Wat zijn de schoonheidscanons van klassieke kunst?

Klassiek Griekenland is altijd een maatstaf geweest op het gebied van schoonheid. Gombrich zelf, in zijn onsterfelijke werk kunstgeschiedenis Hij valt in een van deze onderwerpen wanneer hij stelt dat tijdens de Pericles-eeuw "het grote ontwaken van de kunst" begon. In die zin wordt de eminente theoreticus meegesleept door het in het Westen zo gebruikelijke geloof dat Griekenland was het toppunt van kunst en schoonheid.

Is dit echt zo? Kunnen we categorisch bevestigen, zoals Gombrich doet, dat er tijdens het klassieke Griekenland a wakker worden? Ja en nee. Als we strikt vasthouden aan de geboorte van een naturalistische kunst, ja, Athene was de maatstaf. Maar is het zo dat we kunst kunnen herleiden tot een naturalistische kopie van de werkelijkheid?

Schoonheidskanonnen van klassieke kunst

De klassieke tijd kent ook zijn artistieke clichés, gek genoeg. In zijn geval, en in tegenstelling tot middeleeuwse kunst (meer beschimpt), komen deze onderwerpen eerder uit de idealisering die werd uitgevoerd in de 18e eeuw, toen de veronderstelde klassieke canons werden teruggevonden en De Academie.

In het artikel van vandaag gaan we kort bekijken wat ze zijn de canons van schoonheid waarop de klassieke Griekse kunst was gebaseerd en hoe ze werden teruggevonden tijdens het neoclassicisme.

• Gerelateerd artikel: "Kunstgeschiedenis: wat is het en wat bestudeert deze discipline?"

De observatie van de natuur

De Griekse kunst die we in gedachten hebben, komt alleen overeen met een bepaalde periode in de geschiedenis van Griekenland; precies, de jaren die verstrijken vanaf de zogenaamde "Century of Pericles" (s. Gaat. C.) en de Hellenistische periode (s. IV een. C.). Maar de artistieke reis van de Griekse polis begon natuurlijk al veel eerder.

Als we de eerste manifestaties van de Griekse beeldhouwkunst nemen, de zogenaamde archaïsche stijl, zullen we zien dat de canons van schoonheid sterk lijken op de Egyptische.. Duidelijke prototypes van deze kunst zijn de Kuroi en de Korai (kuros En koren enkelvoud), sculpturen van jongens en meisjes die respectievelijk als atleten en priesteressen werden beschouwd. In allemaal zien we rigide en symmetrische canons, heel dicht bij de beeldhouwwerken van het land van de Nijl.

Beide korai Zoals de koerier ze ontmoeten elkaar steevast frontaal, met een majestueuze uitstraling waarin nauwelijks beweging te bekennen is. De volumes zijn krachtig en statisch en de anatomie is nauwelijks omlijnd. Ze komen, net als hun Egyptische tegenhangers, overeen met een geïdealiseerd beeld van een concept of een personage.

Na de oorlogen met de Perzen en de culturele activering van Athene begint er iets te veranderen. De sculpturen ondergaan een "naturalisatie"; Het gaat niet langer om 'dogmatische' voorstellingen van mannen en vrouwen, maar om flagrante pogingen om de werkelijke menselijke anatomie te kopiëren, met een diepgaande studie van de spieren, botten, pezen en alle elementen die nodig zijn om een ​​geloofwaardig lichaam op te bouwen. Dit is waar Gombrich naar verwijst als hij zegt "het ontwaken van de kunst": voor het eerst in de geschiedenis kopiëren mensen op realistische wijze de natuur.

• Mogelijk bent u geïnteresseerd in: "De 110 beste schoonheidsuitdrukkingen"

Een absoluut geïdealiseerd lichaam

Doen de lichamen van de sculpturen uit de 5e en 4e eeuw v.Chr. C. aan echte mensen? Het antwoord is nee. Want ondanks het feit dat de Grieken in die tijd begonnen met een evidente studie van het natuurlijke, de uiteindelijke representaties zijn geen representaties van specifieke mannen en vrouwen. Ze beantwoorden aan een schoonheidsideaal, dat de Grieken bereikten door de observatie van vele anatomieën en door een selectie van de "mooiste" elementen.

In die zin zouden we kunnen zeggen dat de klassieke Griekse kunst net zo geïdealiseerd is als haar Egyptische en oosterse metgezellen; alleen dat de idealisering ervan op een andere manier is opgebouwd. Terwijl deze gebaseerd zijn op een idee dat ze later plastisch proberen te vatten, de Grieken van toen klassiek observeert de anatomie en selecteert die elementen die idealiter in een lichaam zouden moeten voorkomen perfect.

Ervoor, De Grieken aarzelen niet om hun werk aan te passen aan de visie van de kijker zodat het mooier wordt. De kolommen van het Parthenon zijn met opzet "scheef" zodat het oog ze, als ze ernaar kijkt, interpreteert als perfect uitgelijnd. Anders, als de architect ze recht had geheven, zou onze blik ze vervormen. Aan de andere kant, en zoals Umberto Eco volhoudt in zijn werk geschiedenis van schoonheid, de kunstenaar laat zich niet intimideren als het erom gaat een schild aan te passen aan het zicht van degene die ernaar kijkt, juist zodat deze het niet als te plat ervaart.

Dat wil zeggen dat de Griekse kunstenaars de fouten van de menselijke blik en perspectief kenden en, ter ere van schoonheid, niet aarzelden om de echte vormen te veranderen. Daarom is het een even grote vergissing om te zeggen dat de Grieken 'de natuur kopieerden' als te zeggen dat 'er in de Middeleeuwen geen vorm van naturalisme bestond'. Dingen zijn, zoals altijd, niet zwart of wit.

• Gerelateerd artikel: "Is er een kunst objectief gezien beter dan een andere?"

Ethos en pathos

Proportie en harmonie zijn de sleutelwoorden tijdens de klassieke periode om hun concept van schoonheid te begrijpen. In het menselijk lichaam stelt Polykleitos de canon van de zeven hoofden vast als perfecte metingen., wat ons terugbrengt naar wat hierboven werd vermeld: dat, in tegenstelling tot wat wordt aangenomen, de Grieken ook een "geïdealiseerde" kunst grootbrachten, helemaal niet realistisch.

Aan de andere kant vinden we tijdens het klassieke Griekenland als een overheersend element in artistieke creatie de ethos, wat, ondanks het feit dat het strikt 'gedrag' zou gaan betekenen, in artistieke termen wordt gebruikt om inperking uit te drukken. Precies zoals op de muren van de Delphi-tempel stond geschreven: "Graag gedaan." Dit is het uitgangspunt dat perfect het klassieke ideaal samenvat: harmonie als inperking van de altijd lastige chaos.

Om deze reden, toen in 1506 het beeld van de laocoon, stonden de humanisten van die tijd echt versteld. Wat was deze vormeloze massa vlees die bewoog en worstelde en samentrok? Waar was hij ethos in dat standbeeld?

Wat de ontdekkers van laocoon Wat ze niet wisten, was dat deze creatie volledig tot een andere periode behoorde, de Hellenistische, waarin Dionysus, in navolging van de theorieën van Nietzsche, Apollo verving. Met andere woorden; in de laat-Griekse periode, die overeenkomt met de Macedonische veroveringen van Alexander de Grote, maakt het gevoel van harmonieuze strijd plaats voor de onrust van emoties, naar de pathos authentieker. De sculpturen verliezen daardoor dat bijna wonderbaarlijke evenwicht en beginnen te "bewegen" en tonen hun innerlijke ups en downs. Dionysus, de god van de chaos, van de nacht, van het feest, heeft de altijd kalme Apollo vervangen.

vrouwelijke idealen en mannelijke idealen

Het is een algemeen aanvaard idee dat naakten in de kunstgeschiedenis altijd vrouwen hebben getoond. Dit is niet waar, althans niet in de eerste eeuwen van de kunst. Als we Griekse beeldhouwwerken nemen, zullen we zeker talloze mannelijke naakten vinden, en praktisch geen enkele vrouwelijke.

Laten we niet vergeten dat de Griekse samenleving bij uitstek vrouwonvriendelijk was. De vrouwen leefden afgezonderd in de gynoeces van de huizen en hadden geen toegang tot enige vorm van sociale activiteit, laat staan ​​politiek. Het lichaam van de vrouw was een echt taboe, maar dat van de man niet. In feite vinden we sinds archaïsche tijden mannelijke naakten (de beroemde koerier, bijvoorbeeld), die zeker vergoddelijkte atleten vertegenwoordigen. De deelnemers aan de spelen streden naakt en de mannen speelden naakt in de arena's van de gymzalen. De schoonheid van het mannelijk naakt wordt voortdurend opgeroepen, maar niet die van het vrouwelijk.

We zullen moeten wachten op Praxiteles (v. IV een. C.), al uit de Hellenistische periode, om de mooiste vrouwelijke naakten in Griekenland te vinden, de beroemde Afrodieten, die belichamen, zoals de mannelijke beeldhouwkunst (zoals de Apollo Belvedère of de Hermes van Praxiteles) het ideaal van het vrouwelijk lichaam. In tegenstelling tot hun leeftijdsgenoten, echter, de Afrodieten ze laten niet hun hele lichaam zien; vaak zijn de geslachtsorganen en benen bedekt met tunieken, waardoor alleen het bovenste deel van de romp zichtbaar blijft. Andere keren bedekt Aphrodite zichzelf bescheiden met haar handen en armen, in wat bekend staat als de bescheiden Venus.

Het is in de moderne tijd, en vooral in de 18e en 19e eeuw, wanneer het vrouwelijk naakt zijn hoogtepunt bereikt., dankzij het herstel van de klassieke kunst en de opkomst van de academie. Overigens heeft het neoclassicisme een bijzondere interpretatie gegeven aan de klassieke Griekse kunst. Om te beginnen belichaamde het het idee van de "zuiverheid van marmer"; smetteloos witte sculpturen die zo zijn silhouet versterkten. Kan niet verder van de waarheid zijn. Omdat de Grieken, net als de middeleeuwen, polychromie een hoofdbelang gaven. Net zoals de Middeleeuwen niet duister waren, was het klassieke Griekenland dat niet wit. Het was een prachtige apotheose van kleuren, geboren te midden van dat krachtige en magnifieke ethos.