Luis Buñuel: principali film e tappe del genio del cinema spagnolo

Luis Buñuel è stato uno dei registi più singolari della scena cinematografica. Il suo linguaggio filmico e il suo modo di intendere il cinema sono serviti da riferimento per grandi registi nel corso della storia.

In quasi tutta la filmografia del regista aragonese si notano tratti della sua personalità. Il suo cinema parla di una persona anticonformista con il suo tempo e molto critica delle convenzioni borghese e religioso, che lo portò persino a lasciare il suo paese natale e lottare contro la censura del momento.

Il suo lavoro mira ad aprire gli occhi a uno spettatore conformista, minando l'ordine sociale stabilito e mettendo sotto i riflettori temi come la società, la famiglia. religione, borghesia o politica, tutto questo senza tralasciare allusioni al mondo dei sogni e al mondo interiore dell'individuo, temi da sempre ossessionato.

Non c'è dubbio che il cinema di Luis Buñuel abbia segnato una grande tappa nella storia del cinema. Il regista ha usato l'arte cinematografica come una sorta di tela su cui ha catturato tutte le preoccupazioni che si verificavano nel suo mondo interiore.

Buñuel ha fatto qualcosa che pochi registi dell'epoca potevano realizzare: fare le generazioni successive erediteranno il loro cinema e che, nonostante il passare del tempo, riesca a continuare a smuovere le coscienze e a fare riflettere.

1. Palcoscenico surreale

A metà degli anni '20, Buñuel andò a Parigi. Lì condivide idee con diversi artisti dell'epoca e, involontariamente, mantiene il suo primo contatto con la corrente surrealista quando incontra André Breton.

Successivamente entra a far parte del gruppo surrealista, con il quale simpatizza e porta la corrente alla sua massima espressione nel mezzo cinematografico con il film Un cane andaluso (1929).

Un cane andaluso (1929)

Si tratta di te debutto come regista che ha scritto con Salvador Dalí. È considerata una delle più grandi opere surrealiste della storia del cinema. Nel 1929, ha debuttato a Parigi al Studio delle Orsoline e provocò una grande polemica per i critici dell'epoca.

È un film che invita lo spettatore ad entrare nel mondo dei sogni, lasciando da parte la realtà. Va oltre dove ci guidano i nostri sensi o la nostra ragione. L'irrealtà regna, aprendo la porta a una narrazione illogica. Ciò che lo rende aperto a diverse interpretazioni.

Dal primo momento, il film è già scioccante. Un uomo (Buñuel) appare su un balcone affilando un rasoio e, successivamente, si vede come taglia l'occhio di una donna. È una delle scene più famose del film.

Da questo momento in poi il film è immerso in un autentico gioco di inquadrature che, sebbene apparentemente non significano nulla, riescono a generare sensazioni nello spettatore grazie ad un magnifico montaggio.

Nella maggior parte dei casi, lo usa incatenato insieme. Un esempio lampante è quando le formiche emergono dalla mano del cavaliere e si trasformano improvvisamente nei peli delle ascelle di una donna e poi in un riccio.

Rompe con la linearità anche grazie all'uso incoerente di didascalie che, anziché guidare lo spettatore, fuorviare: "C'era una volta", "Otto anni dopo", "Verso le tre del mattino", "Sedici anni prima" e "In primavera".

Nel corso degli anni sono state tratte diverse interpretazioni del film, sebbene nessuna sia del tutto esatta. Lo stesso Buñuel lo descrisse:

Il film non è altro che un appello pubblico all'assassinio.

La realtà è che, sebbene non sia mai riuscito a spiegare il motivo di questo film, ci sono elementi sottostanti che lo faranno mantenere per tutta la sua carriera, come, ad esempio, la sua ossessione per la morte, il mondo dei sogni e il subconscio.

Tuttavia, anche se qualsiasi analisi del film può essere valida, Un cane andaluso cerca di lasciare un'impressione sul ricevitore in modo che quando ricorda il film non cerchi di cercare una trama, ma piuttosto cerchi di descrivere le emozioni che ha provato durante la sua visione.

L'epoca d'oro (1930)

All'inizio degli anni '30, Buñuel ha presentato in anteprima il suo secondo film surrealista, questa volta con sonoro e lingua francese. È un'opera innovativa e unica che è stata finanziata dal visconte de Noailles, un membro dell'aristocrazia. Il lancio del film ha portato con sé lo scandalo e il divieto della sua proiezione da parte del governo francese.

In esso, Buñuel rivela una critica dei costumi e delle tradizioni della società borghese dell'epoca. Il regista stesso ha descritto il film come:

L'istinto sessuale e il senso di morte costituiscono l'essenza di questo film. È un film romantico fatto con frenesia surreale.

È la lotta di due amanti per continuare il loro amore appassionato in una società dominata dalle regole. Non c'è dubbio che il film è un'esaltazione dell'amore folle, assolutamente gratuito ed è, soprattutto, una denuncia contro tutti quei fattori che ne interrompono lo sviluppo, in genere le convenzioni della società borghese.

La narrazione, che inizia con un documentario sulla vita degli scorpioni, attira l'attenzione fin dal primo momento. Forse l'inclusione di immagini registrate nel 1912 non è casuale, se teniamo conto che Buñuel viveva ossessionato dagli insetti.

Più tardi, alcuni criminali cercano di fuggire dalla loro cabina mentre un gruppo di vescovi esegue una sorta di rito davanti al mare e alla fine appaiono morti sulla spiaggia.

Un gruppo di persone arriva in barca per venerare le anime dei vescovi. La cerimonia è interrotta dal rumore degli innamorati, un uomo e una donna, che sulla spiaggia danno libero sfogo al loro amore. L'uomo viene finalmente arrestato.

Da quel momento in poi, il film ruota attorno alla donna, che vive in una casa benestante e cerca di soddisfare i suoi desideri sessuali di fronte all'impedimento della società che la circonda.

La sua analisi più critica arriva con l'inserimento di inquadrature rimaste per la memoria degli spettatori. Ad esempio, l'immagine dei vescovi mummificati, il protagonista che succhia l'alluce di una statua o una mucca appollaiata su un elegante letto borghese.

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2. Tappa della Seconda Repubblica Spagnola

Lo scandalo causato da L'età d'oro, fa capire a Holywood che Buñuel potrebbe essere "una miniera d'oro" per l'industria cinematografica. Ecco perché, nel 1931, attraversò l'Atlantico attratto da un'offerta della Metro Goldwyn Mayer. Hanno intenzione di introdurlo nel sistema cinematografico di lì; Tuttavia, la diversa presa in giro e la maleducazione di Buñuel verso le alte posizioni nel settore lo riportano in Spagna.

Terra senza pane (1933)

Poco dopo il suo ritorno, ha girato il documentario Terra senza pane con i soldi di un premio della lotteria. Mira a riflettere la vita di Las Hurdes (Estremadura), dove la situazione era davvero drammatica, anche se Buñuel la esaspera un po' di più.

Il film mostra le immagini della zona come a voce fuoricampo sta commentando ciò che appare in loro. Si inizia con una situazione infografica, in cui appare una mappa dell'Europa e si avvicina gradualmente in Ingrandisci e indica il punto esatto da discutere. Mentre una voce narra:

In alcune parti d'Europa ci sono focolai di civiltà quasi paleolitiche. In Spagna, a 100 km da Salamanca, luogo di alta cultura, Las Hurdes è isolata dal mondo da montagne di difficile accesso (...)

Il film è come la passeggiata di Buñuel attraverso l'area, lo spettatore vede ciò che vedono i suoi occhi. Cerca di insegnare la vita delle persone presenti in un modo "neutro". Mostra povertà, malattie, bambini e malnutrizione.

Colpisce il tono esagerato del narratore nel descrivere ciò che vede, a volte sospettoso di essere reale. Un chiaro esempio è quando descrive una donna con gozzo che, secondo il narratore, ha 32 anni, anche se sembra incredibile.

Quello che Buñuel intende con questo film è provocare anche per mettere sotto i riflettori una popolazione che vive in condizioni miserabili, pur essendo vicino a luoghi evoluti e colto.

D'altra parte, il regista vuole far conoscere la Spagna più rurale e retrograda dell'epoca, in un momento di presunto sviluppo, dimenticato da politici e leader.

Inoltre, mostra l'ipocrisia della Chiesa, quando confronta un luogo cristiano in cui i contadini vivono in case degradate contro la ricchezza che possiede.

Infine, il governo repubblicano ha vietato il film, considerando che dava una cattiva immagine della Spagna. Tuttavia, ciò non ha impedito a Buñuel di commercializzarlo in seguito oltre confine.

3. Fase dell'esilio: Messico

Con l'inizio della guerra civile, Buñuel, rimasto fedele alla parte repubblicana, dovette andare in esilio. Prima emigra in Francia, dove risiede per qualche tempo, e poi torna a Hollywood. Dopo un periodo in Nord America, si è recato in Messico con l'intenzione di girare un adattamento cinematografico dell'opera. La casa di Bernarda Alba de Lorca e, sebbene alla fine non fosse fatto, decise di stabilirsi lì.

È nel 1949, in Messico, che decide di riprendere la sua carriera di regista, che aveva lasciato stagnante con l'inizio della guerra. In questo periodo vengono girati alcuni dei film più importanti della filmografia di Buñuel. Tra questi ci sono:

I dimenticati (1950)

In questo film il regista rivela ancora una volta la sua preoccupazione per i problemi sociali. Come con il documentario terra senza pane, Inizia sottolineando che all'ombra della ricchezza delle grandi città ci sono le aree più povere e disagiate.

Questa volta, invece di mettere gli occhi sul suo paese d'origine, riflette sui bassifondi di Città del Messico. E torna a focalizzare l'attenzione sulla popolazione più vulnerabile: i bambini.

La trama ruota attorno a Jaibo, un adolescente che scappa da un riformatorio e torna nel suo quartiere. Giorni dopo commette un omicidio davanti al suo amico Pedro, un ragazzo che cerca di essere buono. Da quell'evento, Jaibo porta Pedro fuori strada e i loro destini vengono troncati.

Questo film è un inno alla dura realtà. La crudeltà con cui temi come il machismo e l'alcolismo si presentano nella società che riflette è sorprendente.

D'altra parte, la visione che i bambini hanno della scuola è notevole, per loro è come una punizione. Quando Pedro va a scuola per imparare un mestiere, pensa che perderà la sua libertà, equiparando la scuola a una prigione.

Rivela anche l'ignoranza della popolazione, che rimane attaccata alle credenze popolari. Ad esempio, una donna malata pensa di essere curata da un piccione.

Il regista, inoltre, non perde l'occasione di indagare sul mondo dei sogni e lo fa attraverso il personaggio di Pedro. Colpisce la tecnica di rallentamento che usa per descrivere il mondo onirico del bambino, dove mostra le preoccupazioni del personaggio.

Ciò che Buñuel e Luis Alcoza, sceneggiatori del film, intendono mostrare in questa narrazione è l'ipocrisia che esiste tra le due facce della stessa medaglia. Da un lato, l'evoluzione e la ricchezza del centro di una grande città, con una popolazione agiata. Dall'altro una periferia povera in cui prevalgono criminalità, povertà e involuzione, problemi che restano nell'ombra del sistema politico.

A stomaco pieno stiamo tutti meglio.

La reazione dopo la prima del film a Città del Messico non è stata affatto amichevole. Anche se in seguito ha ottenuto il riconoscimento al Festival di Cannes ed è stata nominata Memoria del mondo dall'Unesco.

lui (1952)

Si tratta di un film girato nel 1952 tratto dall'omonimo libro della scrittrice spagnola Mercedes Pinto. Racconta la storia di Francisco, un uomo di nobili origini ossessionato dall'idea di ottenere l'amore di Gloria, la fidanzata del suo amico.

Alla fine, gli amanti finiscono per sposarsi e il loro matrimonio si trasforma in un inferno a causa della gelosia e delle ossessioni del protagonista.

In questo melodramma, nei film di Buñuel compaiono anche due ingredienti fondamentali: la chiesa e l'alta società. È in un ambiente ecclesiale che inizia la narrazione, durante la celebrazione del Giovedì Santo. Lì si incontreranno i protagonisti, entrambi della classe benestante.

Presto appare uno dei concetti fondamentali che acquisterà risalto durante la visione del film: la paranoia. Come se fosse uno studio su un animale razionale, il regista "seziona" la mente del protagonista. Ed è che, come spettatori, siamo testimoni di " Il viaggio di Francisco verso il delirio attraverso la realtà soggettiva e la ricerca della propria percezione della realtà.

Puoi anche vedere confusione tra i concetti di amore e ossessione. C'è una chiara sottomissione da parte di Gloria nei confronti del marito all'inizio, addirittura una sorta di "tolleranza tossica" nei confronti del suo comportamento.

A poco a poco Francisco comincia a credere che tutto ciò che accade è contro di lui e pensa che sua moglie È infedele a qualsiasi uomo che le si avvicina, arrivando persino ad abusarne fisicamente e psicologicamente.

D'altra parte si può osservare come la società dell'epoca giustifichi questo comportamento da parte dell'uomo nei confronti della donna quando Francesco manipola la suocera e il prete con le sue delusioni. Questi implicano che la giovane donna deve soddisfare i capricci del marito. Il prete chiama addirittura "leggero" il suo comportamento.

Buñuel, inoltre, non tralascia la sua ossessione per gli animali che, sebbene non compaiano Lo fanno attraverso il discorso del protagonista mentre è sulla torre del Torre campanaria. In esso identifica gli umani con i vermi.

lui forse è uno dei film più personali della filmografia del regista o almeno così lo ha mostrato in alcune occasioni, assicurando che "forse è il film in cui ho messo di più. C'è qualcosa di me nel protagonista".

È, senza dubbio, una critica alla mentalità della società del tempo, basata su convenzioni e credenze radicate nelle idee religiose. Un film che, sebbene non abbia avuto lo stesso impatto di altri film del regista, non lascia nessuno indifferente.

Saggio di un crimine (1955)

Saggio di un crimine è anche un adattamento di un romanzo, questa volta dello scrittore messicano Rodolfo Usigli. Questa storia, in chiave di umorismo nero, ruota attorno al personaggio di Archibaldo, un bambino viziato discendente da una famiglia benestante, che vive ossessionato dal carillon della madre.

La sua governante gli racconta una storia legata alla scatola, in cui confessa che ha il potere di esaudire i desideri. In questo modo, il bambino vuole che la sua tata muoia e lei è vittima di uno sparo.

Da quel momento, tutto ciò che accadrà ad Archibaldo, da adulto, ruoterà attorno a quell'evento, poiché pensa che i suoi desideri sono stati concessi dalla scatola e si dichiara colpevole, davanti a un giudice, dell'ondata di crimini che presumibilmente lui stesso ha scatenato.

Il film inizia contestualizzando la storia della rivoluzione messicana come un voce fuoricampo, quella del protagonista adulto, descrive la sua infanzia e come, a partire da un evento accaduto in quel momento, la sua vita da allora sia stata condizionata. In quel momento ci presenta l'elemento catalizzatore della storia: il carillon.

Questo oggetto innescherà un cambiamento nella sua vita da bambino, con l'omicidio della sua tata, e poi da adulto quando recupera la scatola da un negozio di antiquariato. È interessante come il loro sound metterà insieme eventi del passato e del presente.

L'uso di una struttura circolare fa partire il film da una scena, quando Archibaldo si confessa i suoi presunti crimini davanti a un giudice dopo la morte di una suora, e vi ritornano verso la fine del film. Il resto della storia è raccontato attraverso flashback.

Fondamentale è il ruolo giocato dall'immaginazione del personaggio, il confine sottile che c'è tra il desiderio del protagonista e la coincidenza degli eventi, che sfociano finalmente in una "storia di pazzo”.

Archibaldo indica l'oggetto come colpevole di aver risvegliato il suo istinto criminale fino a quando, infine, si disfa della scatola gettandola in un lago, come se in questo modo si fosse liberato della sua psicopatia.

Come in altri film di questo periodo buñueliano, viene fatta una dura critica alla società borghese, quasi tutti i personaggi sono legati a questa classe sociale, e anche verso la Chiesa.

Viridiana (1962)

Basato sul romanzo Halma di Galdós, questo film è stato una tregua per l'esilio di Buñuel. Sebbene sia una coproduzione ispano-messicana, il regista si è recato nel suo paese natale per girarlo.

Alla fine ottenne dure critiche da parte del Vaticano, che lo definì blasfemo, e il regime franchista lo bandì per quindici anni in Spagna.

Il film racconta la storia di Viridiana, una novizia che lascia il convento per far visita allo zio Don Jaime, ricco possidente.

Ben presto l'uomo tenta di violentare la giovane donna, fantasticando sulla grande somiglianza che hanno con la moglie defunta.

Anche se alla fine si pente e non compie l'atto, finisce per suicidarsi prigioniero della sua coscienza.

Dopo questo evento, Viridiana eredita i beni dello zio e, pur non tornando in convento, decide di predicare il bene accogliendo in casa un gruppo di mendicanti. Ma la sua carità finisce per portarlo al male.

In alcune occasioni Buñuel stesso si riferiva al personaggio principale come:

Viridiana è una specie di Chisciotte con la gonna.

In un certo senso, possiamo vedere Viridiana come un personaggio debole e passivo che, all'inizio del film, si muove in base alle decisioni degli altri. Ma, a poco a poco, la protagonista si evolve in base agli eventi che le accadono e diventa finalmente un personaggio più maturo e meno influente.

Ancora una volta la chiesa è un elemento da giudicare in questo film. In esso compaiono diverse rappresentazioni del mondo ecclesiastico. La massima rappresentazione è data dalla mano di Viridiana, potenziale suora e credente. Altri elementi religiosi che compaiono sono: la corona di punte e un coltello a forma di crocifisso. Anche se forse uno dei momenti più significativi è quando si cerca di clonare il dipinto di L'ultima Cena di Leonardo da Vinci.

Questo lavoro di Buñuel evidenzia anche il miglioramento dell'estetica fotografica. Rispetto ai film precedenti, le immagini di questo sono più pulite e più attente.

Viridiana non era solo il film di un altro regista. Sebbene sia stato un tentativo fallito di girare nuovamente nella sua terra e oggetto di dure critiche, è stato anche uno dei film più venerati del regista quando è diventato il vincitore del Palma d'oro al Festival di Cannes.

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L'angelo sterminatore (1962)

Dopo un breve periodo in Spagna, Buñuel torna in Messico per continuare a girare film. Nel 1962 ha debuttato L'angelo sterminatore, in cui indaga nuovamente la vita borghese.

La trama ruota attorno a un incontro dell'alta borghesia tenuto nella lussuosa dimora dei coniugi Nóbile. Dopo una lunga cena, quando è ora di tornare a casa, gli ospiti scoprono che, per ragioni sconosciute, non possono uscire dalla stanza. Lì trascorrono diversi giorni e la situazione passa da una cena lussuosa a una lotta per la sopravvivenza.

Il surrealismo regna sovrano in questo film in cui lo spettatore, come i personaggi, si chiede: perché non possono uscire di casa?

Nessuno lo sa, né lo spettatore né i personaggi. L'elemento catalizzatore che fa sorgere sospetti su quanto possa essere accaduto è l'improvvisa fuga dei servi dalla magione Nóbile. Tuttavia, il mistero non verrà mai scoperto.

La maggior parte del discorso si svolge nello stesso luogo, il che fa sentire allo spettatore di aver perso la propria nozione di tempo se non per i dialoghi, il cambio di aspetto dei personaggi, o l'orologio che compare sullo sfondo nei contati occasioni.

Dal film si ricava una lettura antiborghese, che mostra il vero volto della classe agiata.

All'inizio della storia, quando inizia la festa, tutti si nascondono dietro una facciata di ipocrisia e hanno conversazioni inconsistenti tra loro ma, come in una reality show In questione, a poco a poco ognuno di loro sta mostrando la propria personalità.

Si scopre che quando sono sottoposti a una situazione "estrema", sono ancora animali con un istinto di sopravvivenza. È allora quando si spogliano di ornamenti e ricchezze per mostrare che non sono più di chiunque altro.

4. Ultima tappa: Francia

L'ultima fase della sua carriera cinematografica si svolge in Francia. Lì si trasferì e ebbe più risorse e mezzi per registrare alcune delle opere che lo portarono ai vertici della settima arte.

Bella di giorno (1967)

Bella di giorno È basato sul romanzo Belle de Jour 1928 dallo scrittore Joseph Kessel. Si tratta di una critica chiara ma sottile dell'alta società contemporanea, dove viene nuovamente recuperato il surrealismo tipico del cinema buñueliano.

La storia racconta la vita di Séverine, una giovane ragazza sposata con un medico e che non riesce ad avere relazioni a causa di un trauma infantile. Per questo decide di trasformarsi per qualche ora in Belle de Jour, una prostituta, e conduce una doppia vita in segreto anche se, alla fine, viene scoperta da un amico di suo marito.

Una giovane Catherine Deneuve interpreta Séverine, un personaggio ambiguo e distante con cui si scopre difficile immedesimarsi, che vive in un ambiente borghese in cui si mostra la freddezza dei rapporti personale. Un giorno decide di lasciare quella "vita noiosa" per diventare, per qualche ora, un'altra donna in un bordello.

Attraverso il protagonista, Buñuel indaga nuovamente il mondo della fantasia attraverso scene che fanno parte del mondo immaginario del personaggio, sebbene sollevi dubbi nello spettatore sul fatto che siano reali o meno, tra ciò che è fantasia o realtà. È divertente come quasi sempre nelle fantasie di Séverine sia umiliata dal marito.

D'altra parte, il tema affrontato nel film prevede la scoperta di molti argomenti tabù all'epoca, come la prostituzione, in questo caso portata nell'ambito dell'alta società. Anche se lo tratta in modo molto sottile.

È forse uno dei film tecnicamente più attenti del regista, tenendo conto del trattamento del colore nella fotografia e dell'uso di cornici accattivanti. L'estetica del film denota la maturità cinematografica del regista nella sua ultima fase.

Nonostante le polemiche che il tema audace del film ha generato, lo ha portato a vincere il Leone d'oro alla Mostra del Cinema di Venezia.

Il fascino discreto della borghesia (1972)

Il fascino discreto della borghesia È uno degli ultimi film di Buñuel e quello che lo ha portato ad essere il primo regista spagnolo a vincere l'Oscar nella categoria del miglior film straniero.

In esso ritorna, per avere come sfondo la borghesia francese. Muovendosi tra commedia e assurdo, la trama ruota attorno a sei personaggi, tre coppie, che, per ragioni diverse, vedono troncata la loro intenzione di andare a cena.

Questo film innovativo e rivoluzionario all'epoca poteva perfettamente avere l'attributo di "senza tempo", poiché il suo argomento potrebbe essere estrapolato al presente, continua ad avere un impatto sullo spettatore al giorno d'oggi.

Proprio come nel film L'angelo sterminatore, fa una radiografia dell'intera borghesia. Lo dipinge come una classe sociale che cerca sempre di mantenere forma, eleganza e buone maniere, anche nelle situazioni più assurde.

È un film divertente in cui non focalizza l'attenzione su un singolo personaggio, ma piuttosto apre la strada a un ruolo corale ambiguo e senza l'evoluzione dei singoli.

Il protagonismo di gruppo si riflette anche nella tecnica, che giustifica lo scarso uso dei primi piani, dando protagonismo a inquadrature più ampie in cui sono gli stessi attori a sviluppare al proprio interno una magnifica "coreografia" dello stesso.

Né Buñuel si lascia alle spalle il mondo dei sogni e la difficoltà di distinguere tra il mondo dei sogni e quello reale. Corre dei rischi e va oltre, presentando anche i sogni all'interno di un altro sogno.

Questo gioiello cinematografico, intriso di ironia e satira, lascia la porta aperta allo spettatore per ottenere diverse interpretazioni, e la sua visione non lascia nessuno indifferente.

Breve biografia di Luis Buñuel

Luis Buñuel era un regista spagnolo nato nel febbraio del 1900 in una piccola cittadina aragonese. Lì trascorse la sua infanzia e in seguito si trasferì a Saragozza dove studiò con i suoi fratelli nelle scuole religiose.

Quando ha studiato al liceo ha scoperto il libro L'origine delle specie (1859) di Darwin, che lo portò a cambiare la sua concezione della religione. In questa fase nasce anche il suo interesse per l'entomologia che, insieme al fatto religioso, diventerà una delle sue grandi ossessioni e condizionerà la sua opera cinematografica.

Nel 1917 si trasferì a Madrid con l'idea di studiare Ingegneria Agraria, anche se alla fine non riuscì ad accedere alla facoltà. Nella capitale, vive in "The Student Residence", centro Krausista, dove incontra alcuni tra i più importanti artisti d'avanguardia dell'epoca, i cosiddetti La generazione del 27: Ramón Gómez de la Serna, Rafael Alberti, Federico García Lorca e Salvador Dalí, con i quali mantenne una stretta amicizia.

Trascorse sette anni al centro studentesco e cambiò studi in diverse occasioni, fino ad iscriversi infine a Filosofia e Lettere. Il periodo nella capitale ne ha condizionato la carriera poiché, grazie al suo interesse per le avanguardie, ha gettato le basi che avrebbero spiegato il suo modo di intendere il cinema.

Filmografia completa di Buñuel

• Un cane andaluso, 1929
• L'epoca d'oro, 1930
• Las Hurdes, 1933
• Gran Casinò, 1947
• Il grande Teschio, 1949
• I dimenticati, 1950
• Suzanne, 1951
• La figlia dell'inganno, 1951
• Una donna senza amore, 1952
• Ascesa al cielo, 1952
• il bruto, 1953
• lui, 1953
• Illusion viaggia in tram, 1954
• Robinson Crusoe, 1954
• Saggio di un crimine, 1955
• Il fiume e la morte, 1955
• Questa è l'aurora, 1956
• Morte in giardino, 1956
• Nazarino, 1959
• L'ambizioso, 1959
• Il giovane, 1960
• Viridiana, 1961
• L'angelo sterminatore, 1962
• Diario di una cameriera, 1964
• Simone del deserto, 1965
• Bella di giorno, 1967
• La via Lattea, 1969
• Tristana, 1970
• Il fascino discreto della borghesia, 1972
• Il fantasma della libertà, 1974
• Quell'oscuro oggetto del desiderio, 1977