Joan MIRÓ: de 5 mest berømte VERKENE

Joan Miro (Barcelona, ​​1893, Palma, 1983) er en av mest radikale og fantasifulle kunstnere, kommer for å lage en originalt verk bruker alle slags kunstneriske medier og teknikker, fra maleri til skulptur, graveringer eller keramikk. Miró var alltid mellom konstant eksperimentering, objektivitet og det underbevisste og skapte et eget visuelle kunstneriske vokabular det gjør hans arbeid umiskjennelig.

I denne leksjonen fra unPROFESOR.com tilbyr vi deg et utvalg av mest kjente verk av Joan Miró slik at du kan forstå og beundre arbeidet til en av de mest ikke-konformistiske kunstnerne moderne kunst.

Indeks

1. Kjennetegn ved Joan Mirós teknikk
2. Gården (1920-1921), første verk av Joan Miró
3. Harlequin Carnival (1924-1925), en annen av Joan Mirós verk
4. Hund bjeffer på månen (1926)
5. Bleu II (1961)
6. Moonbird (1966): en ikonisk skulptur
7. Kvinne og fugl (1982): Mirós ikoniske verk

Vi starter med å analysere hva Joan Mirós teknikk er, slik at du bedre kan forstå hans arbeid. Var en

• Mellom stilistiske elementer som er karakteristiske for Miro sDe finner biomorfe former, geometriske former og abstrakte og semi-abstrakte objekter.
• Miró var en allsidig og produktiv kunstner som testet flere kunstneriske medier, fra keramikk og trykk til store bronseinstallasjoner.
• Hans radikal og fantasifull stil Han var en grunnleggende skikkelse i avantgarde på begynnelsen av det tjuende århundre, og utviklet seg mot en voksende og deretter fullstendig abstraksjon.
• Miró har inngått et samarbeid med surrealisme tidlig, og påvirket de abstrakte ekspresjonistene.
• Han oppfant også en ny slags billedrom der kunstneren nøye plasserer gjenstandene. Noen gjenstander ut av fantasien og at han sidestiller med gjenkjennelige grunnformer.
• Mirós kunst ble aldri installert i ingen objektivitet, å vie seg til å utforske betyr å demontere de tradisjonelle forskriftene om figurativ representasjon.
• Miró fant balanse mellom automatismen og spontaniteten til surrealismen med nøye planlegging og representasjon.
• Hans fargepaletten er begrenset, holder seg alltid til uttrykksfulle farger, med flat bakgrunn med myke fargegraderinger og fargefelt uten blanding. Fet og verdifulle farger som fungerte som inspirasjon for mange kunstnere.
• Til tross for å håndtere de samme temaene, gjorde han alltid det i forskjellige medier og oppnå forskjellige og alltid overraskende resultater.

I følge Miró reflekterte dette arbeidet alle årene han levde i landet, satte på lerretet alt han elsket, fra det største til det minste. I et skrått bildeplan viser kunstneren oss sitt våningshus, fullt av dyr, planter og kunstneriske verktøy. Et lerret der Miró gjenskaper seg i alle detaljer, og også en forhåndsvisning av hans senere surrealistiske arbeid.

Kunstneren anså alltid dette verket som et av de viktigste, og markerte en vendepunkt i sin kunstneriske karriere. I den blir en rekke påvirkninger også verdsatt, inkludert katalansk populærkunst, i tillegg til kubisme, men kunstneren nektet å bli dovehullet i en enkelt stil, og var et eksempel på hans rastløse og ikonoklastisk.

Blant de viktigste innovasjonene er inkludering av ulike abstrakte elementer, symboler som trapper og bokstaver, noe som gjør verket til både et bilde og et dikt.

Maleriets historie

Historien bak maleriet er også gripende. Miró lette etter en kjøper i det parisiske markedet for moderne kunst, veldig interessert i kubisme. En kjøpmann foreslo å kutte den i flere mindre malerier for å gjøre det lettere å selge. En da ukjent Ernest Hemingway, som Miró var venner med, ønsket han å kjøpe maleriet. De to pleide å komme sammen til boksesamlinger, og Hemingway, etter å ha lånt penger og jobbet som dagligvarebutikk, var i stand til å kjøpe og beholde det hele livet.

Forfatteren tilsto at han ikke ville bytte maleriet mot noen andre i verden. "Den har alt du føler for Spania når du er der, og alt du føler når du er borte og du ikke kan dra dit." I dag ligger det i National Gallery of Art, Washington, D.C.

Denne oljen på lerret skildrer en gledelig og festlig scene der en biomorfe Quixotic blir fanget i en fest.

Karakterene er en harlekin, identifisert av de svarte og hvite rutene i kostymet til den opprinnelige figuren av commedia dell'arte Italiensk, med en forvrengt gitarformet kropp; en katt som står på bakbena, som om han danser, og "armene" strekker seg mot scenen, mens det røde og gule ansiktet vender seg til å se på betrakteren; en gul og svart fisk, musikalske toner på veggen, svarte og hvite slangerør og en svart og gul skapning som danser i det nedre sentrum og tar tak i en tråd som strekker seg til kinnskjeggene av katten.

En innbilt verden som griper til betrakteren og det utgjør kunstnerens vending mot surrealisme, og er også et av de første verkene han brukte biomorfe former, fremkaller alle gjenstander til levende organismer. En måte å oppheve sikkerheten i den bevisste verden og få det kollektive ubevisste til å spire.

Vi står overfor et annet av Joan Mirás mest berømte verk: Hund bjeffer på månen. I en surrealistisk og tegneserieaktig landskap, en forvrengt hund med lyse farger bjeffer på månen. Verket formidler en følelse av ensomhet og mystikk, inkludert flere ord i maleriene hans, det Miró kalte "Maling av dikt".

Selv om Miró ikke inkluderte teksten i maleriet, overføres den følelsen av kommunikasjon mellom hunden og månen. Det har blitt tolket som et personlig manifest der den unge Miró ser på seg selv som en valp som prøver å finne stemmen sin i avantgarde.

Dette er en monumentalt størrelse lerret, 12 fot med 9, i en serie på tre som bruker enkle abstrakte former på en blå telefon. Alt er malt med jevne penselstrøk og et litt diagonalt rødt slag brukes til å introdusere et dramatisk preg, og gir dermed mer vekt på en tom vidde. Det introduserer også noen svarte og uregelmessige former som også overfører energi.

Miró identifiserer det blå feltet med himmelen og drømmeverdenen. Tomme rom og horisonter overveldet ham, imponerte ham sterkt og introduserte alltid små figurer i den. Det smale fargespekteret avslører innflytelse av romanske fresker, som det lille antallet former.

Skulpturen representerer en hybrid skapning med måneformet ansikt og horn, mens armene ligner vinger uten fjærdrakt. Figuren er på huk med to lemmer fast forankret i bakken som om den trekker sin styrke fra bakken. Formene vekker måner, fugler og tradisjonen med spansk tyrefekting.

Stykket er en slags totem full av styrke og kraft, samle Miró-former og metaforiske ideer fra den naturlige og kosmiske verdenen for å skape en drømmeaktig karakter. Dermed har verket et organisk aspekt som viser alle hovedtemaene: månen, fuglene eller temaet Catalonia.

Vi står overfor en annen monumental skulptur, 20 meter høy, skildrer en kvinne, malt i lyse primærfarger. Kvinnen har på seg en rørformet "hatt" som er omringet av en gul fugl som fremkaller en halvmåne.

Men verket er tvetydig, ettersom den falliske formen gir et første villedende inntrykk. Som et resultat må betrakteren stoppe og utføre stykket. Kvinnen symboliserer jorden, månen symboliserte himmelen og fuglene forbinder begge verdener. På grunn av sin enorme størrelse ble det en slags talisman for Miró.

Skulpturen ble bygget med fargerike ødelagte fliser, var et av de første store initiativene fra offentlig kunst i Barcelona, etter gjenetablering av demokrati og regnes som det siste store arbeidet til Miró. Bruken av mosaikk og uregelmessige konturer var en hyllest til den store Barcelona-arkitekten Antonio gaudi, som Miró hadde studert med.

Hvis du vil lese flere artikler som ligner på Joan Miró: mest kjente verk, anbefaler vi at du skriver inn vår kategori av Historie.

• Punyet Miro, Joan og Lolivier-Rahola, Gloria (2012). Jeg ser. Blume
• Balsach, M.J (2007). Joan Miro: Cosmogony of an original world (1918-1939). Galaxy Gutenberg