De 10 viktigste barokkmaleriene

Barokken er en epoke og en kunstnerisk strømning som hovedsakelig skjedde på 1600-tallet. Denne kunstneriske stilen har mange mesterverk, fordelt blant de beste museene i verden.

I denne artikkelen vi skal fokusere på barokkmaleriet og vi skal redde 10 av hans viktigste malerier.

• Relatert artikkel: "Hva er de 7 kunstene? Et sammendrag av dens egenskaper"

Barokk maleri

Det 17. århundre var vitne til fremveksten av ekte malermestere. Kunstnere som Velázquez, Vermeer, Rubens eller Ribera fylte sidene i kunsthistorien på mange måter. mesterverk, avgjørende for å kjenne både denne historiske perioden og utviklingen av kunst i generell.

Som med de fleste kunstbevegelser, er ikke barokken en enkelt stil.. I hver region og hvert land hadde sine egne særtrekk, drevet av sin egen økonomiske, religiøse og sosiale kontekst. Mens i katolske land fungerte denne stilen som et kjøretøy for motreformasjonen, i regionene Protestanter ble mye mer intime og personlig, siden det ble promotert av kjøpmenn og borgerlige i byer.

• Du kan være interessert i: "De 4 viktigste egenskapene til barokken"

De 10 hovedmaleriene fra barokken

Deretter tar vi en kort tur gjennom de 10 viktigste barokkmaleriene.

1. Las Meninas, av Diego Velázquez (Museo del Prado, Madrid)

Det er sannsynligvis et av de mest reproduserte billedverkene og et av de mest kjente i verden. Lerretet er kjent som Las Meninas, selv om det opprinnelige navnet var Familien til Felipe IV. Det er uten tvil et av barokkmaleriets og kunsthistoriens mesterverk generelt.

Det ble malt i 1656 i Cuarto del Príncipe del Alcázar i Madrid, og det gjenskaper et fantastisk spill med lys og perspektiv. I bakgrunnen, reflektert i et speil, ser vi bystene av monarkene, kong Felipe IV og hans kone Mariana av Østerrike. Til venstre for lerretet tar Velázquez et selvportrett ved staffeliet. Tolkninger av arbeidet har vært og er fortsatt svært varierte. Maler du kongene, og plutselig blir du avbrutt av den lille spedbarnet Margarita, som er ledsaget av hennes meninas og hennes følge? Uansett, maleriet fordyper betrakteren fullstendig i scenen, som om han var en annen karakter i den.

2. Judith og Holofernes, av Artemisia Gentileschi (Uffizi Gallery, Firenze)

I noen år nå har det ekstraordinære arbeidet til Artemisia Gentileschi gjenvunnet plassen det fortjener i maleriets historie. Judit og Holofernes er et av mesterverkene ikke bare i hans billedkorpus, men i barokkmaleriet generelt.

Kunstneren representerer oss øyeblikket, nedtegnet i Bibelen, der Judith, den jødiske heltinnen, halshugger Holofernes, en babylonsk general som vil ha henne. Artemisia representerer øyeblikket med en voldsomhet som fryser pusten din. Mange kritikere har ønsket å se i dette maleriets grovhet alt raseri og lidelse som brudd som han ble utsatt for kort før henrettelsen av den første versjonen av maleriet, bevart i Capodimonte-museet, Napoli. I alle fall gjør den fantastiske chiaroscuroen, komposisjonen og dynamikken til karakterene dette verket til et av de beste eksemplene av barokkmaleri.

• Relatert artikkel: "De 7 beste museene i Spania som du ikke kan gå glipp av"

3. Jente som leser et brev foran det åpne vinduet, av Johannes Vermeer (Alte Meister, Dresden)

Det store og samtidig intime billeduniverset til Vermeer er dessverre redusert til rundt tretti anerkjente verk. Denne mangelen på kunstnerisk produksjon gjør denne nederlandske barokkkunstneren til en maler omgitt av en glorie av mystikk. Interiøret ble enormt verdsatt på den tiden, selv om det senere falt i glemmeboken og ikke ble gjort krav på før mye senere av impresjonistene fra 1800-tallet.

Arbeidet som angår oss representerer perfekt det universet av hjemlig intimitet som er karakteristisk for maleren. I et rom opplyst av melkelyset som kommer inn gjennom et åpent vindu, konsentrerer en ung kvinne seg om å lese et brev. Hennes private verden blir mer utilgjengelig fordi vi ikke kan nå den fysisk, siden bordet og gardinen i forgrunnen hindrer oss i å gjøre det. Dette lerretet er et vakkert eksempel på barokkmaleri fra Nederland og fremfor alt på den verdenen av unnvikende og nesten spøkelsesaktige karakterer som befolker arbeidet til denne ekstraordinære kunstneren.

• Du kan være interessert i: "Forskjeller mellom renessansen og barokken: hvordan skille dem fra hverandre"

4. Stilleben, av Clara Peeters (Prado Museum, Madrid)

Sjangeren stilleben har ikke vært høyt ansett i kunsthistorien, til tross for at den er det av en sjanger som krever store detaljer og, selvfølgelig, en udiskutabel evne til å fange teksturer og overflater. Et mesterverk av sjangeren er uten tvil dette Stilleben av maleren Clara Peeters.

I den kommer kunstnerens virtuositet ikke bare til syne i den forsiktige representasjonen av elementer, men i rekken av selvportretter som maleren laget, som en refleksjon, i kannen og i koppen. Å fange en refleksjon på en overflate var noe som krevde utsøkt virtuositet, og Clara registrerer sin billedmessige evne gjennom denne ressursen, i tillegg til å være en måte å kreve din rolle som kunstner i et yrke dominert av menn.

5. Vantroen til Saint Thomas, av Caravaggio (Schloss Sanssouci, Potsdam)

Det bibelske temaet om helgenens tvil før Kristi oppstandelse er samlet i dette verket med en imponerende naturalisme. Saint Thomas setter en finger inn i såret som Jesus ser på en av sidene hans. Kristus selv veileder hånden hans og oppmuntrer ham til å tro gjennom fysiske bevis det han ikke har trodd gjennom tro. Denne scenen hadde aldri blitt sett fortalt med så mye, kan vi si, grovhet. Den karakteristiske realismen til Caravaggio er tydelig i kroppens anatomi, i rynkene som furer pannen på apostler, i de skitne neglene som Saint Thomas selv presenterer, og fremfor alt, i fingertuppen som går inn i kjødet til Kristus. Caravaggios verk er et av de beste eksemplene på at barokken ikke bare er teatralitet og pompøsitet, men også ofte nærmer seg virkeligheten med overraskende naturalisme.

• Relatert artikkel: "Finnes det en kunst objektivt sett bedre enn en annen?"

6. korsfestet Kristus, av José de Ribera (Diocesan Museum of Sacred Art, Vitoria-Gasteiz)

En av barokkmaleriets mest imponerende korsfestede. Den er bevart i bispedømmemuseet for hellig kunst i Vitoria-Gasteiz, fra det forsvunne klosteret Santo Domingo, og regnes som en av de beste representasjonene av Kristus korsfestet i maleriet. spansk. Mot en nøytral og markert mørk bakgrunn, noe som forsterker ideen om den bibelske formørkelsen som fulgte med Kristi død stiger Jesu skikkelse på korset, med den hvite kroppen og forvridd i en tvunget kontraposto. Den eneste lyskilden er kroppen hans, siden selv renhetsduken har en lignende fargetone som veden på korset som den er spikret til. Scenen ser ut til å fange øyeblikket da Kristus ser opp til himmelen og mumler: «Alt er over. Consumatum est”.

7. Barn som spiser druer og melon, av Bartolomé Esteban Murillo (Alte Pinakothek, München)

Vi har allerede kommentert at realisme også er typisk for barokkkunst. Et godt eksempel på dette er dette fantastiske lerretet av maleren Bartolomé Esteban Murillo, holdt i München, som representerer to dårlig kledde barn som spiser druer og melon. Spania på 1600-tallet bød på markante kontraster, og fattigdom var et vanlig syn i gatene i byer som Madrid. Ved denne anledningen representerer Murillo de to guttene som konsentrerer seg om maten. De ser ikke på betrakteren; i virkeligheten legger de knapt merke til vår tilstedeværelse. Mens de sluker melonen og druene (kanskje en av de få matvarene de vil ha tilgang til i mange dager), snakker de rolig, som de utvekslede blikkene vitner om. Skitne bare føtter og slitne klær gir en dramatisk tone til den innbydende scenen.

8. Hvelv med Apoteose av det spanske monarkiet, av Luca Giordano (Prado-museet, Madrid)

Dette fantastiske taket, laget på slutten av 1600-tallet ved bruk av falsk freskomaleriteknikk, kan for tiden sees i biblioteket til Prado-museet i Madrid. Opprinnelig tilhørte hvelvet den gamle ambassadørhallen til Buen Retiro-palasset, et sted for hvile og fritid som grev-hertugen av Olivares beordret bygget for kong Felipe IV.

Som navnet indikerer, var Hall of Ambassadors mottaksstedet for monarken, så ikonografien som vises i taket er en opphøyelse av det latinamerikanske monarkiet. Giordano skaper en ekstraordinær komposisjon, oversådd med allegorier og symboler hentet fra mytologi. som forsøkte å fremheve antikken til den spanske kronen og dens fremtreden over de andre kongehusene Europeisk.

9. de tre takker, av Rubens (Prado Museum, Madrid)

Tilsynelatende laget Rubens dette lerretet, et av de mest kjente av hans arbeider, for sin egen glede, noe det fremgår av det faktum at det ved hans død var blant hans personlige samling. Faktisk er funksjonene til kvinnen til venstre veldig like de til hans andre kone, Helena Fourment, som Rubens giftet seg med da hun var bare seksten og han, femti- tre. Siden gamledager, Det er vanlig å finne årsaken til nådene knyttet til forlovelser, så det virker ikke urimelig å anta at kunstneren malte maleriet som en hyllest til sin egen kobling. De tre figurene står vellystig og slår seg sammen i det som ser ut til å være en slags dans. Det er virkelig et av kunstnerens mest elegante og sensuelle malerier.

10. angrende magdalene av lampen, av Georges de La Tour (Louvre-museet, Paris)

De La Tour er en fantastisk maler som er kjent for den utsøkte chiaroscuroen i komposisjonene sine, oppnådd ved gløden fra ett eller flere stearinlys.

I dette tilfellet viser maleriet oss en Maria Magdalena som er absorbert i meditasjonen sin. Blikket hennes er festet på ilden fra lyset som brenner foran henne, den eneste lyskilden i maleriet, slik det er vanlig i kunstnerens arbeid. Helgenen støtter hodet i den ene hånden, mens hun i den andre, som hviler på fanget hennes, holder en hodeskalle, et symbol på bot og livets forgjengelighet, så typisk for barokken. Det angrende Magdalene-motivet var svært vanlig på 1600-tallet. De La Tour selv laget opptil fem versjoner av dette maleriet. I to av dem ligger hodeskallen på bordet, og med sitt volum skjuler den lysets ild, som ytterligere fremhever scenens chiaroscuro.