Quali sono i canoni di bellezza dell'arte classica?

La Grecia classica è sempre stata un punto di riferimento in termini di bellezza. Gombrich stesso, nella sua opera immortale storia dell'arte Rientra in uno di questi temi quando afferma che, durante il secolo di Pericle, ebbe inizio “il grande risveglio dell'arte”. In questo senso, l'eminente teorico è portato via dalla convinzione, così usuale in Occidente, che La Grecia era l'apice dell'arte e della bellezza.

È davvero così? Possiamo affermare categoricamente, come fa Gombrich, che durante la Grecia classica esisteva a svegliati? Sì e no. Se ci atteniamo rigorosamente alla nascita di un'arte naturalista, sì, Atene era il punto di riferimento. Ma è che possiamo ridurre l'arte a una copia naturalistica della realtà?

Canoni di bellezza dell'arte classica

Anche l'era classica ha i suoi cliché artistici, stranamente. Nel suo caso, ea differenza dell'arte medievale (più vituperata), questi argomenti provengono piuttosto dal idealizzazione che fu portata avanti nel corso del XVIII secolo, quando furono recuperati i presunti canoni classici e L'Accademia.

Nell'articolo di oggi esamineremo brevemente cosa sono i canoni di bellezza su cui si basava l'arte greca classica e come furono recuperati durante il Neoclassicismo.

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L'osservazione della natura

L'arte greca che abbiamo in mente corrisponde solo a un certo periodo della storia della Grecia; esattamente, gli anni che trascorrono dal cosiddetto "Secolo di Pericle" (s. Va. C.) e il periodo ellenistico (s. IVa. C.). Ma il viaggio artistico della polis greca iniziò, ovviamente, molto prima.

Se prendiamo le prime manifestazioni della scultura greca, il cosiddetto stile arcaico, osserveremo che i canoni della bellezza sono molto simili a quelli egizi.. Chiari prototipi di quest'arte sono i Kuroi e Korai (kuros E kore singolare), sculture di ragazzi e ragazze che sono stati considerati rispettivamente atleti e sacerdotesse. In tutte osserviamo canoni rigidi e simmetrici, molto vicini alla statuaria del paese del Nilo.

Entrambi korai Come il kuroi si incontrano invariabilmente frontalmente, con un'aura maestosa in cui non c'è quasi traccia di movimento. I volumi sono decisi e statici, l'anatomia appena delineata. Corrispondono, come le loro controparti egiziane, a un'immagine idealizzata di un concetto o di un personaggio.

Dopo le guerre con i Persiani e l'attivazione culturale di Atene, qualcosa comincia a cambiare. Le sculture subiscono una "naturalizzazione"; Non si tratta più di rappresentazioni “dogmatiche” di uomini e donne, ma di palesi tentativi di copiare l'anatomia umana reale, con uno studio approfondito di muscoli, ossa, tendini e tutti gli elementi necessari per costruire un corpo credibile. A questo si riferisce Gombrich quando dice "il risveglio dell'arte": per la prima volta nella storia, gli esseri umani copiano realisticamente la natura.

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Un corpo assolutamente idealizzato

Tuttavia, i corpi delle sculture del V e IV secolo a.C. C. a veri esseri umani? La risposta è no. Perché nonostante i Greci di quel tempo iniziarono uno studio evidente del naturale, le rappresentazioni finali non sono rappresentazioni di uomini e donne specifici. Corrispondono a un ideale di bellezza, che i Greci hanno raggiunto attraverso l'osservazione di molte anatomie e attraverso una selezione degli elementi più "belli".

In questo senso, potremmo dire che l'arte greca classica è ugualmente idealizzata, in linea con le sue compagne egiziane e orientali; solo che la sua idealizzazione è costruita in modo diverso. Mentre questi si basano su un'idea che in seguito cercano di catturare plasticamente, i greci dell'epoca classico osservare l'anatomia e selezionare quegli elementi che dovrebbero apparire idealmente in un corpo perfetto.

Per questo, I greci non esitano ad adattare il loro lavoro alla visione dello spettatore in modo che sia più bello. Le colonne del Partenone sono volutamente "storte" in modo che, guardandole, l'occhio le interpreti come perfettamente allineate. Altrimenti, se l'architetto le avesse alzate dritte, il nostro sguardo le deformerebbe. D'altra parte, e come sostiene Umberto Eco nel suo lavoro storia della bellezza, l'artista non si fa intimidire quando si tratta di adattare uno scudo alla vista di chi lo sta guardando, proprio perché quest'ultimo non lo percepisca come eccessivamente piatto.

Vale a dire che gli artisti greci conoscevano gli errori dello sguardo umano e della prospettiva e, in onore della bellezza, non esitavano a mutare le forme reali. Pertanto, dire che i greci "copiarono la natura" è un errore tanto grande quanto dire che "nel Medioevo non esisteva alcun tipo di naturalismo". Le cose, come sempre, non sono né bianche né nere.

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Ethos e pathos

Proporzione e armonia sono fondamentali durante il periodo classico per comprendere il loro concetto di bellezza. Nel corpo umano, Policleto stabilisce il canone delle sette teste come misure perfette., il che ci riporta a quanto si è detto sopra: che, contrariamente a quanto si crede, i Greci hanno sollevato anche un'arte "idealizzata", per nulla realistica.

D'altra parte, durante la Grecia classica troviamo come elemento predominante nella creazione artistica il ethos, che, nonostante verrebbe a significare strettamente "condotta", in termini artistici è usato per esprimere contenimento. Proprio come era scritto sui muri del tempio di Delfi: "Prego". Questa è la premessa che riassume perfettamente l'ideale classico: l'armonia come contenimento del caos sempre fastidioso.

Per questo motivo, quando nel 1506 la scultura del laocoonte, gli umanisti dell'epoca rimasero davvero stupiti. Cos'era questa massa informe di carne che si muoveva, si dibatteva e si contraeva? Dove era lui ethos in quella statua?

Cosa gli scopritori di laocoonte Quello che non sapevano era che questa creazione apparteneva interamente ad un altro periodo, quello ellenistico, dove, seguendo le teorie di Nietzsche, Dioniso sostituì Apollo. In altre parole; nel tardo periodo greco, che corrisponde alle conquiste macedoni di Alessandro Magno, il senso della contesa armoniosa lascia il posto al tumulto delle emozioni, al pathos più genuino. Le sculture, quindi, perdono quell'equilibrio quasi miracoloso e cominciano a "muoversi" ea mostrare i loro alti e bassi interni. Dioniso, il dio del caos, della notte, della festa, ha sostituito il sempre calmo Apollo.

ideali femminili e ideali maschili

È un'idea comunemente accettata che i nudi nella storia dell'arte abbiano sempre rappresentato le donne. Questo non è vero, almeno nei primi secoli dell'arte. Infatti, se prendiamo la statuaria greca, troveremo sicuramente innumerevoli nudi maschili, e praticamente nessuno femminile.

Ricordiamo che la società greca era eminentemente misogina. Le donne vivevano appartate nelle ginecee delle case e non avevano accesso ad alcun tipo di attività sociale, tanto meno politica. Il corpo della donna era un vero tabù, ma non quello dell'uomo. Infatti, fin dai tempi arcaici troviamo nudi maschili (i famosi kuroi, per esempio), che rappresentano sicuramente atleti divinizzati. I partecipanti ai giochi gareggiavano nudi e gli uomini giocavano nudi nelle arene delle palestre. La bellezza del nudo maschile è costantemente evocata, ma non quella femminile.

Dovremo attendere Prassitele (s. IVa. C.), già dal periodo ellenistico, per trovare i più splendidi nudi femminili della Grecia, i famosi Afrodite, che incarnano, come la statuaria maschile (come la Apollo Belvedere o il Ermete di Prassitele) l'ideale del corpo femminile. A differenza dei loro coetanei, tuttavia, il Afrodite non mostrano tutto il loro corpo; spesso i genitali e le gambe sono coperti da tuniche, lasciando visibile solo la parte superiore del tronco. Altre volte, Afrodite si copre modestamente con le mani e le braccia, in quella che è conosciuta come la modesta Venere.

È in epoca moderna, e soprattutto durante i secoli XVIII e XIX, che il nudo femminile raggiunge il suo apice., grazie al recupero dell'arte classica e alla nascita dell'accademia. A proposito, il neoclassicismo ha fatto una particolare interpretazione dell'arte greca classica. In primo luogo incarnava l'idea della "purezza del marmo"; sculture di un bianco immacolato che esaltavano così la sua silhouette. Non potrebbe essere più lontano dalla verità. Perché i greci, come quelli medievali, diedero alla policromia un'importanza capitale. Allo stesso modo in cui il Medioevo non era oscuro, la Grecia classica non lo era bianco. È stata una splendida apoteosi di colori, nata in mezzo a quell'ethos potente e magnifico.