Edvard Munch: 20 briljante werken om de vader van het expressionisme te begrijpen

Edvard Munch is een Noorse schilder gevestigd in de overgang van de 19e naar de 20e eeuw, en wordt beschouwd als de vader van het expressionisme. Zijn werk, dat voor velen schandalig was, wekte de bewondering van jonge kunstenaars en het niet-gespecialiseerde publiek. Deze werden geïdentificeerd met de angst die voortkwam uit de snelle industrialisatie en het heersende mechanisme.

Voor gevestigde kunstenaars lag de oorzaak van het schandaal in de technische vrijheid van Munch. Voor de conservatieve sectoren was het gebaseerd op het feit dat de schilder openlijk inging op onderwerpen als seks, liefde en vooral ziekte en dood, zijn grote obsessies.

Zijn stijl was uniek dankzij het feit dat het een authentieke en originele taal creëerde, een gevolg van een vrije dialoog met post-impressionisme, art nouveau en avant-garde. Dat is de reden waarom, hoewel Munch de deuren van het expressionisme opende, hij in geen enkele beweging kan worden bestempeld. Als we zijn belangrijkste werken bekijken, zullen we begrijpen waarom Munch een unieke en onherhaalbare kunstenaar is.

1. De Schreeuw, 1893

De Schreeuw Het is het werk van Munch dat het meeste schandaal heeft losgemaakt en desalniettemin wordt het vandaag de dag beschouwd als de... Mona Lisa van hedendaagse kunst. Het vertegenwoordigt een androgyne persoon wiens gezicht angst uitdrukt in zijn maximale uitdrukking na het horen of uiten van een schreeuw. Het subject neemt de wereld dus waar als een golvende en schelle massa. Niemand anders dan Munch had dit eerder gedaan in de kunst.

Het stuk werd bedacht na de periode waarin een van zijn zussen gevangen zat voor poging tot zelfmoord, wat wijst op een verband met de aflevering. Een merkwaardig feit over De Schreeuw is dat Munch vier versies maakte met kleine verschillen tussen hen, een veel voorkomende praktijk bij de schilder. De meest bekende versie is die van 1893, die in 1994 werd gestolen en kort daarna werd teruggevonden.

2. Ongerustheid, 1894

Ja De Schreeuw Het is het beeld van individuele wanhoop Ongerustheid het is de uitdrukking van het collectieve leed dat Munch vastlegt in de Noorse ziel. Daarom is Munch geen kunstenaar die zich beperkt tot het register van individueel ongemak, maar gevoelig is voor algemeen ongemak die de samenleving aan het einde van de 19e eeuw treft, waarvan de transformatie veel sneller gaat dan het vermogen om te verwerken veranderingen.

Het canvas Ongerustheid Het is gebaseerd op twee eerdere Munch-schilderijen. Het landschap waarin we zien Ongerustheid is teruggevonden van het canvas De Schreeuw. De karakters daarentegen zijn ontleend aan Middag op Karl Johan Street. De strategie om elementen uit eerdere frames te nemen, is terugkerend in Munch. De schilder "vertegenwoordigt" niet alleen scènes, maar de elementen waaruit ze bestaan, worden opgevat als hun eigen symbolen.

3. Het zieke meisje, 1885-1886

Het zieke meisje komt overeen met een vroege stijl in het werk van Munch en benadert het impressionisme. Het doek toont de jongere zus van Munch, Sophie, op haar sterfbed van tuberculose. De jonge vrouw was toen ongeveer 15 jaar oud.

Zoals zijn gewoonte was, speelde Munch verschillende versies van dit lied, wat een permanente bron van pijn en schuld voor hem was. Dit was te wijten aan het feit dat de schilder, die op 13-jarige leeftijd aan tuberculose leed, voelde dat hij in plaats van zijn zus moest zijn gestorven.

4. Liefde en pijn (Vampier), 1893

Munch noemde dit werk Liefde en pijn. Daarin stelde hij een vrouw voor die een man omhelst die op haar schoot ligt, alsof ze troost zoekt. Hoewel Munch nooit de persoonlijke betekenis van het werk heeft onthuld, spreekt de oorspronkelijke titel boekdelen. Toen dit stuk echter werd onthuld, veroorzaakte het een enorm schandaal.

Mensen zagen sadomasochistische tekens in haar en interpreteerden dat de vrouw als vampier in de nek van haar minnaar beet. Bijgevolg begon het schilderij bekend te worden als: Vampier. Het schandaal was zo groot dat dit jaren later een van de vele Munch-schilderijen was die tijdens de nazi-bezetting van Noorwegen werden gecensureerd.

5. Madonna, 1894

De doos die bekend staat als Madonna het was oorspronkelijk getiteld minnaar vrouw of Vrouw die houdt van. Hernoem het werk Madonna het is ongetwijfeld een provocatie. Munch produceerde minstens vijf bekende versies van dit stuk.

De kunstenaar maakt een weergave van de vrouw alsof het een icoon is, om het gevoel van aanbidding over te brengen dat haar schoonheid en seksualiteit ontwaakt. De rode halo die zijn hoofd omringt, zinspeelt op de relatie tussen liefde en pijn, zelfs tijdens de voltrekking van de seksuele daad.

Deze hypothese is gerechtvaardigd omdat Munch een gegraveerde versie maakte, waarvan het frame decoratieve motieven van sperma bevatte die samenkomen op een macabere foetus. Concluderend is het schilderij een symbool van de levenscyclus die door seksualiteit, voortplanting en dood gaat.

6. As, 1894

As Het wordt beschouwd als een van de werken met de grootste esthetische schoonheid van Munch vanwege het rijgen van de lijnen en de kleuring. In de compositie zien we een man in het zwart, de kleur van duisternis en dood. De man zit verdwaald in een hoek, alsof hij zijn gezicht in schaamte verbergt, met zijn handen tegen zijn hoofd. Het doet ons denken aan de neerslachtige man van Liefde en pijn (Vampier).

Achter hem steekt ook een vrouw in een witte jurk, de kleur van puurheid, en met een rood lijfje, de kleur van passie, haar handen op. Zijn gezicht drukt verdriet en bezorgdheid uit. De sluier van passie is gescheurd.

De relatie tussen het beeld en de titel wijst op een paradox: wanneer passie wordt verteerd, verdwijnt het. Het vuur van passie laat alleen as achter. Maar daarnaast roepen de gebaren van de personages schuld en wanhoop op. Hieruit blijkt dat de gebeurtenis een morele code tart. Is het overspel? Was het een verkrachting? Het moet de kijker zijn die het ontcijfert.

7. Puberteit, 1894-1895

Aan Puberteit, Munch beeldt een volledig naakte jonge tiener af. De jonge vrouw heeft een angstig gezicht en verbergt haar geslachtsdelen. Meer dan een symbool van bescheidenheid en onschuld, zijn gebaren een symbool van angst en repressie in het aangezicht van seksualiteit, waaraan Munch in zijn jeugd leed, gezien de religieuze strengheid van zijn vader en de context van tijdperk.

De mysterieuze sfeer van de scène wordt bevestigd door de niet te ontcijferen schaduw op de achtergrond, die eruitziet als een soort beklijvende fantasmagorie. Het belang van dit vroege werk van Munch ligt in het feit dat het het punt van verandering vertegenwoordigt tussen de "impressionistische" slag en de bevrijding van techniek ten dienste van de psychologische wereld van de kunstenaar.

8. Zelfportret met sigaret, 1895

Zelfportret met sigaret Het is een van de beroemdste werken van Munch en ook zijn bekendste zelfportret van de vele die hij maakte. Op canvas toont de auteur begrip en absolute beheersing van de techniek om de gloed van licht te midden van duisternis en rook weer te geven.

Daarbij bouwt Munch een bijna mysterieuze sfeer op die de aandacht vestigt op zijn gezicht en hand. Het gezicht lijkt tussen verbaasd en verrast, terwijl de hand, naast het vasthouden van de sigaret, stijgt naar het niveau van het hart. Als het gezicht het teken is van de innerlijke identiteit van het onderwerp, aangetast door emotionele instabiliteit, dan is de hand het symbool van de beeldend kunstenaar.

9. Dood in de kamer, 1895

Tijdens zijn jeugd zag Edvard Munch veel familieleden sterven aan tuberculose: zijn moeder en vader zijn enkele van de gevallen. Dood in de kamer staat voor het lijden van zijn familie bij het verlies van zijn jongere zus Sophie, die we niet zien. Het is geniaal van de auteur om de aandacht van de kijker te richten op emotioneel lijden in plaats van op de dood.

De man die biddend zijn handen opheft, is zijn vader, een strenge protestantse religieuze. De man die tegen de muur leunt, wordt verondersteld Munch te zijn, die het toneel de rug toekeert (dood, genegenheid en geloof), terwijl hij recht naar zijn eigen schaduw kijkt. Het benadrukt het feit dat elk gezinslid afzonderlijk lijdt.

10. Twee mensen (De eenzamen), 1896

Het canvas Twee mensen het is niets meer dan een allegorie van eenzaamheid. Daarin zien we een man en een vrouw zonder identiteit, met hun rug naar de toeschouwer, starend naar de inerte horizon. Tussen de twee lijkt een onoverkomelijke afstand te bestaan.

Het werk werd, net als vele andere van Munch, vele malen en in verschillende technieken behandeld. Zowel het thema als de manier waarop het wordt weergegeven, bevestigen het angstige, eenzame en depressieve karakter van de kunstenaar.

11. De kus, 1897

De kus, uit 1897, is een van de versies van het schilderij die bekend staat als De kus achter het raamdoor Munch zelf. Opvallend is de manier waarop de schilder de twee figuren heeft weergegeven. Ze zien eruit als een enkel lichaam, zonder scheidslijnen ertussen. De personages missen identiteit, hun eigen grenzen.

De samensmelting van de personages kan niet romantisch worden gelezen, aangezien de donkere en zware sfeer van de scène ook de nabijheid van de dood suggereert. De impact van deze serie was zo groot dat het de inspiratie vormde voor het beroemde werk De kusdoor Gustaaf Klimt.

Het kan je interesseren: Analyse van De kusdoor Gustav Klimt.

12. Vruchtbaarheid, 1898

Op het doek Vruchtbaarheid van Munch zien we een zwangere vrouw, rechtopstaand, die de overvloedige vruchten van de boom draagt. Voor haar contrasteert de zittende man, beteuterd en gebogen. Naast hem is een gevallen wandelstok te zien. Er is een continuïteit tussen de man en de boom omdat de eerste zijn voet op de stam van de boom laat rusten.

De boom zou kunnen worden geïnterpreteerd als de boom des levens. Er is echter een tak afgesneden, waarvan alleen een stronk overblijft. Om vrucht te dragen is de boom gesnoeid, in stukken gehakt.

De meer radicale interpretaties suggereren dat Munch zijn afwijzing van het hebben van kinderen uitdrukt. Haar vruchten zouden het einde van zijn vruchten vertegenwoordigen. De interpretatie is gebaseerd op het feit dat het schilderij werd geschilderd toen Munch de mogelijkheid zag om met Tulla Larsen te trouwen, een verbintenis die nooit werd nagekomen.

13. Ontmoeting in de ruimte, 1898

Aan Ontmoeting in de ruimte we zien een man en een vrouw zweven in de ruimte. Het werk vertegenwoordigt een erotisch moment, niet alleen afgebakend door lichamen en gebaren, maar ook door lijnen die verwijzen naar sperma die rond de figuren bewegen. De gezichten zijn ver van elkaar verwijderd. De vrouw lijkt bijna onverschillig. De man lijkt verlost. Het stuk toont de technische veelzijdigheid van de auteur, evenals de symbolen en expressieve middelen.

14. De dans van het leven, 1899

De dans van het leven het is een metafoor voor de stadia van leven en liefde. Het is een buitenscène met als achtergrond een diepblauwe lucht boven een Noors meer. In de lucht zien we de noordelijke zon en haar weerspiegeling in het water, een van de symbolen die consequent wordt herhaald in de schilderijen van de schilder.

Op de voorgrond zien we dezelfde vrouw in drie fasen: links een jong meisje in het wit. Rechts een eenzame vrouw in het zwart gekleed. In het midden dansen de vrouw en haar man alsof de wereld niet bestaat. Het rood van de jurk symboliseert leven en passie. Het stel zou Tulla Larsen en Munch kunnen zijn.

Om hen heen dansen andere personages. Achter de vrouw in het zwart wordt een groteske man gezien die klaar staat om een ​​vrouw te misbruiken. Het belang van dit werk ligt in de manier waarop Munch de complexiteit van zijn innerlijke angst weet over te brengen rond de levensfasen die hij tot liefde omschrijft.

15. De dood van Marat, 1907

Gedurende een periode van zijn leven wijdde Munch zich aan het maken van verschillende versies van De dood van Marat. Onder deze versies presenteren we er een gemaakt in 1907. Marat was een 18e-eeuwse Franse journalist en politicus, die werd vermoord door Charlotte Corday.

De serie lijkt Munch zelf als mannelijke referentie te hebben, en daarmee het idee te consolideren dat de schilder zich een slachtoffer van vrouwen voelde. Vanuit esthetisch oogpunt valt het werk op door het gebruik van lijnen als vorm van kleuring. Het is een soort rayonisme dat breekt met de modernistische stijl van de gebogen lijn en met het gebruik van dichte gekleurde vlakken.

16. zwemmers mannen, 1907

zwemmers mannen de Munch valt op door zijn levendige en levendige karakter, dat in contrast staat met de golvende en donkere sferen van veel van zijn doeken. De scène toont een groep mannen op een naaktstrand, waar Munch een periode van herstel doorbracht.

Munch pronkt met zijn talent voor anatomische tekenen, evenals zijn talent voor kleuren. De toegepaste techniek wordt gevoed door impressionistische en rayonistische principes en lijkt in sommige opzichten in dialoog te gaan met het fauvisme.

17. Zon, 1909-1911

Zon is een monumentale muurschildering van Edvard Munch gevonden in de Universiteit van Oslo. Hierin verkent Munch nieuwe plastische talen die hem dichter bij abstracte avant-garde brengen, in het bijzonder Kandinsky, vertegenwoordiger van de groep Der Blaue Reiter, en lyrische abstractie.

De symboliek komt hier maximaal tot uiting. De zon wordt een metafoor voor het goddelijke, dat zijn licht op de wereld uitstraalt en de schaduwen van onwetendheid opruimt. Met dit werk demonstreert Munch opnieuw zijn creatieve vrijheid, wat verklaart waarom hij niet in één stijl of beweging te vatten is. Munch ontpopt zich als een unieke kunstenaar in constante innovatie.

Mogelijk bent u ook geïnteresseerd in: Expressionisme: kenmerken, werken en auteurs.

18. Galopperend paard, 1912

In het kader Galopperend paard, zien we een paard een sneeuwslee trekken met een man aan boord. Het in het oog springende detail bevindt zich op het pad, dat opvalt als te smal voor de prestatie.

De angstige uitdrukking van het paard en de houding van de mensen aan de kant van de weg geven ons inzicht in een dreigend gevaar. De kinderen aan de rechterkant proberen weg te komen, terwijl de volwassenen aan de linkerkant onverschrokken wachten voordat ze zich verplaatsen. Het is een nieuwe benadering van het onderwerp angst en bezorgdheid, zo aanwezig in de auteur.

19. Arbeiders in de sneeuw, 1913

Edvard Munch was ook gevoelig voor de sociale realiteit die hem omringde. Het bewijs hiervan zijn de verschillende schilderijen die hij maakte over de arbeiders, zoals dit doek genaamd Arbeiders in de sneeuw.

Op de voorgrond stelt Munch drie arbeiders voor die voor de kijker staan, met hun schoppen als steunpunt. Daarin voel je kracht, maar ook vermoeidheid en veroudering.

De geheven vuist van de arbeider die in het midden is gerangschikt, maakt een voorgevoel van een claim of eis. Deze drie mannen lijken in de war te zijn. Achter deze drie personages zetten de andere arbeiders hun werk voort, zich niet bewust van de blik van de kunstenaar en de samenleving.

20. Zelfportret tussen de klok en het bed, 1940-1943

Zelfportret tussen de klok en het bed het is een schilderij uit de laatste creatieve fase van Munch. Munch maakte gebruik van het canvas om de nabijheid van de dood te symboliseren door zijn figuur tussen een staande klok en het bed te plaatsen. De klok vertegenwoordigt het onstuitbare verstrijken van de tijd, en het bed vertegenwoordigt de dood als het laatste bed, als eeuwige rust.

Eén detail valt op door het contrast: terwijl de klok een antiek design heeft, heeft de bedovertrek een modern geometrisch design. Hiermee drukt Munch zijn bewustzijn uit over de dramatische verandering van de tijd die hij moest leven.

Achter Munch is een soort kamer te onderscheiden waarin de aanwezigheid van referentiewerken uit zijn artistieke leven wordt geïmpliceerd, waaraan hij al zijn inspanningen heeft gewijd.

Zie ook: Frame-analyse De Schreeuw door Edvard Munchu.

Biografie

Edvard Munch is een Noorse schilder en graficus die werd geboren op 12 december 1863 en stierf op 23 januari 1944.

Van jongs af aan kreeg hij te maken met ziekte en dood. Tuberculose eiste voor het eerst het leven van zijn moeder, Laura Cathrine Munch, toen de jongen nog maar 5 jaar oud was. Later veroorzaakte hij de dood van zijn jongere zus, Sophie; die van zijn ooms en, jaren later, die van zijn vader, Christian Munch. Zelfs Edvard Munch leed zelf op 13-jarige leeftijd aan de ziekte.

Deze gebeurtenissen brachten de schilder ertoe een verschrikkelijke angst voor ziekte en ziekte te ontwikkelen. dood en leed daarom zijn hele leven aan angst en depressie, die zijn onderzoeken bepaalden artistiek.

Munch begon in 1879 met een ingenieursstudie, maar hij gaf deze carrière al snel op om zich aan de schilderkunst te wijden. Hij werd beïnvloed door de 19e-eeuwse Franse kunst dankzij zijn reizen naar Parijs. Rond 1890 begon hij het project te schilderen De fries van het leven, een serie schilderijen die verschillende mijlpalen in het menselijk leven uitbeelden, gebaseerd op zijn eigen ervaringen.

Hoewel zijn werk aanvankelijk een bron van schandaal was, kreeg het uiteindelijk een belangrijke plaats in de musea van zijn land en Europa. Echter, na de nazi-bezetting van Noorwegen, rond 1940, werden Munch's schilderijen gecensureerd door de indringers en verwijderd uit tentoonstellingen.

Het jaar 1942 markeerde echter zijn definitieve internationale toewijding door het object van een tentoonstelling in New York als erkenning voor zijn vruchtbare artistieke werk. Twee jaar later stierf Munch in totale eenzaamheid.