10가지 주요 예술적 경향: 그것들은 무엇인가?
Gombrich는 그의 위대한 예술사에서 예술은 존재하지 않고 예술가만이 존재한다고 말했습니다.. 각 제작자는 자신의 세계에서 독특하고 양도할 수 없는 것을 표현하기 때문에 어느 정도 이것은 완전히 사실입니다. 그러나 예술가들이 그들의 시간에서 벗어날 수 없다는 것은 사실입니다. 따라서 각각의 예술적 표현은 특정한 맥락에 종속되며, 예술가가 아무리 자신을 분리하려고 노력하더라도 그는 여전히 어느 정도 맥락에 종속되어 있습니다.
다음으로 우리는 미술사에서 주요 예술적 경향이 무엇인지에 대한 실질적인 요약을 할 것입니다. 이 문서는 기본 개요일 뿐입니다. 검은 색이나 흰색은 없으며 엄청난 수의 뉘앙스가 있음을 기억합시다. 모든 문화와 시대는 어떤 식으로든 예술을 표현해 왔습니다.
이러한 작은 기사에서 그들 모두의 본질적인 특징을 요약하는 것은 어렵지만, 우리는 주려고 노력할 것입니다. 역사를 통해 예술의 진화를 이해하는 데 실용적일 수 있는 개요입니다. 요점으로 말하자면 우리는 서구 미술에 초점을 맞췄습니다. 그 좁은 지면에 보편적인 예술적 표현을 요약하는 것은 완전히 불가능하기 때문입니다.. 유용하게 사용하시길 바랍니다.
- 다음 내용을 읽어 보시기 바랍니다. "예술은 왜 만들어졌을까? 역사를 통한 여행"
예술적 흐름이란 무엇입니까?
예술적 흐름(예술적 움직임이라고도 함)은 맥락과 일련의 미적 특성, 이데올로기적 목표를 공유합니다. 단호한. 이 정의에 따라 우리는 이집트, 그리스 또는 메소포타미아와 같은 위대한 고대 문화가 창조한 예술을 예술적 흐름이라고 부를 수도 있습니다.
그러나 이것은 완전히 정확하지 않습니다. 앞서 언급한 문명에는 창조의 다른 가능성이 없었습니다. 그것은 문화 전체의 진정한 표현이었기 때문에 그것을 예술적 흐름이라고 부르는 것은 다소 위험합니다.. 그러므로 우리는 중세의 마지막 세기부터 여행을 시작할 것입니다. 문화 운동은 서로를 빠르게 따라가기 시작하여 19세기에 발생한 스타일의 모자이크에서 절정에 이릅니다. 그리고 스무 번째에
1. 로마네스크
로마네스크 양식은 아마도 매우 특정한 글로벌 특성을 지닌 최초의 완전한 유럽 스타일일 것입니다.
. 그리고 바로크나 근대와 같은 다른 후기 경향만큼 균질한 스타일은 아니었던 것이 사실이지만 낭만주의, 유럽의 모든 위도에서 스타일을 만드는 일련의 요소를 공유한다는 것은 사실입니다. 콤팩트.로마네스크 양식은 부르고뉴에서 11~12세기경에 나타났습니다. 특히 Cluny 수도원에서. 거기에서 그것은 각 영토가 고유한 특성을 가지고 있는 유럽의 나머지 지역으로 퍼졌습니다. 우리는 로마네스크가 무엇인지에 대한 완전한 분석을 할 수는 없지만, 건축학적으로 로마네스크 건축 요소를 포함한다는 것을 요약할 수 있습니다. 19세기에 붙여진 이름) 그리고 그 기초는 반원형 아치, 배럴 금고, 사타구니 금고 등 많은 다른 요소들입니다. 건설적인.
건축 로마네스크 양식은 매우 구체적인 구조를 가진 유럽의 전례 통합과 소위 순례 교회의 출현에 대한 필요성을 따릅니다. 로마네스크 양식의 건축물에서는 조각은 일반적으로 건축에 종속되며 우리는 고막과 문 아치볼트에서 더 많은 조각 장식을 발견합니다..
반면에 로마네스크 회화는 십자군 전쟁과 함께 동양에서 온 비잔틴 성화와 모자라빅 미니어처를 그립니다. 그것들은 매우 비현실적인 위계적 그림으로, 그 주된 목적은 현실을 복사하는 것이 아니라 메시지를 전달하는 것이었습니다. 그렇기 때문에 로마네스크 회화적 공간에는 원근감도 부피감도 존재하지 않고 지상의 요소가 밝은 색의 줄무늬로 적절하게 분리된 천국과 지옥이 혼합되어 있다.
2. 고딕
다음 완전 유럽 스타일은 고딕이었습니다. 특히 14세기에 발전하여 이상적으로 양식화된 인물로 비잔틴 황금 배경을 회복한 이른바 국제 고딕 양식이 획일적이었습니다. 고딕 양식에서는 표현이 현실감으로 물들기 시작하고 인물은 더 인간적으로 변하는 경향이 있습니다. 지금은 도시, 번잡한 상업, 대성당의 시대입니다. Gothic Virgins는 아기와 상호 작용하지 않은 Theotokos Virgins 또는 왕좌의 Virgins, hieratic에서 멀리 떨어진 진정한 어머니가되기 시작합니다. 반면에 십자가에 못 박힌 그림과 조각은 귀화되고 고통을 보이기 시작합니다.
고딕 양식의 가장 특징적인 요소는 물론 대성당입니다.. 이 건물의 건축 언어는 매우 새롭습니다. 그럼에도 불구하고 16세기 조르지오 바사리(Giorgio Vasari)는 이러한 건축물을 "야만적"(고딕)이라고 묘사했습니다. 플라잉 버트레스와 버트리스는 더 많은 개구부(놀라운 고딕 양식의 스테인드 글라스 창)가 있는 점점 더 높은 건물에 안정성을 제공하도록 설계되었습니다. 로마네스크 양식과 마찬가지로 고딕 양식의 건물도 완전히 다색, 중세가 유채색에 대해 느꼈던 위대한 사랑을 구체화하는 사실 문학.
3. 르네상스
고전 문화는 중세 시대에도 잊혀지지 않았지만 르네상스 시대에 로마 비트루비우스(1세기)의 건축 논문과 같은 고전적 계율을 의식적으로 회복합니다. 나는. 씨.). 예술가가 단순한 장인 이상의 존재로 보이기 시작하는 지성화되는 시기이기도 하다.
르네상스는 15세기 초 피렌체에서 세례당의 문이나 브루넬레스키가 대성당을 위해 디자인한 웅장한 돔과 같은 작품으로 시작되었습니다., 서기 1세기에 판테온이 건설된 이후 직경이 달성되지 않았습니다. 씨. 건축가는 고대 건축물에서 영감을 찾는 반면, 화가는 모델(폼페이와 헤르쿨라네움은 아직 발견되지 않음)은 네로.
그러나 르네상스의 가장 중요한 혁신은 수학적 관점이었습니다. Leon Battista Alberti(1404-1472)는 그의 논문 De pictura에서 다음과 같은 아이디어를 그렸습니다. 브루넬레스키. 그때부터 회화는 모든 선이 모이는 하나의 소실점을 통해 원근법이 이루어지는 세상을 향해 열린 창을 추구할 것이다.
4. 바로크
16세기 말에 르네상스는 완전히 소진되었고 대신에 매너리즘이 나타나는데, 회화에서 그것은 연장과 양식화로 특징지어진다 수치. 그러나 다음 세기 초에 바로크 양식이라는 새로운 미적 경향이 반개혁 유럽을 장악하기 시작했습니다.
바로크는 신앙의 표현 수단이 필요했던 가톨릭 교회의 반종교개혁의 소산이라고 할 수 있다.. 그 목적은 신자들을 로마 교회에 머물게 하고 그들이 루터교로 이주하는 것을 막는 것이었습니다. 바로크 언어는 바로 이러한 의지의 반영이다. 그림에서 감정은 고통의 묘사를 통해 촉진됩니다. 개신교가 설파하는 기괴한 성도들의 전설은 제거되고 성스러운 인물들은 그들의 속성으로 표현됩니다. 종교는 민중으로 전락하고, 현실에서 직접 모델을 차용한 일상의 장면에 성경 속 인물들이 등장한다.
건축에서 바로크는 특히 프랑스에서 여전히 매우 고전적이라고 말할 수 있습니다. 베르사유 궁전은 이 우아한 프랑스 고전주의의 좋은 예입니다. 반면에 모든 스타일에서 일반적으로 발생하는 것처럼 각 영토는 다른 바로크를 낳습니다. 그리고 가톨릭 교회와 후원자가 도시의 부르주아 인 곳에서 최대 대표자는 Johannes Vermeer 인 친밀한 그림이 개발되었습니다.
5. 로코코
바로크의 연장선으로 잘못 취급되는 로코코는 18세기 전반기 계몽주의 시대의 진정한 표현이다. 깨달은 철학자들과 손을 잡고 이 스타일은 삶의 달콤함, 친밀함, 가정의 안락함 및 일상 생활의 아름다운 모든 것을 기념합니다.
그렇기 때문에 로코코 모티프는 목가적, 목가적, 가장 무도회, 용감하고 경쾌한 장면 등 행복하고 축제 적이며 전혀 극적이지 않습니다. 한마디로: 로코코 양식은 구 정권의 부유한 계층의 삶의 기쁨, 삶의 기쁨입니다..
6. 신고전주의
여러 면에서 신고전주의는 로코코와의 단절을 표시합니다. 이전 모델과 마찬가지로 프랑스에서도 등장한 이 미학적 경향은 새로운 프랑스 공화국을 위한 완벽한 표현입니다. 신고전주의는 물론 고전 예술에서 영감을 받았습니다. 그림에서 그는 사람들에게 미덕의 모델이 되는 웅장하고 엄숙한 주제를 선호합니다. 이것의 좋은 예는 위대한 신고전주의 화가인 Jacques-Louis David(1748-1825)의 캔버스입니다. 반면에 신고전주의 건축은 사실상 고대 그리스와 로마 사원을 모방한 것입니다. 이것을 깨닫기 위해서는 파리의 마들렌 교회를 생각하기만 하면 됩니다.
신고전주의 양식은 나폴레옹 시대에 절정을 이루었습니다. 로마와 무술의 미학이 위대한 코르시카인이 만든 제국에 적합했기 때문입니다.. 나폴레옹이 몰락한 후, 신고전주의 양식은 시대에 뒤떨어졌고 미학이 매우 살아 있음에도 불구하고(특히 건축) 19세기 내내, 세기의 첫 10년 동안 낭만주의.
7. 낭만주의
미술사에서 한 스타일이 부분적으로 이전 스타일에 대한 반응으로 탄생하는 것이 일반적입니다. 그리고 아무것도 흑백이 아니며 이 진술에는 많은 뉘앙스가 있지만 낭만주의의 탄생과 같은 경우에서 이에 대한 증거를 찾을 수 있습니다. 신고전주의는 공화주의의 신격화였지만, 처음에는 로마 제국을, 나중에는 모든 이것이 의미하는 규율, 낭만주의는 인간의 주관성을 옹호하기 위해 탄생했으며, 따라서 개인. 예술은 다시는 적어도 배타적으로 권력에 종속된 것으로 간주되지 않을 것입니다. 창조하는 것은 예술가이며 예술적 표현을 일으키는 것은 예술가 자신입니다. 진정한 크리에이터는 아카데미와 예술을 교살하는 모든 코르셋 규범에 반대합니다.
창조적 개인주의를 드높이는 모든 후속 흐름은 낭만주의에서 비롯되었습니다.. 후자의 경우, 그들은 인간 정신의 깊이를 한계까지 탐구합니다. 100년 전의 낭만적인 것들은 꿈의 세계를 대표할 때 끔찍하고 유령, 무덤 및 이미지로 가득 찬 섬망 상태. 반면 낭만주의는 조국과 민족을 중시한다. 결정하는 개인으로 구성되며, 국가의 과거를 이상화하고 그것을 전설.
8. 사실주의와 자연주의
1850년경, 낭만주의가 소멸되기 시작합니다. 지금은 실증주의, 기술 발전, 2차 산업 혁명의 시대입니다. 도시에는 공장이 생기고 인간 이하의 조건에서 사는 비참한 사람들이 늘어납니다. 이때부터 예술은 낭만주의자들이 주장하는 이상세계를 망각하고 사회문제와 갈등에 관심을 갖게 된다.
조형 예술과 문학 모두에서 되풀이되는 주제는 사회적 비난입니다. 유령처럼 공장을 떠나는 굶주린 노동자들, 너덜너덜하고 더러운 아이들; 매춘부, 거지, 세탁소, 미래가 없는 젊은이들. 그렇다면 현실주의는 사회적 현실에 전념합니다..
이후 심리학에 대한 관심이 높아지면서 현실주의적 경향은 객관성과 관찰력을 극한까지 끌어올리는 자연주의로 진화하게 된다. 문학에서 에밀 졸라(Emile Zola, 1840-1902)로 훌륭하게 대표되는 자연주의 예술가는 생물이 자극에 따라 행동하는 연구 실험실과 같은 현실 반. 따라서 이 고도로 과학적인 예술에는 주관성이 설 자리가 없으며, 미 자체는 더욱 그렇습니다.
9. 미학의 흐름
과학이 되어버린 예술, 세상의 아름다움을 외면하는 예술에 대응하여 19세기 말 예술을 위한 예술을 주장하는 일련의 흐름이 등장했다. 이것은 라파엘 전파의 형제애, 데카당스, 파르나스주의, 상징주의, 히스패닉 국가에서 모더니즘으로 더 잘 알려진 아르누보의 경우입니다.
여기서 이러한 모든 흐름에 대해 이야기할 수는 없지만 공통점이 무엇인지 지적할 수 있습니다. 아름다움의 거세자로서 실증주의, 기술 발전, 공장, 과학적 진보에 대한 강력한 혐오. 따라서 이 모든 미적 흐름은 아름다움의 배타적 창작자로서 예술로 회귀하기를 원할 것이다.
10. 선봉대
다시 말하지만, 19세기 말과 20세기 첫 10년 동안 급증한 모든 아방가르드에 대해 이야기할 수는 없지만 적어도 이름을 지정하려고 노력할 것입니다. 공식적인 선봉대는 20세기 초에 등장합니다. 그 중 첫 번째는 색을 현실의 모방이 아닌 주관적 표현의 수단으로 중시하는 경향인 야수파(Fauvism)로 간주된다. 1905년 첫 전시회를 열었던 야수파 이후, 아방가르드는 표현주의, 미래주의, 큐비즘, 다다이즘, 초현실주의와 같이 너무 빨리 서로 뒤따랐습니다.
아방가르드는 20세기 예술의 주요 특징입니다. 기존의 규범에 반하는 일련의 움직임, 개성을 지닌 예술가 집단 일반적으로 기본 이데올로기 적 선언과 함께 일종의 그림 학교를 형성하기 위해 함께 모이는 일반적인 것. 현재 우리는 예술적 흐름을 만드는 개성의 새로운 시대에 살고 있습니다. 흐릿하고 천 조각으로 조각나서 우리는 전류에 대해 거의 말할 수 없지만 예술가. 하지만 마음 속 깊은 곳에서(그리고 곰브리치가 말했듯이) 항상 이랬던 것은 아니었을까요?
