Wyjaśniono 20 surrealistycznych obrazów

Surrealizm był ruchem awangardowym, który pojawił się w 1924 roku po opublikowaniu Manifest surrealistyczny przez André Bretona. Zainspirowany psychoanalizą poszukiwał reprezentacji podświadomości w sztuce poprzez wyobraźnię i automatyzm. Artyści tacy jak Salvador Dalí, Man Ray, Joan Miró i René Magritte powitali ten ruch.

Jednak przed i po tej awangardzie surrealizm był obecny u wielu artystów przywołanie świata marzeń, fantazji, wyobraźni, skojarzeń zdarzeń i improwizacja. W artykule zebrano listę 20 obrazów surrealistycznych, w większości wpisanych w ruch. Uwzględniono również te, które albo ustanowiły precedens, albo zostały pod jego wpływem.

1. Trwałość pamięci, Salvador Dali

Obrazek Trwałość pamięci Salvadora Dalí to fundamentalne odniesienie do surrealizmu, a zwłaszcza twórczości tego malarza. W tle widzimy pejzaż przypominający linię Leonarde. Charakterystycznym elementem Dalego jest światło. Na pierwszym planie miękkie zegary ogłaszają względność czasu. Przestrzeń jest również relatywizowana za pomocą przeciwstawnych świateł. Bezkształtna postać leży na powierzchni obrazowego wszechświata. Niektórzy widzą w jej rysach twarzy Dalego.

2. Słonie, Salvador Dali

Dalí zaskakuje na tym płótnie wyeksponowaniem pustki otoczonej przez dwa duże słonie o niezwykle cienkich i długich nogach, jak owady. W związku z tym siła związana z tymi zwierzętami staje w obliczu paradoksu. Na ich plecach unoszą się dwa zawalone obeliski.

Jest to nawiązanie do rzeźby Berniniego na Plaza de Minerva (Rzym). Dla baroku obelisk był symbolem mądrości, a słoń był symbolem solidności niezbędnej do jego noszenia. Na płótnie Dalinian, poniżej, dwie antropomorficzne postacie wyglądają na małe i nieistotne obok znaków pachyderm.

3. Świetny masturbator, Salvador Dali

Całość wpisuje się w program surrealizmu, żywionego teoriami psychoanalizy, zwłaszcza podświadomości i libido. Dalí pokazuje kilka powtarzających się symboli malarza: mrówki, homar, pejzaż morski i lew to tylko niektóre z nich. Scena jest złożoną alegorią seksualną, która łączy symbole pożądania z symbolami czystości (lilia), co pozwala jej ujawnić temat tabu w jej pokoleniu: samozadowolenie.

4. Miękka budowa z gotowaną fasolą (Przeczucie wojny domowej), przez Salvadora Dalí

Miękka konstrukcja z gotowaną fasolą lub Przeczucie wojny domowej jest to szczególnie poruszające płótno. Przedstawia nam to samo ciało rozdarte na dwie połówki, które mimo to wydają się atakować nawzajem. Na ziemi można zobaczyć garść gotowanej fasoli (fasoli lub fasoli), być może symbol głodu, który panował w Hiszpanii, być może symbol „niestrawności” konfliktu. Ta reprezentacja rozczłonkowanego ciała jest alegorią wojny domowej.

Może Cię zainteresować:

• 11 niezapomnianych obrazów Salvadora Dalí .a.
• Trwałość pamięci — Salvador Dalí.

5. Zdrada obrazu (To nie jest rura) René Magritte

René Magritte bawi się na tym płótnie teorią znaków. Posługując się obrazami i słowami, uświadamia sobie nieadekwatność znaku do jego desygnatu: fajka namalowana na płótnie nie jest prawdziwą fajką, podobnie jak słowo „fajka”. Obraz i słowo to tylko reprezentacje, które zastępują prawdziwą rzeczywistość. Zadaje teoretyczny cios koncepcji sztuki zachodniej, opartej na naśladowaniu natury i stoi u progu sztuki konceptualnej.

6. Lampa filozoficznaautor: René Magritte

W kompozycji dominują dwa elementy: mężczyzna, który jednocześnie pali fajkę i zamyka ją na nosie; i płonącą świecę, która topi się przytulając stół. Kompozycja zdaje się oskarżać o „autotematyzm myśli”. Według badaczki Maríi Ángeles Arenal García, w swojej pracy pt Magritte, łowca utraconych podobieństw:

Palacz, który rzuca widzowi żałosne spojrzenie użalające się nad sobą, to wyraźnie Magritte, który piętnując okrągłość swojej myśli ujawnia nam pośrednio płodność wyobraźni, która ma moc przekształcenia świecy w zwinny i chorobliwy kształt oraz akt palenia metaforą dociekania filozoficzny.

7. Syn mężczyznyautor: René Magritte

Na Syn mężczyzny, Magritte umieścił jabłko między twarzą bohatera a widzem. Tożsamość mężczyzny pozostaje ukryta. Jabłko pojawia się wielokrotnie w pracach Magritte'a, czasami kojarzone z „ideą”, a innym razem jako owoc wiedzy i wolności, a także owoc biblijny, który zawiera wiedzę o dobru i źle. Nazwa pracy, Syn mężczyzny, jest odniesieniem biblijnym.

Może Ci się spodobać:

• Surrealizm: charakterystyka i główni artyści.
• Awangarda.

8. Godzina Obserwatorium - Kochankowieprzez Man Ray

Man Ray parał się dadaizmem i surrealizmem. W tej pracy wykorzystuje elementy erotyczne nawiązujące do freudowskiej psychoanalizy. Płótno bierze połowę swojej nazwy od usługi telefonicznej, która zapewnia czas Obserwatorium. Rzeczywiście, w dolnym pasie widzimy obserwatorium, które Man Ray zwykł kontemplować każdego dnia podczas swoich spacerów po Ogrodach Luksemburskich. Zawieszeni na niebie widzimy parę ust, alegorię zjednoczonych kochających ciał. W ten sposób podkreśla się pełnię godziny lub czasu miłości.

9. Równanie Szekspira, Dwunasta Nocprzez Man Ray

Man Ray przedstawia płótno inspirowane komedią Szekspira Dwunasta noc (Dwunasta noc), znany również jako Noc Króla. Kojarzy obiekty bez widocznego związku ze sobą i tworzy złożone wątki, takie jak relacje postaci szekspirowskich. Wśród tych obiektów wyróżniają się jajo strusie i obiekt falliczny, które są jednocześnie odniesieniami do innych prac Raya. Malarz podkreśla tym gestem interreferencyjność, zarówno w relacji między literaturą a malarstwem, jak iw samym malarstwie.

10. Ja i wieśautorstwa Marca Chagalla

Marca Chagalla nie da się ograniczyć do konkretnego ruchu. Jego twórczość można uznać do pewnego stopnia za prekursora surrealizmu, o ile posiada elementy oniryczne i fantazyjne. Na tym płótnie zielona twarz kontempluje krowę, symbol matki. Całość dopełniają nawiązania do codziennego porządku dzieciństwa, wplecione w senną i kolorową atmosferę.

11. Celebesautorstwa Maxa Ernsta

Max Ernst był artystą, który również przechodził między dadaizmem a surrealizmem. W tej pracy naśladuje technikę kolaż reprezentując różne faktury materiałów i tworząc pozornie przypadkowe skojarzenia. Tło wędruje między niebem a morskim wszechświatem. Główna postać, z wyglądu przypominająca słonia, ma konotacje seksualne, podobnie jak prawa wieża, symbol falliczny. Hipoteza interpretacyjna sugeruje, że rogata korona na pniu potwora i kobiece ciało nawiązują do mitu o gwałcie Europy.

12. Kataloński krajobraz (Myśliwy), autorstwa Joana Miró

Joan Miró jest uważany za jednego z najważniejszych artystów surrealizmu dzięki specyfice jego metod i stylu. Praca ta wyróżnia się procesem graficznej syntezy elementów, w tym katalońskiego chłopa lub myśliwego co zostało podsumowane w jego atrybutach: trójkąt z okiem, wąsami i brodą, fajka, ucho i barretina. Pozostałe elementy odsłaniają suchy kataloński krajobraz, aw dolnej części nawiązują do katalońskiej tradycji zwanej pochówkiem sardynek.

Może Ci się spodobać: Joan Miró: Wyjaśniono 20 kluczowych prac.

13. Mamo, tata jest ranny!przez Ives Tanguy

Ives Tanguy należał do kręgu André Bretona i był uważany za abstrakcyjnego surrealistę. Na tym płótnie przedstawia opustoszałą scenę z nieproporcjonalnymi i nieproporcjonalnymi postaciami, które zwracają naszą uwagę jeszcze bardziej, gdy zastanawiamy się nad tytułem:Mamo, tata jest ranny!". Ta gra słów i obrazu tworzy inny stan psychiczny obserwatora, który nie znajduje na płótnie elementów, których mógłby się trzymać, przynajmniej nie przy szybkim czytaniu.

14. Niewidzialnychprzez Yvesa Tanguy

Po II wojnie światowej Tanguy zamieszkał w Stanach Zjednoczonych. Pod wpływem poznanych stylów i kolekcji zaczął realizować figury z częściami biomorficznymi i częściami mechanicznymi na przestrzeniach, jak na tym płótnie. Postacie, niczym fantasmagorie, są wzniesione na niejasnej i bezwładnej przestrzeni. Według ekspertów liczby te budzą w tamtych czasach niepokój surrealistów o istoty inny świat, zjawisko, które nie ma racjonalnego wyjaśnienia.

15. Autobiografia zarodkaprzez Eileen Agar

Eileen Agar to brytyjska artystka. W tej pracy artysta uwzględnia postulaty ruchu surrealistycznego. Dzielimy płótno na cztery części i wciskamy w nie reminiscencje sztuki greckiej. Zobaczymy też aluzje do sztuki afrykańskiej, do renesansu, czyli nawiązania do dziedzictwa kulturowego, zdefiniowanego przez Tate Modern w Londynie, protektora tego dzieła. Widzimy też postacie przypominające komórki i elementy świata biologicznego.

16. Co przyniosła mi wodaprzez Fridę Kahlo

Frida Kahlo była meksykańską malarką kojarzoną z surrealizmem, choć nie postrzegała siebie w ten sposób. Tak czy inaczej, płótno Co przyniosła mi woda to właśnie on przyniósł mu ten przydomek ręką samego André Bretona, kuratora jego pierwszej wystawy w Nowym Jorku. To płótno przedstawia osobistą historię Fridy Kahlo: jej kulturowe i rodowe korzenie, jej choroby, jej idee i jej seksualność.

Może Cię zainteresować: Frida Kahlo: biografia, obrazy, styl i frazy meksykańskiego artysty.

17. Złamana kolumnaprzez Fridę Kahlo

Złamana kolumna Jest to płótno autorstwa Fridy Kahlo przedstawiające cierpienie fizyczne. Nie tylko padła ofiarą polio i fibromialgii, ale w młodości artystka doznała wypadku, który spowodował poważne urazy kręgosłupa. Frida Kahlo przedstawia to cierpienie na tym autoportrecie, w którym półnagi tors jest otwarty, by pokazać starożytna kolumna w ruinie, podczas gdy jego ciało jest obciążone małymi bólami, które reprezentują paznokcie.

18. Wykwintne zwłoki

Surrealiści często stosowali zapożyczoną z literatury technikę zwaną „wykwintnym trupem”. Na wykwintne zwłoki składają się: osoba wykonuje spontaniczny rysunek (automat) na wycinku papieru. Gdy to zrobi, składa kartkę, aby ukryć rysunek i przekazuje go innemu uczestnikowi, który musi zrobić to samo w następnym segmencie. Na koniec kartka zostaje rozwinięta, a kawałek zostaje odsłonięty z wieloma postaciami, które zestawione razem ujawniają mechanizmy podświadomości. Prezentowany przez nas egzemplarz posiada charakterystyczne elementy malarza i tancerza Valentine'a Hugo, który wykorzystał czarne tła. Ale to dzieło zbiorowe, w którym brały udział różne osobowości, takie jak André Breton.

19. Oczy na stoleprzez Remedios Varo

Remedios Varo to hiszpańsko-meksykański malarz silnie inspirowany surrealizmem. Na tym obrazie widzimy wyobraźnię, która oddziela oczy od okularów z rzęsami. Elementy znajdują się na desce, która unosi się na powierzchni z trawą o niskiej gęstości. Oczy zdają się patrzeć z zewnątrz na instrumenty, które powinny korygować ich wady. Tymczasem widz widzi nierealne okulary, których przyczepione rzęsy igrają z przestrzennym nonsensem.

20. Haftowanie płaszcza ziemskiego, przez Remedios Varo

Haftowanie płaszcza Ziemi Jest to centralny panel pracy Remedios Varo, który jest częścią tryptyku. Całość uzupełniają sceny znane jako W stronę Wieży Tak Ucieczka. Podobno scena nawiązuje do czasów, gdy Remedios Varo tkała w klasztorze, podczas gdy ktoś inny czytał. Nić wypływa z tajemniczego źródła w centrum kompozycji. Tkanina wymyka się granicom wieży i swoją kreatywnością przenika świat.