Gustav KLIMT e suas 5 obras mais importantes

Gustav Klimt (1862-1918) é uma das referências dentro do movimento modernista da secessão vienense, sendo também seu cofundador e primeiro presidente. UMA Pintor simbolista de origem austríaca caracterizado pelas suas peculiaridades, pelo seu prestígio e por ser um dos pintores mais decorativos grandes nomes do século 20, desenvolvendo um estilo próprio, carregado de erotismo, eclético, cheio de fantasia e riqueza.

Nesta lição da unPROFESOR.com, oferecemos a você quais são os as obras mais importantes de Gustav Klimt e as características básicas de seu estilo artístico.

Índice

1. Características das obras de Gustav Klimt
2. O Auditório do Antigo Burgtheater: uma das obras de Gustav Klimt
3. Pallas Athenea (1898)
4. Medicina (1900-1901), uma obra muito proeminente de Kimt
5. Adele Bloch-Bauer (1903-1907), a melhor obra de Klimt
6. O beijo (1907-1908), uma das obras mais importantes de Klimt

• Klimt era pintor decorativo dedicado ao embelezamento de edifícios com relevos e cenas e figuras históricas. Uma estética que levou a suas pinturas sobre tela, tornando-se um
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  expoente da igualdade entre as artes decorativas e as artes plásticas.
• Foi um dos fundadores da Secessão de Viena, em 1897, sendo eleito presiente por sua personalidade rebelde e inovadora. Sua fama internacional como o mais famoso pintor Art Nouveau contribuiu para o sucesso inicial da Secessão, mas também para seu declínio quando ele a deixou em 1905.
• Embora atualmente seja a arte é icônica e muito popular, na época parte de suas obras eram consideradas obscenas por seus alto conteúdo erótico.
• O trabalho dele é muito pessoal e únicoAinda hoje, sua Fase Dourada é caracterizada pelo uso de folhas de ouro e prata no estilo dos mosaicos bizantinos.

Entre as obras mais marcantes de Gustav Klimt está O Auditório do Antigo Burgtheater (1888-89), o início da carreira pictórica de Klimt.

Esta foi uma das encomendas mais importantes do início da carreira de Klimt. O conselho da cidade de Viena pediu ao pintor para pintar alguns quadros do antigo Burgtheater, a ópera da cidade, construída em 1741 e demolida naquele ano de 1888.

Klimt escolheu capturar o layout dos camarotes de ópera, uma escolha um tanto original, mas significativa do ponto de vista arquitetônico. Uma obra de estilo acadêmico, típico de Os primeiros trabalhos de Klimt e em que a influência de Hans Makart.

Outro aspecto de interesse é o detalhe e virtuosismo de Klimt introduzindo na obra os retratos de todas as pessoas que lhe pediram para os incluir nas caixas. Assim, a peça não é apenas uma memória de como era o teatro, mas das elites políticas, culturais e econômicas da cidade: mais de 150 pessoas no total. Membros da audiência incluem o primeiro-ministro da Áustria, o prefeito de Viena, o o cirurgião Theodor Billroth, o compositor Johannes Brahms e a amante do imperador, a atriz Katherina Schratt.

Embora os separatistas tivessem como princípio romper com as tradições artísticas anteriores, sua relação com o passado não era tão simples. Assim, tanto ele quanto outros membros do secessionismo foram inspirados por Figuras e histórias míticas e alegóricas greco-romanas e de outras civilizações antigas.

Neste caso, Klimt reinterpreta a figura da deusa greco-romana com cores suaves e com tendência à abstração, estilo ao qual aderirá quando abandonar o Secessionismo. Nesta obra, Klimt oferece uma imagem poderosa e imponente de Atenas, mostrando a deusa envolta em uma névoa e com uma aparência andrógina. Ele a veste com um traje militar que a identifica como uma guerreira e protetora da cidade de Atenas, qualidades masculinas, enquanto mostra seus cabelos longos e finos como um sinal de seu lado feminino. Em sua mão, ele segura uma figura nua da Nike, a representação da vitória.

Naquela neblina um representação do onírico, conectando o trabalho com o trabalho de Sigmund Freud. Assim, a obra seria a personificação do ideal de uma mulher poderosa, objeto do desejo masculino, bem como da mulher que anseia vestir-se como homem para atingir um status de poder.

Em 1894, o Ministério da Cultura encarregou Klimt de pintar o novo Grande Salão da Universidade de Viena. O trabalho de Klimt consistiu na pintura de três telas monumentais sobre os temas da Filosofia, Medicina e Jurisprudência, respectivamente. Quando Klimt começou a pintar as telas em 1898, ele já havia aderido à Secessão e abandonado o naturalismo. Das três obras, Medicina foi a tela que mais gerou polêmica.

Medicamento mostra para Hygeia, a filha mitológica do deus da medicina, localizado no centro inferior da tela e identificado por uma serpente e o copo de Lethe. Acima de Hygeia ergue-se uma alta coluna de luz, à direita da qual se ergue uma teia de figuras nuas entrelaçadas com o esqueleto da Morte. Do outro lado da coluna de luz flutuava uma mulher nua cuja pélvis estava inclinada para a frente, enquanto sob seus pés flutuava um bebê envolto em tule. Essa composição gerou uma infinidade de críticas acusando Klimt de fazer uma obra pornográfica, sem se referir a nenhum tópico médico. A atitude de rejeição com que as obras de Klimt foram recebidas levou o pintor a recomprar as três obras em 1905.

O trabalho de Klimt mostra o ambigüidade da vida humana, representando simultaneamente nascimento e morte. A rejeição do trabalho de Klimt demonstra como, apesar dos grandes avanços que a Secessão deu ao longo dos anos Desde a sua fundação, o movimento não conseguiu reverter as atitudes conservadoras em relação à arte moderna em Viena.

Para Klimt, tudo isso foi uma verdadeira humilhação e rejeição pública, algo pelo qual ele não expôs em Viena. por cinco anos após 1903, e renunciou a atribuições oficiais, concordando apenas em assumir atribuições privado. Essas três pinturas, como muitas obras de Klimt, foram confiscadas pelos nazistas e cremadas em maio de 1945. dentro do Schloss Immendorf, o castelo da Baixa Áustria onde foram armazenados, pelas tropas SS em cancelamento.

Este é um dos Obras mais famosas de Klimt por ser um dos casos mais notórios de roubo de arte realizado pelos nazistas. Adele Bloch-Bauer, esposa do banqueiro vienense e magnata do açúcar Ferdinand Bloch-Bauer, foi uma de suas musas favoritas, servindo de modelo para várias outras pinturas, incluindo sua famosa Judith I (1901). Embora houvesse rumores de que Klimt estava romanticamente envolvido com muitas das mulheres que pintou, a natureza exata de seu relacionamento com Adele Bloch-Bauer é desconhecida.

Nesta tela um dissolução da realidade rompendo em direção a abstração mais pura. Assim, embora Klimt represente Adele Bloch-Bauer sentada, é quase impossível discernir a forma da cadeira ou separar as formas de suas roupas do fundo. Klimt não se preocupou em descrever o personagem de seu modelo, muito menos em fornecer a localização e o contexto. O uso de folha de ouro e prata Isso mostra o alto valor e a qualidade das joias que Adele usa, bem como a profundidade do amor de seu marido, que encomendou a pintura.

O trabalho está enquadrado no "Fase Dourada" de Klimt da primeira década do século XX, em que utilizou dezenas de padrões de ouro e tons de metal em suas pinturas para adicionar suntuosidade e luxo para suas obras. Uma técnica que se conecta com os mosaicos bizantinos na Basílica de San Vital em Ravenna, Itália, que Klimt visitou em dezembro de 1903. Muitos desses mosaicos usam um fundo dourado plano semelhante e representam a Imperatriz Bizantina Teodora. A representação de Klimt da gargantilha usada por Adele Bloch-Bauer neste retrato é inspirada por esses mosaicos. Os historiadores da arte também apontam para as influências egípcias no formato dos olhos e nas roupas dos Bloch-Bauer, enquanto as espirais lembram desenhos de Micenas e Grécia antigas clássico.

Como os Bloch-Bauer eram judeus, os bens de Ferdinand foram saqueados pelos nazistas após as anexações da Áustria e da Tchecoslováquia ocidental em 1938. Os nazistas instalaram a pintura na Galerie Belvedere, na Áustria. Ferdinand morreu em 1946, mas não antes de entregar suas pinturas confiscadas, incluindo esta e cinco outras obras de Klimt, para seus sobrinhos. Entre eles estava Maria Altmann. Ela entrou com uma ação em 2000 para recuperar as pinturas.

O caso teve enorme cobertura da mídia e chegou à Suprema Corte dos Estados Unidos, com as pinturas sendo devolvidas à família Bloch-Bauer em 2006. Naquele mês de junho, Altmann vendeu este trabalho para o colecionador de cosméticos e magnata americano Ronald S Lauder por US $ 135 milhões, um preço recorde pago por qualquer pintura. Lauder entregou a pintura ao Neue Galerie de Arte Alemã e Austríaca em Nova York, onde atualmente é exibido.

O beijo é um dos As obras mais sensuais e populares de Klimt, e provavelmente seu trabalho mais reproduzido. É também uma das pinturas-chave da chamada "Fase Dourada" de Klimt, uma fase que se estende aproximadamente de 1903-09, e é considerada um excelente exemplo de Pintura Art Nouveau.

A obra representa um casal se abraçando à beira de uma campina, representado pela estampa floral luminosa, como uma espécie de colcha estendida sob seus corpos. A construção da composição sugere um alto grau de familiaridade com o movimento Arts and Crafts. Assim, o padrão de ladrilhos planos do prado e as roupas das figuras se assemelham ao tecidos produzidos por William Morris no final do século 19.

O uso de materiais de folha de ouro e prata mostra o alto grau de especialização alcançado por Klimt, lembrando manuscritos iluminados medievais, embora seja muito mais precioso e semelhante à arte bizantina, como os campos de ouro para os mosaicos que ele vira em Ravenna em 1903.

Além disso, enquanto Morris e fontes medievais usam materiais preciosos para exaltar a Palavra de Deus ou grande literatura, Klimt Ele os usa para santificar a natureza das relações humanas e o vínculo entre amantes, um tema-chave na Art Nouveau. Assim, o beijo incorpora um visão universal e atemporal do amor romântico.

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• Cardona, F.L (2016) Gustav Klimt, Editores
• Nieto Yusta, C, (2014) Klimt. A artista da alma, Libsa