un tempio o di un castello, e immagina per loro un passato idealizzato che non ha nulla a che fare con la realtà.

Friedrich è stato uno dei più grandi artisti nell'arte di dipingere i resti del passato.. Lo confermiamo con l'opera citata, dove vediamo un uomo seduto sui resti di quella che sembra essere una cattedrale gotica. Attraverso la fessura tra gli archi di ciò che resta della finestra, vediamo un bellissimo tramonto (o alba), che avvolge la tela di una luce speciale. Friedrich coglie la purezza della religione e della spiritualità dei tempi remoti, ed esalta incidentalmente il passato della nazione tedesca. L'uomo, il sognatore del titolo, rappresenta un perfetto esempio di sentimento romantico.

9. Natura morta con candela rovesciatadi Max Beckmann (1930)

Nonostante il momento di splendore del vanità Era, come abbiamo già commentato, il barocco, la ragione del passare del tempo e della caducità della vita non fu dimenticata nella pittura successiva. Nemmeno nel Novecento, come quest'opera di Max Beckmann, datata 1930 e che ci mostra un vanità con un linguaggio d'avanguardia.

Tre candele riposano su un tavolo. Due di loro sono ancora attivi; il terzo è stato abbattuto ed è uscito. Lo specchio addossato alla parete riflette in modo inquietante il fuoco dei due superstiti: volontà di voler prolungare la vita contro ogni legge naturale? La composizione eterogenea produce un effetto claustrofobico che accentua la sensazione di inquietudine e disperazione.

10. La persistenza della memoriadi Salvador Dalì (1931)

I famosi orologi fusi di Dalí trovano in quest'opera la loro massima espressione. Nelle parole del genio stesso, sono il "camembert del tempo", in relazione alla loro consistenza flaccida, come formaggio fuso.

La tela (in copertina) fa parte del famoso metodo, stabilito da Dalí, che lui stesso definì "paranoico-critico", attraverso i quali l'artista cattura visioni e giochi ottici che ingannano e confondono lo spettatore. Nel dipinto che ci riguarda, il tempo ha perso ogni significato: realtà e sogno si mescolano, come in un sogno. Sparsi nel paesaggio, squallidi come in un incubo, appaiono orologi semiconsunti; a sinistra, le formiche affollano l'unico orologio che sembra mantenere la sua forma. Al centro del dipinto, uno strano viso dalle lunghe ciglia sembra simboleggiare il declino della morte. In Persistencia de la memoria il tempo viene capovolto e acquista un nuovo significato.