10 najważniejszych obrazów baroku

Barok to epoka i nurt artystyczny występujący głównie w XVII wieku. Ten styl artystyczny ma wiele arcydzieł, dystrybuowanych wśród najlepszych muzeów na świecie.

W tym artykule skupimy się na malarstwie barokowym i uratujemy 10 jego najważniejszych obrazów.

• Powiązany artykuł: „Czym jest 7 Sztuk Pięknych? Podsumowanie jego właściwości”

Malarstwo barokowe

W XVII wieku pojawili się prawdziwi mistrzowie malarstwa. Artyści tacy jak Velázquez, Vermeer, Rubens czy Ribera wypełniali karty historii sztuki na wiele sposobów. arcydzieł, niezbędnych do poznania zarówno tego okresu historycznego, jak i ewolucji sztuki ogólny.

Podobnie jak w przypadku większości ruchów artystycznych, barok nie jest jednym stylem.. W każdym regionie iw każdym kraju miały swoje własne cechy charakterystyczne, wynikające z własnego kontekstu gospodarczego, religijnego i społecznego. Tak więc, podczas gdy w krajach katolickich styl ten służył jako narzędzie kontrreformacji, w regionach Protestanci stali się o wiele bardziej intymni i osobiści, ponieważ promowali to kupcy i burżuazja miasta.

• Możesz być zainteresowany: „4 najważniejsze cechy baroku”

10 głównych obrazów baroku

Następnie udamy się na krótką wycieczkę po 10 najważniejszych obrazach barokowych.

1. Las Meninas, Diego Velázquez (Museo del Prado, Madryt)

Jest to prawdopodobnie jedno z najczęściej reprodukowanych dzieł malarskich i jedno z najsłynniejszych na świecie. Płótno jest znane jako Las Meninas, chociaż jego pierwotna nazwa brzmiała Rodzina Filipa IV. Jest to bez wątpienia jedno z arcydzieł malarstwa barokowego i historii sztuki w ogóle.

Został namalowany w 1656 roku w Cuarto del Príncipe del Alcázar w Madrycie i odtwarza niesamowitą grę światła i perspektywy. W tle odbite w lustrze popiersia monarchów, króla Filipa IV i jego żony Mariany Austriaczki. Po lewej stronie płótna Velázquez robi sobie autoportret przy sztalugach. Interpretacje dzieła były i nadal są bardzo zróżnicowane. Malujesz królów i nagle przerywa ci mała infantka Margarita, której towarzyszą jej meniny i jej świta? Tak czy inaczej, obraz całkowicie zanurza widza w scenie, jakby był w niej kolejną postacią.

2. Judyta i Holofernes, Artemisia Gentileschi (Galeria Uffizi, Florencja)

Od kilku lat niezwykłe dzieło Artemisi Gentileschi odzyskuje należne mu miejsce w historii malarstwa. Judyta i Holofernes to jedno z arcydzieł nie tylko jego malarstwa, ale ogólnie malarstwa barokowego.

Artysta reprezentuje nas zapisany w Biblii moment, w którym Judyta, żydowska bohaterka, ścina głowę Holofernesowi, babilońskiemu generałowi, który chce ją. Artemisia reprezentuje chwilę z dzikością, która zapiera dech w piersiach. Wielu krytyków chciało zobaczyć w surowości tego obrazu całą wściekłość i cierpienie, które naruszeniem którego padł ofiarą na krótko przed wykonaniem pierwszej wersji obrazu, zachowanej w Muzeum Capodimonte, Neapol. W każdym razie wspaniały światłocień, kompozycja i dynamizm postaci czynią to dzieło jednym z najlepszych przykładów malarstwa barokowego.

• Powiązany artykuł: „7 najlepszych muzeów w Hiszpanii, których nie można przegapić”

3. Dziewczyna czytająca list przed otwartym oknem, autorstwa Johannesa Vermeera (Alte Meister, Drezno)

Wielki, a jednocześnie intymny malarski świat Vermeera ogranicza się niestety do około trzydziestu uznanych dzieł. Ten niedostatek twórczości artystycznej czyni z tego holenderskiego artysty baroku malarza otoczonego aureolą tajemnicy. Jego wnętrza były wówczas niezwykle cenione, choć później popadły w zapomnienie i dopiero znacznie później zajęli je XIX-wieczni impresjoniści.

Praca, która nas dotyczy doskonale reprezentuje ten wszechświat domowej intymności charakterystyczny dla malarza. W pokoju oświetlonym mlecznym światłem wpadającym przez otwarte okno młoda kobieta koncentruje się na czytaniu listu. Jej prywatny świat staje się coraz bardziej niedostępny, ponieważ nie możemy do niego fizycznie dotrzeć, ponieważ uniemożliwia nam to stół i zasłona na pierwszym planie. To płótno jest pięknym przykładem malarstwa barokowego z Holandii, a przede wszystkim tego świata nieuchwytnych i niemal upiornych postaci, które zaludniają twórczość tego niezwykłego artysty.

• Możesz być zainteresowany: „Różnice między renesansem a barokiem: jak je odróżnić”

4. Martwa natura, Clara Peeters (Muzeum Prado, Madryt)

Gatunek martwej natury nie był wysoko ceniony w historii sztuki, mimo że jest gatunku, który wymaga dużej szczegółowości i, oczywiście, niezaprzeczalnej zdolności do uchwycenia tekstur i powierzchnie. Bez wątpienia jest to arcydzieło gatunku Martwa natura malarki Clary Peeters.

Wirtuozeria artysty przejawia się w nim nie tylko w starannym przedstawieniu elementów, ale w serii autoportretów, które malarz wykonał jako odbicie w dzbanku i w kubek. Uchwycenie odbicia na powierzchni było czymś, co wymagało wyjątkowej wirtuozerii, a Clara rejestruje swoje zdolności malarskie poprzez ten zasób, a także bycie sposób na potwierdzenie swojej roli artysty w zawodzie zdominowanym przez mężczyzn.

5. Niedowierzanie świętego Tomasza, autorstwa Caravaggia (Schloss Sanssouci, Poczdam)

Biblijny temat zwątpienia świętego przed zmartwychwstaniem Chrystusa zebrany jest w tym dziele z imponującym naturalizmem. Św. Tomasz wkłada palec w ranę, którą Jezus ogląda po jednym ze swoich boków. Sam Chrystus prowadzi go za rękę, zachęcając go, by poprzez fizyczne dowody wierzył w to, w co nie wierzył przez wiarę. Nigdy wcześniej nie widziano tej sceny opowiedzianej z taką, można powiedzieć, brutalnością. Charakterystyczny realizm Caravaggia widoczny jest w anatomii ciał, w zmarszczkach bruzdujących czoła apostołów, w brudnych paznokciach, które sam św. Chrystus. Dzieło Caravaggia jest jednym z najlepszych przykładów na to, że barok to nie tylko teatralność i przepych, ale też często podejście do rzeczywistości z zaskakującym naturalizmem.

• Powiązany artykuł: „Czy istnieje sztuka obiektywnie lepsza od innej?”

6. ukrzyżowany chrystus, José de Ribera (Diecezjalne Muzeum Sztuki Sakralnej, Vitoria-Gasteiz)

Jeden z najokazalszych ukrzyżowanych malarstwa barokowego. Jest przechowywany w Diecezjalnym Muzeum Sztuki Sakralnej w Vitoria-Gasteiz, z zaginionego klasztoru św. Santo Domingo i jest uważany za jedno z najlepszych przedstawień Chrystusa Ukrzyżowanego w malarstwie. Hiszpański. Na neutralnym i wyraźnie ciemnym tle, co wzmacnia ideę towarzyszącego biblijnemu zaćmieniu śmierć Chrystusa, postać Jezusa unosi się na krzyżu, z białym ciałem i wykrzywionym w wymuszony kontrapost. Jedynym źródłem światła jest jego ciało, ponieważ nawet obrus czystości ma podobny odcień do drewna krzyża, do którego jest przybity. Scena zdaje się uchwycić moment, w którym Chrystus spogląda w niebo i szepcze: „Wszystko się skończyło. Zał. consumatum”.

7. Dzieci jedzące winogrona i melona, autorstwa Bartolomé Estebana Murillo (Alte Pinakothek, Monachium)

Wspomnieliśmy już, że realizm jest również typowy dla sztuki baroku. Dobrym tego przykładem jest to wspaniałe płótno malarza Bartolomé Estebana Murillo, przechowywane w Monachium, przedstawiające dwoje źle ubranych dzieci jedzących winogrona i melona. XVII-wieczna Hiszpania oferowała wyraźne kontrasty, a bieda była częstym widokiem na ulicach miast takich jak Madryt. Z tej okazji Murillo przedstawia dwóch chłopców skoncentrowanych na jedzeniu. Nie patrzą na widza; w rzeczywistości prawie nie zauważają naszej obecności. Zajadając się melonem i winogronami (być może jednym z nielicznych pokarmów, do których będą mieli dostęp przez wiele dni), rozmawiają spokojnie, o czym świadczą ich wymieniane spojrzenia. Brudne bose stopy i wytarte ubrania dodają dramatyzmu tej ujmującej scenie.

8. Skarbiec z Apoteoza monarchii hiszpańskiej, Luca Giordano (Muzeum Prado, Madryt)

Ten fantastyczny strop, wykonany pod koniec XVII wieku techniką fałszywego fresku, można obecnie oglądać w Bibliotece Muzeum Prado w Madrycie. Pierwotnie sklepienie należało do dawnej Sali Ambasadorów Pałacu Buen Retiro, miejsce odpoczynku i wypoczynku, które hrabia-książę Olivares nakazał zbudować dla króla Filipa IV.

Jak sama nazwa wskazuje, Sala Ambasadorów była miejscem przyjęć monarchy, więc ikonografia wyświetlana na jej suficie jest egzaltacją monarchii latynoskiej. Giordano tworzy niezwykłą kompozycję, usianą alegoriami i symbolami zaczerpniętymi z mitologii. który miał na celu podkreślenie starożytności hiszpańskiej korony i jej wyższości nad innymi rodami królewskimi Europejski.

9. trzy dzięki, autorstwa Rubensa (Muzeum Prado, Madryt)

Najwyraźniej Rubens wykonał to płótno, jedno z najsłynniejszych jego dzieł, dla własnej przyjemności, o czym świadczy fakt, że po jego śmierci znajdowało się ono w jego osobistej kolekcji. W rzeczywistości cechy kobiety po lewej stronie są bardzo podobne do cech jego drugiej żony, Helena Fourment, którą Rubens poślubił, gdy miała zaledwie szesnaście lat, a on, pięćdziesiąt trzy. Od czasów starożytnych, Zwykle szuka się przyczyny Łask związanych z zaręczynami, więc nie wydaje się bezzasadne założenie, że artysta namalował obraz jako hołd dla własnego związku. Trzy postacie stoją zmysłowo i łączą ręce w czymś, co wydaje się być rodzajem tańca. To rzeczywiście jeden z najbardziej eleganckich i zmysłowych obrazów artysty.

10. skruszona magdalena od lampy, Georges de La Tour (Luwr, Paryż)

De La Tour to fantastyczny malarz, który słynie z wykwintnego światłocienia w swoich kompozycjach, uzyskiwanego dzięki blaskowi jednej lub kilku świec.

W tym przypadku obraz przedstawia Marię Magdalenę pogrążoną w medytacji. Wzrok utkwiony jest w płonącym przed nią ogniu świecy, jedynym, jak zwykle w twórczości artystki, źródle światła na obrazie. Święta jedną ręką podtrzymuje głowę, a drugą, opartą na kolanach, trzyma czaszkę, symbol pokuty i przemijania życia, tak typowy dla baroku. Motyw skruszonej Magdaleny był bardzo powszechny w XVII wieku. Sam De La Tour stworzył aż pięć wersji tego obrazu. W dwóch z nich czaszka leży na stole i swoją objętością ukrywa ogień świecy, co dodatkowo podkreśla światłocień sceny.