Sztuka współczesna: czym jest, charakterystyka i główne kierunki

Dziś żyjemy w epoce charakteryzującej się szybkością. Moda nie tylko pojawia się i znika w mgnieniu oka, ale także rozprzestrzenia się na świat prędkości światła, dzięki rozwojowi technologii, takich jak Internet, aplikacje mobilne i sieci społeczny. Sztuka współczesna oczywiście nie może być rozumiana poza tą rzeczywistością.

Mimo że od drugiej połowy XX wieku nie można już mówić o ruchach artystycznych jako takich, to istnieje szereg wzorców charakteryzujących sztukę współczesnąi które przeanalizujemy w tym artykule.

czym jest sztuka współczesna?

Za sztukę współczesną uważa się te przejawy artystyczne, które mieszczą się w drugiej połowie XX wieku i na początku XXI wieku. Samo słowo „współczesna” pociąga za sobą ciągłe wygasanie i odnawianie się, ponieważ oczywiście za sto lat nie będziemy mogli nadal nazywać sztuki aktualnej „sztuką współczesną”.

Sztuka współczesna opiera się na nieistnieniu solidnych i reprezentatywnych ruchów, jakimi były „izmy” końca XIX i początku XX wieku. Więc, sztuka współczesna jest czystym dzieckiem swoich czasów, ponieważ reprezentuje absolutną wolność tworzenia

. Możemy niemal opisać konkretny trend dla każdego istniejącego artysty. To triumf indywidualności nad wspólnotą.

Mimo to, być może paradoksalnie, możemy wyróżnić szereg wspólnych cech, które omówimy w następnej sekcji.

• Powiązany artykuł: „Czy istnieje sztuka obiektywnie lepsza od innej?”

Ogólna charakterystyka sztuki współczesnej

Z grubsza możemy wymienić 4 podstawowe cechy sztuki, którą nazywamy współczesną. Zobaczmy je poniżej.

1. Wykorzystanie nowych technologii

Choć generalnie każda nowa manifestacja artystyczna idzie w parze z nowinką techniczną, to prawdą jest, że w W przypadku sztuki współczesnej innowacyjność jest podstawową cechą wspierającą jej własną definicję. Na przykład w początkach sztuki flamandzkiej w XV wieku wynalezione wówczas malarstwo olejne było bardzo ważne; ale nie możemy powiedzieć, że ta nowa technika stanowiła coś istotnego w narodzinach tego nowego stylu.

Można jednak stwierdzić, że nowe technologie mają wiele wspólnego z kształtowaniem się sztuki współczesnej. Z jednej strony fotografia i kino, które były podstawą wielu kreacji pierwszej awangardy XX wieku; dla innego, technik i sieci cyfrowych, niezbędnych do zrozumienia aktualnej sztuki.

Tak więc jednym z najważniejszych elementów charakteryzujących sztukę współczesną jest wykorzystanie i eksploatacja nowych, pojawiających się technologii, które swoją drogą dały pochodzenie nazwy jednego z najbardziej aktualnych (a zarazem najbardziej heterogenicznych) nurtów sztuki przełomu XX i XXI wieku: sztuka nowych mediów lub sztuka nowego głoska bezdźwięczna.

2. Wirusowość i masowa konsumpcja

Inną cechą leżącą u podstaw sztuki współczesnej jest jej wirusowość i wzrost masowej konsumpcji lub masowej konsumpcji. Nie można zrozumieć aktualnej sztuki bez powiązania jej z szybkością komunikacji i dostępem ogółu społeczeństwa do twórczości artystycznej. Jest to fakt, który zaczęto zauważać na początku XX wieku, tj upowszechnienie się gazet i czasopism oraz rozwój społeczeństwa konsumpcyjnego; jednak dopiero w drugiej połowie wieku, a zwłaszcza na początku XXI wieku, kiedy zjawisko to nasiliło się dzięki Internetowi, urządzeniom mobilnym i sieciom społeczny.

Ta niezwykła, niespotykana dotąd wirusowość sprawia, że ​​twórczość artysty może podróżować po całym świecie w ciągu zaledwie kilku godzin (czasami minut). Ponadto wysoki poziom konsumpcji, z jakim żyje obecnie ludzkość, powoduje większe „zapotrzebowanie” na sztukę ze strony ogółu społeczeństwa, a także większy dostęp.

3. Rozwój „subkultur”

Pod koniec XIX wieku, po raz pierwszy w historii sztuki, pojawiły się jednocześnie różne nurty artystyczne zwane „izmami”. Odtąd rozprzestrzenianie się prądów estetycznych postępowało z coraz większą prędkością, do tego stopnia, że na początku XX wieku znajdujemy awangardy, które nakładają się na siebie w czasie.

Ta wielokulturowość i jednoczesność artystycznej ekspresji osiągnęła swój szczyt w połowie XX wieku wraz z rozprzestrzenianiem się zwane „subkulturami”, to znaczy grupami społecznymi, które mają własne formy wyrazu kulturowego, znacznie różniące się od tych akceptowanych przez „oficjalność”. Tak jest na przykład w przypadku graffiti i sztuki miejskiej.

4. Postępująca relatywizacja sztuki

Last but not least, znajdujemy relatywizację (jeśli nie trywializację) sztuki, która rozpoczęła się na początku XX wieku wraz z pojawieniem się pierwszych awangard i trwa do dnia dzisiejszego. dni.

Na przestrzeni dziejów ruchom artystycznym przyświecała idea piękna. Oczywiście idea ta zmieniała się na przestrzeni wieków i była bardzo różna w zależności od kultury, która ją emituje. Jednak zjawisko artystycznej negacji, czyli tzw nieistnienie przewodnika estetycznego jest czymś zupełnie nowym.

Być może pierwszymi, którzy ustanowili negację sztuki, a tym samym estetyki, byli dadaiści, grupa rozczarowanych intelektualistów, którzy ugruntowali swoją pozycję jako ruch w 1916 roku. Ruch dadaistyczny nie był oczywiście pierwszą awangardą, ale jako pierwszy brutalnie i bezwzględnie zaprzeczył twórczości artystycznej.

Kilka lat wcześniej futuryści zaproponowali estetykę, ideał piękna, w tym przypadku oparty na szybkości i postępie. Byli przestępcami co do formy, ale w żadnym wypadku nie zaprzeczali istnieniu sztuki. W rzeczywistości mówili o „pięknie samochodu wyścigowego przy pełnej prędkości”. The dadaiściJednak zerwali ze wszystkim, co idealne. Nie wiedząc o tym, kładli podwaliny pod przyszłą sztukę współczesną.

• Możesz być zainteresowany: „Czym jest 7 Sztuk Pięknych?”

Era „postmodernizmu”

Sztuka współczesna opiera swój dyskurs nie na transgresji (robiła to już awangarda), ale na zerwanie z samą koncepcją stworzenia i autora. Stawiane są pytania o autorstwo, słuszność punktu widzenia artysty, oryginalność i samą wartość dzieła sztuki. To właśnie zostało nazwane „postmodernizmem”.

To zerwanie z artystycznymi formalnościami wprowadza go bowiem w szczerą sprzeczność, bo jednocześnie kwestionują ważność galerii sztuki, fundacji, artystów itp., do czego to wszystko wykorzystują usankcjonować Legitymować, dlaczego? Ponieważ w epoce ponowoczesnej każdy przedmiot może być uznany za dzieło sztuki, dlatego potrzebuje instytucji o wystarczającym autorytecie i prestiżu, aby go jako takiego zatwierdzić.

Niektóre współczesne ruchy artystyczne

Poniżej dokonamy przeglądu niektórych z najważniejszych ruchów w sztuce współczesnej, od jej pojawienia się w latach 60. XX wieku do chwili obecnej.

1. „Pop-artu”

Powstał w latach 60. XX wieku przez artystów tak ważnych jak Andy Warhol, „pop-art” czy sztuka popularna na nowo wynaleźli przedmioty codziennego użytku i przekształcili je w przedmioty artystyczne. Tak więc każdy element codziennego użytku mógł być dziełem sztuki, a co więcej, dzięki ulepszonym technikom reprodukcji, każdy dom mógł sobie pozwolić na dostęp do nich. To był świt sztuki jako przedmiotu konsumpcyjnego.

2. „sztuka optyczna”

Nazwa jest skrótem od sztuki optycznej, czyli sztuki optycznej. Termin został ukuty przez magazyn Czasopismo w 1964 roku i powołał się na artystów, którzy bawili się złudzeniami optycznymi, aby ożywić swoje dzieła. Choć „op-art” przeżywał swój rozkwit w latach 60., jego genezy możemy doszukiwać się we wcześniejszych ruchach awangardowych, zwłaszcza w surrealizm. Trzeba tylko pamiętać Dalego i jego „obrazy paranoiczne”, jak sam je nazywał, które sprawiały, że oko dostrzegało elementy, których w zasadzie nie było na obrazie.

3. sztukę „psychodeliczną”.

Twórcze bogactwo lat 60. XX wieku przejawia się we wszystkich tych ruchach, które nabyły ok wielki impuls podczas tych lat demonstracji, ruchu hippisowskiego i narodzin tzw kontrkultury.

W szczególności tak zwana sztuka „psychodeliczna” ma wiele wspólnego z boomem konsumpcji substancje halucynogenne jak LSD (w rzeczywistości ten trend jest również nazywany sztuką „lizergiczną” na „cześć” tego dopalacza) i jego estetyka odzwierciedla odmienne stany świadomości wywołane konsumpcją. Tak więc sztuka „psychodeliczna” przedstawia fraktale oraz żywe i jaskrawe kolory, a także efekty optyczne i fosfenowe (uczucie widzenia plamek światła, gdy siatkówka jest odpowiednio stymulowana).

4. Sztuka ciała

Chodzi o twórczość artystyczną, która wykorzystuje ludzkie ciało jako podporę. Wzory estetyczne powstają więc poprzez malowanie, przekłuwanie czy tatuowanie, co było szczególnie popularne w latach 70.

5. graffiti

Kwintesencją dekady graffiti były lata 80. Jest to całkowicie darmowa sztuka (i przez większość czasu nielegalna). wykorzystuje powierzchnie publiczne do ich wyrażania. Są to na ogół kompozycje słów z przesłaniem, ale znajdziemy też wysokiej jakości malarstwo figuratywne. Zwykle przedstawienia te wykonywane są techniką aerozolową.

6. „słaba” sztuka

Pod koniec lat 60. powstał ruch włoskich artystów, którzy domagali się tzw sztuka wykonana z „kiepskich” materiałów, czyli codziennego użytku i po niskich lub zerowych kosztach. Artysta „povera” tworzył swoje prace z drewna, gliny, liści, tkanin, skał i innych materiałów, które w ogóle można znaleźć w przyrodzie lub w krajobrazie miejskim.

7. hiperrealizm

Wbrew temu, co wielu sądzi, sztuka współczesna nie opiera się wyłącznie na zupełnie nowych językach. Na przykład w ostatnich latach tak zwany hiperrealizm, artystyczny wyraz, który naśladuje rzeczywistość z niezwykłą precyzją, w absolutnie fotograficzny sposób.

8. sztuka nowych mediów

Jest to sztuka, która wykorzystuje najbardziej zaawansowane technologie, aby się rozwijać i docierać do publiczności. Preferowanym medium tych artystów jest oczywiście Internet. On sztuka nowych mediów czy sztuka nowych mediów wchodzi w interakcję z widzem, zawłaszcza istniejące prace i tworzy swoje kreacje we współpracy z innymi artystami. Niektóre przykłady to sztuka interaktywna i metaverse.