Frida Kahlo: 15 dzieł, których nie można przegapić, aby zrozumieć ich znaczenie

Frida Kahlo była meksykańską malarką pierwszej połowy XX wieku, która stała się symbolem kultury. Istotnie, Hilda Trujillo w biografii o artystce komentuje: „Jej osobowość została zaadoptowana jako jedna z flag feminizmu, niepełnosprawności, wolności seksualnej i kultury Meksykański ”.

Zapowiadana surrealistycznie, Kahlo wolała myśleć o sobie jako o kimś, kto reprezentuje jej rzeczywistość ostatnia, co sprawiło, że poczuła się bardzo daleko od obaw o nieświadomość, typowych dla surrealizm.

Kilka elementów wyróżniało jego twórczość: z jednej strony badanie meksykańskiej sztuki ludowej i tubylczej; z drugiej eksploracja własnego bólu, zarówno fizycznego, jak i emocjonalnego, wynikającego z poważnych problemów zdrowotnych i burzliwego życia z Diego Riverą, meksykańskim muralistą. Aby lepiej zrozumieć jego spojrzenie, poznajmy niektóre z jego najbardziej emblematycznych prac.

Autoportret, 1926

W 1926 Frida Kahlo namalowała swój pierwszy autoportret. Miała wtedy 19 lat i poniosła konsekwencje poważnego wypadku, który pozostawił ją przykutą do łóżka na długi czas. W tym czasie Frida widziała tylko sufit swojego pokoju. Jej matka, przeniesiona, zaprojektowała dla niej specjalne sztalugi, na których mogła malować w pozycji leżącej. Po jednej stronie sztalugi uniosła lustro, żeby Frida mogła przynajmniej zobaczyć siebie. Tak zaczęła się przedstawiać Frida Kahlo. Byłby to stół, od którego rozpoczęłoby się twoje osobiste zapytanie.

Wbrew błędnej opinii Frida nie oddała sobie hołdu. Raczej była postrzegana jako brzydka i zbyt chuda, co nie upiększało żadnej z jej rysów, ale raczej Podkreślił te elementy uważane za „nieestetyczne”, takie jak złączone i łukowate brwi w serce. Nigdy nie zdawał sobie sprawy, że w tej „szczerości” odnajdzie swój znak rozpoznawczy i wzbudzi zainteresowanie społeczności międzynarodowej.

Frida i Diego Rivera, 1931

Bardziej niż miłość, Frida była prawdziwą wielbicielką swojego męża, Diego Rivery. Zawsze postrzegał Diego jako wybitny talent, podczas gdy jego własna praca była postrzegana jako „absolutnie upiorna”.

Z takim nastawieniem nie miała problemu z przyjęciem roli żony, która wspiera i służy mężowi. Powiedz Servando Ortoll i Annette B. Ramírez de Arellano w eseju zatytułowanym Frida Kahlo Portret artystki jako bizneswoman, że ta kobieta przejęła nie tylko opiekę nad mężem, ale również zadbała o swoją międzynarodową karierę jako prawdziwa przedsiębiorczyni sztuki.

Bałwochwalstwo, które Rivera budzi we Fridzie, wyraża ten portret z 1931 roku, zatytułowany Frida i Diego Rivera. Diego trzyma w prawej ręce atrybuty malarza: paletę i pędzle. Drobna i ledwo ubrana w tradycyjną meksykańską sukienkę Frida kładzie dłoń na Diego, jakby ją wspierał. Jej twarz pochyla się z wdziękiem w kierunku męża.

Nad nimi wstążka z napisem lub filakterium trzyma ptak. Filakterium mówi: „Oto mnie widzisz, Frida Kahlo, razem z moim ukochanym mężem Diego Riverą malowałam te portrety w piękne miasto San Francisco w Kalifornii dla naszego przyjaciela pana Alberta Bendera i to było w kwietniu roku 1931”.

Frida i cesarskie cięcie, 1931

W 1930 roku, rok po ślubie, Frida musiała zmierzyć się z pierwszą z trzech aborcji. Ten z 1930 roku wymagał interwencji chirurgicznej, ponieważ rozwój dziecka w łonie matki był absolutnie niemożliwy ze względu na powikłania zdrowotne matki.

Głęboko w bólu, ponieważ Frida bardzo pragnęła być matką, rok później namalowała tę tragedię na obrazie zatytułowanym Frida i cesarskie cięcie. Temat musiał sprawiać jej ogromną trudność, skoro obraz był niedokończony.

Dwie Fridy, 1931

Na tym obrazie Frida wydaje się być zainspirowana wspomnieniem wyimaginowanej przyjaciółki, którą miała w wieku 6 lat, swego rodzaju alter ego. Na obrazie reprezentuje swoje dwie spuścizny kulturowe: po lewej europejskie; po prawej tubylec.

Oba są połączone krwią, tętnicami odsłoniętego serca. Na portrecie po lewej stronie serce wydaje się otwarte jak w przekroju, podczas gdy po drugiej widzimy zewnętrzną powierzchnię serca. Z jednej strony obraz serca Chrystusa, z drugiej wspomnienie religijnych ofiar z prekolumbijskiej przeszłości.

Każda z „Fridów” ma inne atrybuty: europejska Frida, ubrana w biały garnitur, nosi w prawej ręce nożyczki, które przecięły ociekającą tętnicę na kolanach. Rdzenna Frida nosi w lewej ręce mały portret ukochanego Diego Rivery, połączony z jedną z arterii serca.

Zobacz też Analiza obrazu Las dos Fridas autorstwa Fridy Kahlo.

Moje narodziny, 1932

Zachęcona przez Diego Riverę do przedstawienia najbardziej wyjątkowych momentów swojego życia, Frida chciała przedstawić swoje narodziny tak, jakby urodziła samą siebie. W scenie pojawia się matka z twarzą zakrytą prześcieradłem, nawiązując do jej śmierci.

Frida wkłada głowę między nogi matki i pod nią pojawia się kałuża krwi, przypominająca również o ostatnim poronieniu. Na łóżku wiszący na ścianie obraz w obrazie przedstawia Virgen de las Angustias, która obserwuje sytuację.

U podnóża dzieła Frida przedstawiała otwarty pergamin, w którym miały się znaleźć słowa, których nigdy nie napisała. Obraz jest więc wotum niedokończonym. Częścią jego stylu była w rzeczywistości rewizja sztuki popularnych wotum, które opierały się na: ofiara dla Boga, opowiedziana za pomocą obrazu i aluzyjnego tekstu, cud, dzięki któremu doceniane.

Może Ci się spodobać Frida Kahlo: biografia, obrazy, styl i zwroty.

Kilka pikiet, 1935

Niewierność Diego Rivery osiągnęła punkt kulminacyjny, gdy zdecydował się wziąć siostrę Fridy za jej kochanka. Wiadomość o zabójstwie kobiet w tym czasie wstrząsnęła Fridą: mężczyzna zadźgał swoją żonę na śmierć. Złapany przez władze oświadczył: „Dałem mu tylko kilka pikiet”.

Frida przedstawiła tę zbrodnię jako alegorię jej emocjonalnego cierpienia w obliczu podwójnej zdrady, jako śmierć duchową. Nad postaciami filakterium uwiecznia frazę przestępcy. Ważną cechą obrazu jest to, że krew opuszcza obrazowy kontekst i rozpływa się po kadrze, jakby starając się dotrzeć do rzeczywistości, w której znajduje się widz. W ten sposób Frida próbuje przełamać rozdzielenie fikcji od rzeczywistości.

Autoportret z naszyjnikiem z cierni, 1940

Do 1939 roku Frida rozwiodła się z Diego Riverą. W pracy ukazuje niepowodzenie jego doświadczenia miłosnego Autoportret z naszyjnikiem z cierni. Wykorzysta do tego naturalne symbole i połączy wartości chrześcijańskie i tubylcze.

Naszyjnik z cierni, jak korona Chrystusa, przedstawia uduszenie i rany spowodowane zdradą Rivery. Z tych gałęzi zwisa martwe ciało kolibra, symbolu „szczęścia w miłości” według meksykańskiej tradycji lub symbolu Huitzilopochtli, boga wojny. W tym samym czasie koliber jest tropiony przez czarnego kota, zły omen, który przysiada na lewym ramieniu Fridy.

Na prawym ramieniu udomowiona małpa, którą podarowałby mu Diego Rivera. Bawiąca się małpa ciągnie za kołnierz, powodując, że ciernie wbijają się w jego klatkę piersiową. Wokół głównych bohaterów świat motyli i ważek reprezentuje zmartwychwstanie.

Martwa natura, 1942

Ta martwa natura została zamówiona przez pierwszą damę Meksyku w tym czasie, Soledad Orozco, żonę prezydenta Manuela Ávili Camacho. Obraz otoczony jest obwodem nawiązującym do macicy matki. W jej skład wchodzą rośliny i owoce o konotacjach erotycznych, dlatego utwór został odrzucony.

Diego w moich myślach, 1943

Nazywany również Autoportret jako Tehuana, ten obraz Fridy Kahlo ponownie przywołuje miłość i uwielbienie dla Diego Rivery. Świadoma fascynacji malarza tradycyjnym meksykańskim strojem, Frida ubiera się w strój tehuany, typowy dla kultury Zapoteków. Na czole, tuż nad oczami, drukuje portret Diego Rivery, nadając obrazowi pewną dosłowność.

Zobacz też Podstawowe dzieła Diego Rivera.

Złamana kolumna, 1944

Frida Kahlo przedstawia na tym obrazie cierpienie wynikające z jej wypadku, które mimo upływu lat wciąż daje o sobie znać. Z pustynnym krajobrazem pustyni w tle, obrazem jej samotności, Frida przedstawiona jest otwarta na tors, odsłaniając jońską kolumnę, kojarzącą się z kobiecością, ale zepsutą. System wiązań wiąże jej kręgosłup, jak chrześcijański męczennik (św. Sebastian), podczas gdy ona podtrzymuje przekłucie wywierane na nią przez paznokcie, które atakują całe jej ciało i twarz. Chociaż płacze, jej wyraz twarzy pozostaje niezrażony.

Beznadziejny, 1945

Przez pewien okres swojego życia Frida Kahlo cierpiała na utratę apetytu, aż stała się wyjątkowo chuda. Z tego powodu musieli ją karmić przez lejek. W sterylnym krajobrazie, który zawiera słońce i księżyc, dzień i noc jako wieczny i niezróżnicowany cykl dla cierpiących, Frida reprezentuje ten okres.

Lejek zyskuje fantastyczne wymiary, a zamiast przewozić przetworzoną żywność, zbiera wszelkiego rodzaju czerwone mięso, drób i ryby. Powyżej cukrowa czaszka ozdobiona motywami Dnia Zmarłych. Czy śmierć wydaje się słodka w obliczu tej tortury jedzenia? Na czaszce jest napisane jego imię.

Za obrazem Frida napisała: „Nie ma we mnie nawet najmniejszej nadziei... Wszystko porusza się zgodnie z tym, co zawiera żołądek ”.

Ranny jeleń, 1946

Około 1949 r. Frida Kahlo przeprowadziła jedną ze swoich operacji, aby poprawić problem z kręgosłupem. Nic nie zostało osiągnięte. Rozczarowana wynikami, przedstawiła się jako ranny jeleń podczas polowania. Jego własna głowa jelenia ma poroże. Ciało jest przeszyte raniącymi datami. Jeleń, w środku suchego lasu, w którym w tle widać światło horyzontu, nie jest w stanie się uratować.

Uścisk miłości Wszechświata, 1949

Matka Ziemia wita Fridę, która z kolei usypia Diega Riverę, jakby była dzieckiem. Rivera dociera do trzeciego oka na czole, które obserwuje całą scenę. Otaczający ich wszechświat wyraża dwoistość dnia i nocy. Niebo i ziemia mają twarze, a mleko, które karmi, kapie z piersi matki ziemi.

Korzenie rozprzestrzeniły się szukając ziemi. W scenie biorą udział meksykańskie symbole, takie jak tradycyjny strój Fridy. Pojawia się roślinność typowa dla tych intensywnych meksykańskich krajobrazów: nopale, kaktusy i maguey. U stóp tego kochającego i otaczającego świata leży pies rasy meksykański nagi pies meksykański, który według mentalności meksykańskiej jest symbolem śmierci, w tym przypadku jest to uśpiona śmierć.

Moja rodzina, 1949

Próbując zbudować swoją tożsamość, Frida maluje swoją rodzinę jako rodzaj drzewa genealogicznego. Ten z 1949 roku nie będzie jedyny, ale będzie to ten, w którym pojawi się więcej postaci z jego rodziny.

W środku jego ojciec i matka, Guillermo Kahlo i Matilde Calderón. W górnym paśmie dziadkowie Jacob Heinrich Kahlo i Henriette Kaufmann Kahlo oraz dziadkowie ze strony matki Antonio Calderón i Isabel González i González. W dolnym pasie jej siostry Matilde, Adriana, sama Frida, Cristina.

Pojawiają się również niektóre dzieci, chociaż nie wiadomo dokładnie, kim są, ponieważ były niekompletne. Niektórzy myślą, że chodzi o dzieci Cristiny; inni, że dzieci z poprzedniego małżeństwa ich ojca i brata, który zmarł wkrótce po urodzeniu. W centrum tego paska dziecko. To prawdopodobnie aluzja do dzieci, które straciła podczas aborcji.

Żyj życiem, 1954

Był to ostatni obraz, który Frida podpisała przed śmiercią, choć nie wiadomo na pewno, czy był to ostatni, który namalowała. ponieważ inne obrazy z tego okresu, po amputacji nogi, wyglądają szorstko i ordynarnie w porównaniu z to.

Obraz jest celebracją życia. Arbuz, znany w niektórych krajach jako patilla, to owoc kojarzony ze szkieletami z dni zmarłych. Tak więc po raz kolejny taniec życia i śmierci na obrazie Fridy Khalo. Ton będzie jednak optymistyczny, żywy, pomimo wszystkich wstrząsów, jakich doznał w życiu. Frida żegna się mówiąc „Niech żyje życie”.

O Fridzie Kahlo

Jej pełne imię brzmiało Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón. Urodził się 6 lipca 1907 roku w Mexico City w słynnym Niebieskim Domu jego rodziców, który zawsze był jego rezydencją, mimo że na przez całe życie miał inne alternatywne pobyty, takie jak studio Diego Rivery w San Ángel i inne miejsca wewnątrz i na zewnątrz kraj. Frida była córką Wilhelma (Guillermo) kahlo, pochodzenia węgiersko-niemieckiego, oraz Matilde Calderón, pochodzącej z Oaxaca.

Przez całe życie Frida doświadczała różnych problemów zdrowotnych, które zadecydowały o rozwoju jej kariery malarskiej. Pierwszym z nich było polio, na które cierpiał, gdy miał 6 lat, i które sprawiło, że miał jedną nogę krótszą od drugiej.

W 1925 roku, kiedy miała 18 lat, tramwaj, którym jechała Frida, uderzył w autobus, powodując u niej: różne złamania i urazy kręgosłupa, które powodowały jego unieruchomienie w różnych momentach jego trwania dożywotni. To właśnie w tych okresach Frida zaczęła malować.

Frida Kahlo wyszła za mąż za meksykańskiego muralistę Diego Riverę w 1929 roku i wkrótce zaszła w ciążę, ale w 1930 roku dokonała aborcji. Do tego bólu dołączyła ciągła niewierność Rivery, która doprowadziła ją do rozwodu w 1939 roku, chociaż rok później pobrali się ponownie.

Przywiązanie Fridy Kahlo do partii komunistycznej jest dobrze znane, dlatego udzieliła ona Leonowi Trockiemu i jego żonie azylu w Błękitnym Domu, gdzie rosyjski przywódca miał zostać zamordowany w 1940 roku.

Z powodu komplikacji zdrowotnych Frida została przyjęta do Szpitala Angielskiego w latach 1950-1951. W 1953 amputowano mu prawą nogę.

13 lipca 1954 Frida Kahlo zmarła na zator płucny w Niebieskim Domu, tym samym miejscu, w którym się urodziła.