Gustav KLIMT og hans 5 viktigste verk

Gustav Klimt (1862-1918) er en av referansene i den modernistiske bevegelsen av den wiener løsrivelsen, og er også dens medstifter og første president. EN Symbolistisk maler av østerriksk opprinnelse preget av dets særegenheter, dets prestisje og for å være en av de mest dekorative malerne storheter fra det 20. århundre, utvikler sin egen stil, lastet med erotikk, eklektisk, full av fantasi og rikdom.

I denne leksjonen fra unPROFESOR.com tilbyr vi deg hvilke som er viktigste verk av Gustav Klimt og de grunnleggende egenskapene til hans kunstneriske stil.

Indeks

1. Kjennetegn på Gustav Klimts arbeider
2. Auditorium of the Old Burgtheater: et av Gustav Klimts verk
3. Pallas Athenea (1898)
4. Medicine (1900-1901), et veldig fremtredende verk av Kimt
5. Adele Bloch-Bauer (1903-1907), det beste arbeidet til Klimt
6. Kiss (1907-1908), et av Klimts viktigste verk

• Klimt var dekorativ maler viet til forskjønnelse av bygninger med relieffer og historiske scener og figurer. En estetikk som førte til at maleriene hans på lerret ble en
  instagram story viewer
  eksponent for likestillingen mellom dekorativ kunst og kunst.
• Det var en av grunnleggerne av Wien Secession, i 1897, ble valgt som presient for sin opprørske og banebrytende personlighet. Hans internasjonale berømmelse som den mest berømte jugendmaleren bidro til den første suksessen til løsrivelsen, men også til at den gikk ned da han forlot den i 1905.
• Selv om det for øyeblikket er kunstverk er ikonisk og veldig populært, på den tiden ble en del av verkene hans ansett som uanstendig for sine høyt erotisk innhold.
• Hans arbeid er veldig personlig og unikSelv i dag er den gyldne fasen preget av bruk av gull- og sølvark i stil med bysantinske mosaikker.

Blant de mest fremragende verkene til Gustav Klimt er Auditorium of the Old Burgtheater (1888-89), begynnelsen på Klimts billedkarriere.

Dette var en av de viktigste oppdragene i begynnelsen av Klimts karriere. Byrådet i Wien ba maleren tegne noen bilder av det gamle Burgtheater, byens opera, bygget i 1741 og revet det året 1888.

Klimt valgte å fange oppsettet til operakassene, et noe originalt valg, men viktig fra et arkitektonisk synspunkt. Et arbeid av akademisk stil, typisk av Klimts tidlige arbeider og hvor påvirkning av Hans makart.

Et annet aspekt av interesse er detalj og virtuositet til Klimt ved å introdusere portretter av alle de menneskene som ba ham om å inkludere dem i boksene. Dermed er stykket ikke bare et minne om hvordan teatret var, men av byens politiske, kulturelle og økonomiske eliter: mer enn 150 individer totalt. Publikum inkluderer blant annet statsministeren i Østerrike, borgermesteren i Wien, Tyskland kirurg Theodor Billroth, komponist Johannes Brahms og keiserens elskerinne, skuespillerinne Katherina Schratt.

Selv om separasjonistene som prinsipp hadde brutt med tidligere kunstneriske tradisjoner, var ikke forholdet til fortiden så enkelt. Dermed ble både han og andre medlemmer av løsrivelse inspirert av Gresk-romerske mytiske og allegoriske figurer og historier og av andre eldgamle sivilisasjoner.

I dette tilfellet, Klimt tolker figuren til den gresk-romerske gudinnen på nytt med myke farger og med en tendens til abstraksjon, en stil som han vil bli med på når han forlater secessionism. I dette arbeidet tilbyr Klimt et kraftfullt og imponerende bilde av Athena, som viser gudinnen innhyllet i en tåke og med et androgynt utseende. Han kler henne i et militært antrekk som identifiserer henne som en kriger og beskytter av Athen, maskuline kvaliteter, mens han viser henne langt og fint hår som et tegn på hennes feminine side. I hånden har han en nakenfigur av Nike, representasjonen av seieren.

I den tåken a representasjon av oneiric, kobler arbeidet med arbeidet til Sigmund Freud. Dermed ville verket være legemliggjørelsen av idealet til en kraftig kvinne, objekt for mannlig lyst, så vel som kvinnen som lengter etter å kle seg som en mann for å oppnå en maktstatus.

I 1894 bestilte Kulturdepartementet Klimt å male det nye Storhallen ved Universitetet i Wien. Klimts arbeid besto av å male tre monumentale lerret på temaene henholdsvis filosofi, medisin og rettsvitenskap. Da Klimt begynte å male lerretene i 1898, hadde han allerede sluttet seg til Secession og forlatt naturalismen. Av de tre verkene var medisin lerretet som genererte mest kontrovers.

Medisin viser til Hygeia, den mytologiske datteren til medisinens gud, plassert i det nedre midten av lerretet og identifisert av en slange og glasset fra Lethe. Over Hygeia stiger en høy lyskolonne, til høyre for den stiger et nett av nakne figurer sammenflettet med dødens skjelett. På den andre siden av lyssøylen fløt en naken kvinne hvis bekken var vippet fremover, mens under føttene fløt en baby innpakket i tyll. Denne sammensetningen genererte mange kritikker som beskyldte Klimt for å lage et pornografisk arbeid uten å referere til noe medisinsk tema. Holdningen til avvisning som Klimts arbeider ble mottatt, førte til at maleren kjøpte tilbake de tre verkene i 1905.

Klimts arbeid viser tvetydighet i menneskelivet, som samtidig representerer fødsel og død. Avvisningen av Klimts arbeid demonstrerer hvordan, til tross for de store fremskrittene som Secession hadde gjort gjennom årene Siden grunnleggelsen hadde bevegelsen ikke klart å snu konservative holdninger til moderne kunst i Wien.

For Klimt var dette en klar ydmykelse og offentlig avvisning, noe han ikke stilte ut i Wien for i fem år etter 1903, og trakk seg fra offisielle oppdrag, og gikk med på å bare påta seg oppdrag privat. Disse tre maleriene ble, i likhet med mange av Klimts verk, konfiskert av nazistene og kremert i mai 1945. inne i Schloss Immendorf, det nedre østerrikske slottet der de hadde blitt lagret, av SS-tropper i uttak.

Dette er en av Klimts mest berømte verk for å være en av de mest beryktede kunsttyverisakene til de som ble utført av nazistene. Adele Bloch-Bauer, kona til den wienske bankmannen og sukkermagnaten Ferdinand Bloch-Bauer, var en av hans favorittmusikk, og tjente som modell for flere andre malerier, inkludert hans berømte Judith I (1901). Selv om det ryktes at Klimt hadde hatt romantiske forhold til mange av kvinnene han malte, er den eksakte arten av hans forhold til Adele Bloch-Bauer ukjent.

I dette lerretet a oppløsningen av virkeligheten som bryter gjennom til reneste abstraksjon. Så selv om Klimt representerer Adele Bloch-Bauer sittende, er det nesten umulig å skjelne formen på stolen eller skille formene på klærne hennes fra bakgrunnen. Klimt var stort sett ikke bekymret for å skildre karakteren til modellen sin, enn si å oppgi plassering og kontekst. Bruken av gull og sølvblad Det viser den høye verdien og kvaliteten på smykkene Adele bærer, samt dybden av kjærlighet fra mannen hennes, som bestilte maleriet.

Arbeidet er innrammet i Klimts "Golden Phase" av det første tiåret av det 20. århundre, der han brukte dusinvis av gullmønstre og metalltoner i maleriene dine for å gi deg overdådighet og luksus til verkene hans. En teknikk som forbinder de bysantinske mosaikkene i basilikaen San Vital i Ravenna, Italia, som Klimt besøkte i desember 1903. Mange av disse mosaikkene bruker en lignende flat gullbakgrunn og skildrer den bysantinske keiserinnen Theodora. Klimts skildring av chokeren som bæres av Adele Bloch-Bauer i dette portrettet er inspirert av disse mosaikkene. Kunsthistorikere peker også på egyptisk innflytelse på formen på øynene og kjolen til Bloch-Bauer, mens spiralene ligner design fra antikkens Mykene og Hellas klassisk.

Ettersom Bloch-Bauer var jødisk, ble Ferdinands eiendeler plyndret av nazistene etter annekteringen av Østerrike og det vestlige Tsjekkoslovakia i 1938. Nazistene installerte maleriet i Galerie Belvedere i Østerrike. Ferdinand døde i 1946, men ikke før han overlot sine konfiskerte malerier, inkludert dette og fem andre verk av Klimt, til nevøene. Blant dem var Maria Altmann. Hun lagde søksmål i 2000 for å gjenopprette maleriene.

Saken hadde enorm mediedekning og kom for USAs høyesterett, med maleriene som ble returnert til Bloch-Bauer-familien i 2006. I juni solgte Altmann dette verket til den amerikanske kosmetikkmagnaten og samleren Ronald S Lauder for 135 millioner dollar, en rekordpris betalt for ethvert maleri. Lauder leverte maleriet til Neue Galerie av tysk og østerriksk kunst i New York, hvor den for tiden er utstilt.

Kysset er en av de Klimts mest sensuelle og populære verk, og sannsynligvis hans mest gjengitte verk. Det er også et av nøkkelmaleriene til den såkalte Klimts "Golden Phase", en fase som strekker seg omtrent fra 1903-09, og regnes som et utmerket eksempel på Art Nouveau-maleri.

Verket representerer et par som omfavner seg på kanten av en eng, representert ved det lysende blomstermønsteret, som et slags dyner spredt under kroppen. Konstruksjonen av komposisjonen antyder en høy grad av fortrolighet med Arts and Crafts-bevegelsen. Dermed ligner engens flate mønster og klærne til figurene stoffer produsert av William Morris på slutten av 1800-tallet.

Bruk av materialer fra gull og sølvblad viser den høye grad av spesialisering nådd av Klimt, og husker middelalderske opplyste manuskripter, selv om det er det mye mer dyrebar og mer beslektet med bysantinsk kunst, som gullfeltene til mosaikkene han hadde sett i Ravenna i 1903.

Videre, mens Morris og middelalderske kilder bruker dyrebare materialer for å opphøye Guds Ord eller stor litteratur, Klimt Han bruker dem for å helliggjøre naturen til menneskelige forhold og båndet mellom elskere, et sentralt tema i jugendstil. Dermed legemliggjør kysset en universell og tidløs visjon om romantisk kjærlighet.

Hvis du vil lese flere artikler som ligner på Gustav Klimt: viktigste verk, anbefaler vi at du skriver inn vår kategori av Historie.

• Cardona, F.L (2016) Gustav Klimt, redaktører
• Nieto Yusta, C, (2014) Klimt. Sjelens kunstner, Libsa