Pop Art: wyróżnieni artyści i ich prace

Obraz: Kto

W tej lekcji od NAUCZYCIELA, Pop Art: wyróżnieni artyści i ich prace, oddamy się jego twórcom, twórcom najbardziej przełomowego i znaczącego ruchu wizualnego XX wieku, który jak już jak zauważyliśmy wcześniej, stworzyli obrazy zapisane w zbiorowej wyobraźni jako bardzo wizualna reprezentacja epoka.

Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburgosiągnęli m.in. to, co kilka lat wcześniej było niemożliwe, demokratyzowali sztukę. Taki był zakres jego rozpowszechnienia, że ​​jego wytwory dotarły do ​​Księżyca i z tego powodu, a także wielu innych zasług, w tej lekcji poświęcimy im całą naszą uwagę.

Indeks

1. Ryszard Hamilton (1922 - 2011)
2. Jasper Johns (1930)
3. Robert Rauschenberg (1925 - 2008)
4. Roy Lichtenstein (1923-1997)
5. Tom Wesselman (1931 - 2004)
6. Claes Oldenburg (1929)
7. David Hockney (1939)
8. Allen Jones (1937)
9. Andy Warhol

Zaczynamy od rozmowy o wybitnych artystach Pop Artu i ich pracach od rozmowy o Richardzie Hamiltonie. Był brytyjskim artystą i projektantem, uważanym przez zdecydowaną większość uczonych za

"Popularny, stworzony dla mas; efemeryczny, z doraźnymi rozwiązaniami, zbędny, łatwy do zapomnienia; niski koszt, masowo produkowany; młody, skierowany do młodzieży; dowcipny; seksowny; efekciarski; czarujący... świetny biznes ...".

Dodatkowo Hamilton stworzył na wystawę To jest jutro (1956) co wielu uważa za pierwszą całkowicie popową pracę, Właśnie to, co sprawia, że ​​dzisiejsze domy są tak różne. Tak pociągający? (1956).

Hamilton wykonał w nim fotomontaż, w którym ukazana została nowo przybyła kultura materialistyczna. W ten sposób staram się skontrastować „popowe” ikony z żądzą refleksji widza (coś bardzo typowego dla brytyjskiego pop-artu, co nie miałoby tak wyraźnego miejsca w amerykańskim).

Podobnie po raz pierwszy widzimy obecność terminu „pop”, który ten sam artysta ukuł rok później.

Jasper Johns miał na myśli Pop Art w USA, co R. Hamilton w Wielkiej Brytanii. Artysta nienasycony i niespokojny, dobrze znane są jego motywy amerykańskich flag, cyfr i liter, i to na niego spada zasługa wprowadzenia na ziemie amerykańskie czysto popularne obrazy. Jak to ujął właściciel galerii Leo Castelli: „Jaspera Johnsa należy uznać za pierwszego prawdziwie amerykańskiego artystę”.

W pracach takich jak Flaga (1954) dostrzegamy jego talent artystyczny, gdy bierzemy tak silny symbol amerykańskiej tożsamości, że mimo to jest nam on rzucany z ironią. Jednocześnie, posługując się (i popisując się) technikami abstrakcyjnego ekspresjonizmu, kpi z poprzedniego ruchu.

Robert Rauschenberg jest postacią pomostową pomiędzy Neo-Dada i Pop Art. Chociaż jego praca mieści się w drugim, jego twórczość zaskakuje wiele wpływów które obserwator może docenić. Najważniejszy, bez wątpienia, jego pasja do sztuki marginalnej, które zazwyczaj włącza do swoich kolaży.

Najbardziej charakterystyczne dla jego prac jest to, że zdają się podkreślać odpady materialistycznego świata wokół ciebie. W pracach takich jak Monogram (1955) lub Plan Coca-Coli (1955) Raushenberg nie reprezentuje tego, co nowe, ale to, co jest już używane i konsumowane, tworząc mniej ironiczną i poważniejszą debatę niż jego koledzy.

Ale wiadomo, że geniusz Rauschenberga wyróżniał się w 1953 roku dzięki pracy Wymazany rysunek Kooning, kiedy bardzo młody Rauschenberg poprosił ówczesnego Boga współczesnego malarstwa Kooninga o wymazanie jednego z jego ulubionych rysunków. Być może właśnie z powodu tego geniuszu jego rysunek (wraz z rysunkami Warhola czy Oldenburga) jest przypuszczalnie na Księżycu.

Roy Lichtenstein jest, wraz z Andym Warholem, Artysta pop par excellence. Mimo bycia artystą wtajemniczonym w ekspresjonizm abstrakcyjny, około 1958 w jego karierze zwrócił się ku figuracji poprzez inkorporację obrazów zaczerpniętych z uniwersum komiksy. Po latach cała jego produkcja składała się z ikon z komiksu i telewizji.

Kochanek Picasso, w jego produkcji zauważamy mocną wpływ kubizmu i techniki kolażu, choć zostało to rozwiązane tylko w ramach teoretycznych, ponieważ prace Lichtensteina zawsze były prace reprodukowane ręcznie podążając, tak, techniką Benday grafiki.

Niektóre z jego najbardziej znanych prac to Pocałunek V (1964), Mały duży Malarstwo (1965), Pokój Arles (1992) czy Taniec (1974), wszystkie z nich są obecnie uważane za wyjątkową wartość handlową. I to właśnie na przestrzeni lat widać, jak dzieła Lichtensteina osiągają status tego, co naśladują, przedmiotu konsumpcji.

Obraz: Sztuka Saatchi

Tom Wesselman był kolejnym z wybitnych artystów pop-artu i jego dzieł. Był wybitnym amerykańskim artystą pop, którego motyw przewodni to był akt. Ale nie tylko nago, ale but amerykański akt, który polegał na prezentacji różnych aktów kobiecych przesyconych erotyzmem i oprawionych w sceny, często domowe, które zostały wtopione w jego płótna.

Claes Oldenburg był odpowiedzialny za materializację koncepcja obiektu jako zabytku tworząc na dużą skalę repliki różnych przedmiotów codziennego użytku. W pracach takich jak Spoonbridge i wiśnia (1985-86), Wolny (1991) lubOgryzek (1990) obserwujemy kawałki miękkich rzeźb, które zostały wzmocnione włóknem z poliestrem.

Z kolei przemyślane rozmieszczenie rzeźb Oldenburga reprezentuje zawłaszczanie przedmiotów pochodzących z konsumpcja w przestrzeni publicznej, być może metafora tego, w jaki sposób ostatecznie skolonizowały one wszystkie nasze zakresy.

Obraz: ArtLudzie. Netto

Ciekawy jest przypadek Davida Hockneya, artysty, który mimo stale odmawia bycia uważanym za artystę pop PopUważany jest za jednego z największych w ruchu. Pochodzący z Anglii przeniósł się do Kalifornii pod koniec lat pięćdziesiątych w poszukiwaniu bardziej zrelaksowanego i liberalnego środowiska.

To właśnie to beztroskie środowisko możemy wizualizować w takich dziełach jak słynna Większy Splah (1967), gdzie za pomocą płaskich powierzchni wykonanych z akrylu Hockney prezentuje nam natychmiastowość chwili na słonecznym tarasie w Kalifornii. Piękno jego twórczości tkwi w samej naturze anonimowości, a także w jej beznamiętnych, niemal abstrakcyjnych płaszczyznach.

Istota Allen Jones Członek-założyciel brytyjskiego pop-artu podczas udziału w wystawie Młodzi Współcześni (1961), jego praca nadal zaskakuje wysoka zdolność szokowania widza, zwłaszcza w odniesieniu do zespołu rzeźbiarskiego z włókna szklanego Stojak na kapelusze, stół i krzesło (1969). W nim Jones tworzy antropomorficzny zestaw mebli i opowiada się za radykalny figuratywność do materializacji seksualne podporządkowanie kobiet.

Ta reprezentacja przekracza granice tego, co jest politycznie poprawne, aby odsłonić debatę o tym, jak daleko może posunąć się wolność sztuki, jeśli chodzi o radzenie sobie z role tożsamości seksualnej. Była to, jest i prawdopodobnie nadal jest, zwłaszcza dla niedoświadczonych oczu, bardzo złożona praca; pewnie dlatego Stanley Kubrick postanowił wykorzystać je w swoim również kontrowersyjnym filmie Mechaniczna Pomarańcza (1971).

Andy Warhol jest artystą pop par excellence, artysta, który zmienił swoje imię w markę na poziomie i podobieństwie tych ikon, które reprezentował w swoich pracach. Artysta i produkt sam w sobie, Andy Warhol kultywował niezliczone techniki artystyczne, które wahały się od najbardziej konwencjonalne, takie jak malarstwo czy rzeźba, do tych najbardziej typowych dla swoich czasów, takich jak audiowizualne lub artystyczne grafika.

Podobnie jak wielu jego kolegów, wykorzystując nowe techniki reprodukcji, które dał mu jego czas, próbował tworzyć prace, które były mu obce. Często jednak tę powierzchowność zaciera ironiczna gra jego dzieł. Na przykład w twoim SErie Mao 1972 drwi z komunistycznego przywódcy, używając powtórzeń i kolorów.

Ta sama strategia będzie wielokrotnie stosowana w jego kultowych Marylins Monroes czy Lizs Taylors, chociaż w ich przypadku zauważamy bardziej czułe i pełne podziwu traktowanie. Warhol odtworzył to, za czym tęsknił i to w końcu, po jego… Fabryka lub powstanie magazynu Wywiad, wśród wielu innych udało mu się.

Jeśli chcesz przeczytać więcej artykułów podobnych do Pop Art: wyróżnieni artyści i ich prace, zalecamy wpisanie naszej kategorii Fabuła.