Gustav KLIMT en zijn 5 belangrijkste werken

Gustav Klimt (1862-1918) is een van de referenties binnen de modernistische beweging van de Weense afscheiding, medeoprichter en eerste president. EEN Symbolistische schilder van Oostenrijkse afkomst gekenmerkt door zijn eigenaardigheden, zijn prestige en omdat hij een van de meest decoratieve schilders is groten van de 20e eeuw, die hun eigen stijl ontwikkelen, geladen met erotiek, eclectisch, vol fantasie en rijkdom.

In deze les van unPROFESOR.com bieden we u de volgende: belangrijkste werken van Gustav Klimt en de basiskenmerken van zijn artistieke stijl.

Inhoudsopgave

1. Kenmerken van de werken van Gustav Klimt
2. Het Auditorium van het Oude Burgtheater: een van de werken van Gustav Klimt
3. Pallas Athenea (1898)
4. Medicine (1900-1901), een zeer prominent werk van Kimt
5. Adele Bloch-Bauer (1903-1907), het beste werk van Klimt
6. De kus (1907-1908), een van de belangrijkste werken van Klimt

• Klimt was decoratieve schilder
  instagram story viewer
  gewijd aan de verfraaiing van gebouwen met reliëfs en historische taferelen en figuren. Een esthetiek die ertoe leidde dat zijn schilderijen op canvas een exponent van de gelijkheid tussen de decoratieve kunsten en de schone kunsten.
• Het was een van de oprichters van de Weense Secession, in 1897, presiente gekozen vanwege zijn rebelse en baanbrekende persoonlijkheid. Zijn internationale faam als de beroemdste art nouveau-schilder droeg bij aan het aanvankelijke succes van de Secession, maar ook aan het verval toen hij het in 1905 verliet.
• Hoewel het op dit moment kunstwerk is iconisch en erg populair, in de tijd dat een deel van zijn werken als obsceen werd beschouwd vanwege hun hoog erotisch gehalte.
• Zijn werk is heel persoonlijk en uniekZelfs vandaag de dag wordt de Gouden Fase gekenmerkt door het gebruik van gouden en zilveren platen in de stijl van Byzantijnse mozaïeken.

Een van de meest opvallende werken van Gustav Klimt is Het auditorium van het oude Burgtheater (1888-89), het begin van de schildercarrière van Klimt.

Dit was een van de belangrijkste opdrachten aan het begin van Klimts carrière. Het stadsbestuur van Wenen vroeg de schilder om enkele foto's van het oude te schilderen Burgtheater, opera van de stad, gebouwd in 1741 en gesloopt in dat jaar 1888.

Klimt koos ervoor om de lay-out van de operaboxen vast te leggen, een enigszins originele keuze, maar belangrijk vanuit architectonisch oogpunt. een werk van academische stijl, typisch voor De vroege werken van Klimt en waarin de invloed van Hans Makart.

Een ander interessant aspect is de detail en virtuositeit van Klimt door in het werk de portretten te introduceren van al die mensen die hem vroegen om ze in de dozen op te nemen. Het stuk is dus niet alleen een herinnering aan hoe het theater was, maar ook aan de politieke, culturele en economische elites van de stad: in totaal meer dan 150 individuen. Tot de toehoorders behoren de premier van Oostenrijk, de burgemeester van Wenen, de chirurg Theodor Billroth, componist Johannes Brahms en de minnares van de keizer, actrice Katherina Schratt.

Hoewel de secessionisten in principe braken met eerdere artistieke tradities, was hun relatie met het verleden niet zo eenvoudig. Zo werden zowel hij als andere leden van het secessionisme geïnspireerd door: Grieks-Romeinse mythische en allegorische figuren en verhalen en van andere oude beschavingen.

In dit geval Klimt herinterpreteert de figuur van de Grieks-Romeinse godin met zachte kleuren en met een neiging tot abstractie, een stijl waar hij zich bij zal aansluiten als hij afscheid neemt van het Secessionisme. In dit werk biedt Klimt een krachtig en imposant beeld van Athena, waarbij de godin wordt weergegeven als gehuld in een mist en met een androgyne uitstraling. Hij kleedt haar in een militaire outfit die haar identificeert als een krijger en beschermer van de stad Athene, mannelijke kwaliteiten, terwijl ze haar lange en fijne haar laat zien als een teken van haar vrouwelijke kant. In zijn hand houdt hij een naakte figuur van Nike, de representatie van de overwinning.

In die mist een vertegenwoordiging van de oneiric, het werk verbinden met het werk van Sigmund Freud. Het werk zou dus de belichaming zijn van het ideaal van een machtige vrouw, object van mannelijk verlangen, evenals van de vrouw die ernaar verlangt zich als man te kleden om een ​​machtsstatus te bereiken.

In 1894 gaf het Ministerie van Cultuur Klimt de opdracht om de nieuwe Grote Zaal van de Universiteit van Wenen. Het werk van Klimt bestond uit het schilderen van drie monumentale doeken met respectievelijk de thema's filosofie, geneeskunde en jurisprudentie. Toen Klimt in 1898 begon met het schilderen van de doeken, had hij zich al aangesloten bij de Secession en had hij het naturalisme opgegeven. Van de drie werken was Medicine het canvas dat de meeste controverse veroorzaakte.

Geneesmiddel laat zien aan Hygeia, de mythologische dochter van de god van de geneeskunde, gelegen in het onderste midden van het canvas en geïdentificeerd door een slang en het glas van Lethe. Boven Hygeia rijst een hoge lichtkolom op, rechts daarvan stijgt een web van naakte figuren op, verstrengeld met het skelet van de Dood. Aan de andere kant van de lichtkolom zweefde een naakte vrouw wiens bekken naar voren gekanteld was, terwijl onder haar voeten een in tule gewikkelde baby zweefde. Deze compositie wekte veel kritiek op Klimt van het maken van een pornografisch werk, zonder naar enig medisch onderwerp te verwijzen. De afwijzende houding waarmee de werken van Klimt werden ontvangen, bracht de schilder ertoe de drie werken in 1905 terug te kopen.

Het werk van Klimt toont de ambiguïteit van het menselijk leven, die tegelijkertijd geboorte en dood vertegenwoordigen. De afwijzing van het werk van Klimt laat zien hoe, ondanks de grote stappen die de Secession in de loop der jaren had gemaakt, Sinds haar oprichting was de beweging er niet in geslaagd de conservatieve houding ten opzichte van moderne kunst om te buigen in Wenen.

Voor Klimt was dit allemaal een duidelijke vernedering en publieke afwijzing, iets waarvoor hij in Wenen niet exposeerde. gedurende vijf jaar na 1903, en nam ontslag uit officiële opdrachten en stemde ermee in alleen opdrachten aan te nemen privaat. Deze drie schilderijen zijn, net als veel andere werken van Klimt, in mei 1945 door de nazi's in beslag genomen en gecremeerd. in Schloss Immendorf, het Neder-Oostenrijkse kasteel waar ze waren opgeslagen, door SS-troepen in terugtrekking.

Dit is een van de De beroemdste werken van Klimt omdat het een van de meest beruchte gevallen van kunstdiefstal was die door de nazi's werden gepleegd. Adele Bloch-Bauer, de vrouw van de Weense bankier en suikermagnaat Ferdinand Bloch-Bauer, was een van zijn favoriete muzen en diende als model voor verschillende andere schilderijen, waaronder zijn beroemde Judith I (1901). Hoewel het gerucht ging dat Klimt romantisch betrokken was bij veel van de vrouwen die hij schilderde, is de exacte aard van zijn relatie met Adele Bloch-Bauer onbekend.

Op dit doek a ontbinding van de werkelijkheid doorbreken naar de puurste abstractie. Dus hoewel Klimt Adele Bloch-Bauer zittend voorstelt, is het bijna onmogelijk om de vorm van de stoel te onderscheiden of de vormen van haar kleding van de achtergrond te scheiden. Klimt was grotendeels onverschillig voor het weergeven van het karakter van zijn model, laat staan ​​voor de locatie en context. Het gebruik van bladgoud en zilver Het toont de hoge waarde en kwaliteit van de sieraden die Adele draagt, evenals de diepe liefde van haar man, die opdracht gaf tot het schilderij.

Het werk is ingelijst in de Klimt's "Gouden Fase" van het eerste decennium van de twintigste eeuw, waarin hij tientallen goudpatronen en metaaltinten in uw schilderijen om weelderigheid en luxe toe te voegen naar zijn werken. Een techniek die aansluit bij de Byzantijnse mozaïeken in de basiliek van San Vital in Ravenna, Italië, die Klimt in december 1903 bezocht. Veel van deze mozaïeken gebruiken een vergelijkbare platte gouden achtergrond en beelden de Byzantijnse keizerin Theodora uit. Klimts afbeelding van de choker die Adele Bloch-Bauer in dit portret draagt, is geïnspireerd op deze mozaïeken. Kunsthistorici wijzen ook op Egyptische invloeden op de vorm van ogen en op de kleding van Bloch-Bauer, terwijl de spiralen lijken op ontwerpen uit het oude Mycene en Griekenland klassiek.

Omdat de Bloch-Bauer joods waren, werden de bezittingen van Ferdinand door de nazi's geplunderd na de annexaties van Oostenrijk en West-Tsjechoslowakije in 1938. De nazi's installeerden het schilderij in de Galerie Belvedere in Oostenrijk. Ferdinand stierf in 1946, maar niet voordat hij zijn in beslag genomen schilderijen, waaronder dit en vijf andere werken van Klimt, aan zijn neven had overgedragen. Onder hen was Maria Altmann. Ze spande in 2000 een rechtszaak aan om de schilderijen terug te krijgen.

De zaak kreeg enorme media-aandacht en bereikte het Hooggerechtshof van de Verenigde Staten, waarbij de schilderijen in 2006 werden teruggegeven aan de familie Bloch-Bauer. In juni verkocht Altmann dit werk aan de Amerikaanse cosmeticaverzamelaar en -magnaat Ronald S Lauder voor $ 135 miljoen, een recordprijs die voor elk schilderij werd betaald. Lauder leverde het schilderij aan de Neue Galerie van Duitse en Oostenrijkse kunst in New York, waar het momenteel wordt tentoongesteld.

De kus is een van de De meest sensuele en populaire werken van Klimt, en waarschijnlijk zijn meest gereproduceerde werk. Het is ook een van de belangrijkste schilderijen van de zogenaamde Klimt's "Gouden Fase", een fase die zich ongeveer uitstrekt van 1903-09, en wordt beschouwd als een uitstekend voorbeeld van Art Nouveau schilderij.

Het werk stelt een paar omarmen voor aan de rand van een weiland, weergegeven door het lichtgevende bloemenpatroon, als een soort quilt die onder hun lichaam is uitgespreid. De constructie van de compositie suggereert een hoge mate van bekendheid met de Arts and Crafts-beweging. Zo lijken het platte tegelpatroon van de weide en de kleding van de figuren op de stoffen geproduceerd door William Morris in de late 19e eeuw.

Het gebruik van materialen van bladgoud en zilver toont de hoge mate van specialisatie die Klimt bereikte, herinnerend aan middeleeuwse verluchte handschriften, hoewel het veel kostbaarder en meer verwant aan Byzantijnse kunst, zoals de goudvelden voor de mozaïeken die hij in 1903 in Ravenna had gezien.

Bovendien, terwijl Morris en middeleeuwse bronnen kostbare materialen gebruiken om Gods Woord of grote literatuur te verheerlijken, Klimt Hij gebruikt ze om de aard van menselijke relaties en de band tussen geliefden te heiligen, een belangrijk thema in de Art Nouveau. Zo belichaamt de kus een universele en tijdloze visie op romantische liefde.

Als u meer artikelen wilt lezen die vergelijkbaar zijn met Gustav Klimt: belangrijkste werken, raden we u aan om onze categorie van Verhaal.

• Cardona, FL (2016) Gustav Klimt, redactie
• Nieto Yusta, C, (2014) Klimt. De kunstenaar van de ziel, Libsa